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ANDREA CANEPA: ACTIVAR EL ESPACIO, REPENSAR EL CUERPO
Durante el primer semestre de 2025, la artista peruana Andrea Canepa (Lima, 1980) presentó dos instalaciones de gran escala en Europa que, desde registros materiales y contextuales distintos, comparten una pregunta común: ¿cómo reaprendemos a habitar el espacio? Ambas muestras, ya clausuradas, ofrecen claves importantes para entender la evolución reciente de su práctica.
CARLOS MOTTA. FICCIONES, MONSTRUOS Y PLEGARIAS
Ocupando la totalidad del tercer piso del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, la producción artística de más de dos décadas del artista colombiano Carlos Motta plantea preguntas incómodas, denuncias y afirmaciones contundentes. En sintonía con el título de la muestra, la exposición se presenta como una invocación reivindicativa que reclama espacios para las disidencias, tanto en la historia documentada como en la que está por construirse.
CAROLINA CAYCEDO: SITUAMOS LA VIDA EN EL CENTRO
En Situamos la vida en el centro, la artista colombiana articula una constelación de saberes, luchas y afectos que emergen desde territorios amenazados por el extractivismo. A través de retratos de ríos, plantas, semillas y comunidades en resistencia, Caycedo propone imaginar otras transiciones energéticas, arraigadas en la justicia ambiental, el ecofeminismo y la memoria ancestral.
CLAUDIA ALARCÓN & SILÄT: TEJER, RECONSTRUIR, SANAR
En su debut institucional en el Reino Unido, el colectivo textil wichí Silät y su coordinadora, la artista Claudia Alarcón, presentan “Tayhin” en el De La Warr Pavilion: una instalación que entrelaza saberes ancestrales, memoria comunitaria y abstracción contemporánea, proponiendo una política radical del cuidado desde el tejido como forma de pensamiento, resistencia y sanación.
NICOLÁS MARTELLA: NADA PERSONAL
Hace casi 20 años que Nicolás Martella (Argentina, 1978) registra, colecciona, recupera y predispone un catálogo administrado de imágenes menores, descartadas, de baja calidad. “Nada personal”, su primera exposición institucional individual en la Fundación OSDE, es un intento por abarcar en sala su gesto de archivista de lo inminentemente caduco.
EL TRABAJO COLABORATIVO DE JULIANA GÓNGORA LLEGA POR PRIMERA VEZ A UNA INSTITUCIÓN EN EEUU
En la práctica escultórica de Juliana Góngora (Colombia, 1988), la escucha antecede a la forma. Tierra, sal, leche, fibras vegetales, semillas o hilos de araña son convocados no como meros soportes, sino como entidades activas, dotadas de agencia simbólica, energética y vital. Esta aproximación, respetuosa y sensorial, alcanza una de sus expresiones más significativas en «En el principio / In the Beginning», su primera exposición individual en un museo estadounidense.
HULDA GUZMÁN: MIRACLE FRUITS
Presentada en el Museu de Arte de São Paulo (MASP), esta primera exposición individual institucional de la artista dominicana es una invitación a habitar un universo exuberante, donde la frontera entre lo real y lo imaginado se diluye, y donde cada escena parece contarnos más de lo que muestra. Es también una reflexión urgente y profundamente sensible sobre nuestra relación con el mundo natural como presencia viva, consciente y entrelazada con nuestra existencia.
LATINOAMERICANO. EL MALBA EN QATAR
Por primera vez, el arte moderno y contemporáneo de América Latina llega a la región árabe con una exposición sin precedentes. LATINOAMERICANO, organizada por Malba en colaboración con Qatar Museums, reúne más de 170 obras de más de 100 artistas de América Latina en el Museo Nacional de Catar. Parte del Año de la Cultura Qatar–Argentina y Chile 2025, la muestra propone un viaje visual y conceptual a través de seis núcleos temáticos que revelan la riqueza, diversidad y complejidad del arte latinoamericano desde el siglo XX hasta hoy.
BAGGAGE/LUGGAGE. MATERIAL AND SYMBOLIC MEANINGS IN DISPLACEMENT EXPERIENCES
En las últimas décadas, Venezuela ha vivido una de las crisis migratorias más grandes de la historia contemporánea, con casi ocho millones de personas forzadas a dejar su país. Este ensayo entrelaza historia política, filosofía del refugio y estudios visuales para explorar el impacto de este desplazamiento en la subjetividad individual y colectiva, enfocándose especialmente en los vínculos entre memoria, identidad y materialidad.
SHEROANAWE HAKIHIIWE: “EL ORO NO ES NADA”
44 pinturas y grabados, un video y cinco salas del Museo de Arte Contemporáneo de Chile pintadas de rojo y de negro. Un desembarco de la gráfica y de los colores de la Amazonía que, de tan intensos, quizás ocultan lo más importante de Thapiri / Sueño: la resistencia de una forma no occidental de mirar el mundo. Julio Saavedra reseña la muestra en diálogo con el artista proveniente de la comunidad yanomami.