instalación
DANIEL LIE. UN CRUCE DE SABERES ATRAVESADO POR LO QUEER
La práctica artística de Daniel Lie ha sido leída como una constelación de relaciones entre la naturaleza, las comunidades humanas y los múltiples conocimientos que las atraviesan. Pero su obra no repara en lo evidente, sino que se adentra en los intersticios inexplorados que se abren entre ciencia, mitología, arte y espiritualidad. En sus trabajos, convoca tanto a seres vivos como a antepasados inmateriales en un cruce de saberes determinado por lo queer. ¿Qué es lo que aborda Lie? Al ser –dice- como una complejidad plural en transformación constante.
PAULA ZEGERS: APACHETA
El suelo es literalmente el soporte y la artista ha dibujado en él un camino que nos permite recorrer el conjunto expandido de ladrillos negros como una especie de reverencia a las apachetas que han estado al viento cientos de años, mirando el pasar de los caminantes. La conexión con la naturaleza es fundamental, pero no literal en la obra de la artista.
ENTRE LA TERNURA, EL AUTO-RELATO Y LA VIOLENCIA. EL CONCEPTUALISMO LÍRICO DE AVE
Si algo sumamente interesante tiene AVE es su capacidad holística y multidisciplinaria para generar y aportar desde sus propios procesos creativos, expositivos, líricos hasta incluir las pedagogías, la investigación e incluso las acciones relacionales, experienciales “con la gente”.
ANDREA BREINBAUER: RECORDIS
A lo largo de los últimos cinco años, Andrea Breinbauer (Santiago de Chile, 1990 – vive en Berlín) ha venido investigando en torno a la pintura y la posibilidad de deconstruir el formato del tableau. De este modo, mediante la creación de pequeñas escenografías e instalaciones pictóricas, ahonda en cuestiones como el simulacro, la capacidad narrativa de la pintura, la bidimensionalidad de la superficie y la objetualidad del soporte, abandonando y superando el uso de la tela.
JUAN CARLOS LEÓN: DISPEL
[…] Violeta de genciana, el tradicional achiote, la proyección de luz con residuos de aceite o los degradé aplicados continuadamente en numerosas capas de color, crean efectos psicológicos nubosos, astronómicos o de péndulo dentro de la atmósfera expositiva […]
CLO PANTANO Y BLAS ELLIC: FUI INGENUX AL PENSAR QUE NO VIVIRIAMOS ESTO
Todas las imágenes de la exposición responden de alguna u otra manera a este simple gesto, generar una memoria visual del desastre, exponer, relatar y dar forma a esos miedos que nos habitan. Utilizar el más concreto de los signos, la pintura, su lenguaje que deviene en archivo y que da cuenta de lo que hemos vivido.
MONDONGO: CONEJOS BLANCOS
Utilizando materiales poco convencionales -como espejitos de colores, galletitas dulces, pan, carne, hilos y plastilina-, Mondongo [Juliana Laffitte (Buenos Aires, 1974) y Manuel Mendanha (Buenos Aires, 1976)] crea obras que ponen en tensión la relación conceptual entre la materialidad y la imagen. Escenas irónicas y críticas que privilegian el sentido narrativo, son construidas por los artistas a partir de originales técnicas y la selección de materiales en función de su contenido.
IVELISSE JIMÉNEZ: MATERIAL VOLÁTIL (ARCHIVO DE ERRORES)
[…] El error siempre ha tenido un espacio primordial en mi proceso. Lo contemplo desde un lugar de respeto, tratando de entender su anatomía y lo que ofrece, lo que se puede percibir tras de esa nube. La niebla, los estados cambiantes, lo que no podemos ver porque se mueve muy rápido o porque está oculto en lo que nos abruma […]
MARISA CAICHIOLO. MORFEMA FEMENINO
[…] De esa naturalidad con la que legaliza su investigación sobre la condición/conciencia femenina y la manera en que gestiona la búsqueda afanosa de cierto principio y razón universal, nace una propuesta en la que se cruzan y montan los órdenes de lo político y los de la poesía. […] Sus piezas, por tanto, trazan los puntos de una geografía emocional que, siendo esencialmente feminista, no se convierte en reducción ni en anatema de sí […]
EDRA SOTO: THE MYTH OF CLOSURE / EL MITO DEL CIERRE
Hasta el pasado 22 de diciembre, Luis De Jesus Los Angeles presentó «The Myth of Closure / El Mito del Cierre», la primera exposición individual de Edra Soto (Puerto Rico, 1971) en la galería, en la que a través de un conjunto de nuevas obras da un giro a su práctica para honrar la pérdida de lo que alguna vez fue, mientras busca un camino de aceptación para la transición de su anciana madre que sufre de Alzheimer.