CLAUDIA ALARCÓN & SILÄT: TEJER, RECONSTRUIR, SANAR

De La Warr Pavilion, emblemático centro de arte modernista ubicado en la costa sur de Inglaterra, presenta Tayhin, la primera exposición institucional de Claudia Alarcón y el colectivo Silät. La muestra —que permanecerá abierta hasta el 14 de septiembre— no sólo marca un hito en la trayectoria internacional de este colectivo textil indígena, sino que también posiciona su práctica en el centro de una discusión urgente sobre las formas contemporáneas de resistencia cultural, trabajo colectivo y reconfiguración de los lenguajes visuales desde el Sur global.

Tayhin —palabra wichí que significa “tejer”, pero también “construir”, “reconstruir” y “sanar”— reúne una serie de obras recientes concebidas por el colectivo, junto con piezas exhibidas en la 60ª Bienal de Venecia (2024), en el marco de la muestra internacional Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere. Esta conjunción de trabajos permite al público adentrarse tanto en la riqueza técnica y simbólica del hacer textil wichí como en su dimensión expansiva, procesual y política, que trasciende los marcos de lo etnográfico para insertarse con fuerza en el discurso del arte contemporáneo global.

Concebida como una instalación específica para el espacio del primer piso de la institución, Tayhin despliega un caleidoscopio de tramas, texturas, colores y formas que, más allá de su belleza formal, encarnan historias, memorias y luchas comunitarias.

El colectivo Silät —cuyo nombre en lengua wichí puede traducirse como “información” o “alerta”— se formó en 2023, pero hunde sus raíces en la organización pública Thañí/Viene del monte, un proyecto de revitalización de las tradiciones textiles ancestrales del norte de Salta, Argentina.

Coordinado por Claudia Alarcón en colaboración con la curadora argentina Andrei Fernández desde 2015, Silät está compuesto por más de cien mujeres tejedoras de las comunidades de La Puntana y Alto la Sierra. La práctica del colectivo surge así de un entramado denso de vínculos comunitarios, saberes intergeneracionales y relaciones con el territorio, donde el acto de tejer trasciende lo funcional para convertirse en una forma de pensamiento, de relación con el mundo y de afirmación identitaria.

Las obras exhibidas en Tayhin están realizadas con hilo de chaguar, una planta silvestre que crece en la región del Gran Chaco. El proceso de recolección, preparación y teñido del chaguar constituye en sí mismo una práctica colaborativa que implica múltiples saberes ancestrales: desde el corte cuidadoso de las hojas en el monte hasta la obtención de pigmentos naturales a partir de raíces, semillas, cortezas y hojas.

Este conocimiento colectivo es inseparable de la producción de cada pieza, que suele involucrar el trabajo simultáneo de varias mujeres —a veces hasta siete— en una coreografía que inscribe cuerpo, tiempo y territorio en el objeto textil.

La geometría de los tejidos no es meramente decorativa, sino simbólica. Como explica la propia Alarcón: “Las formas geométricas que hacemos en las telas tienen significados; cada una es un mensaje. Algunas formas hacen referencia a los pájaros, las huellas, los ojos de gato, nuestro paisaje. En las imágenes recordamos a nuestros ancestros y vemos que todavía son parte de nosotras”.

Así, cada obra puede leerse como una partitura de signos que dialogan con los sueños, los mitos, la memoria oral y las intuiciones colectivas. La transmisión de estos saberes comienza desde la infancia: a las niñas se les enseña a hilar y tejer desde los 12 años, y esa práctica marca un tránsito entre la niñez y la vida adulta, entre el juego y la responsabilidad social.

La exposición también establece un puente con la historia del arte moderno. Varias de las piezas dialogan con la tradición de la abstracción geométrica sudamericana, pero desde una perspectiva que desborda los cánones del modernismo. Lo geométrico en las obras de Silät se distancia de las operaciones formales de, por ejemplo, la Bauhaus, para insertarse en una dimensión más bien simbólica, ritual y vivencial.

Cabe recordar que los textiles wichí fueron una fuente directa de inspiración para Anni y Josef Albers durante sus viajes por Argentina en las décadas de 1930 y 1940. Anni Albers atesoraba en su colección personal textiles de chaguar procedentes de Salta, de los que extrajo principios geométricos y técnicas de tejido para desarrollar su propia práctica pionera, incluyéndolos en su influyente obra On Weaving (1965). En ese sentido, Tayhin también funciona como una devolución crítica: un gesto de retorno y relectura que invierte los flujos tradicionales de influencia y circulación del arte moderno.

Este debut institucional en el Reino Unido se inscribe en un ciclo especialmente activo para Claudia Alarcón y Silät. Entre abril y mayo de este año, el colectivo presentó su primera exposición individual en Nueva York, en la galería James Cohan. Titulada Claudia Alarcón & Silät, la muestra ofreció una lectura más introspectiva y cosmogónica del universo wichí, centrándose en relatos mitológicos sobre el origen del tejido y su vínculo con el cielo.

Entre las obras destacaba Un coro de yicas (2024–2025), compuesta por cien bolsos tejidos —las tradicionales yicas wichí— dispuestos sobre una de las paredes como un enjambre vibrante. Cada yica representaba a una integrante del colectivo, en un gesto de visibilización y afirmación de presencia: “tejemos juntas, tejemos futuro”.

Además de esta obra, la exposición en Nueva York presentó dos piezas individuales de Alarcón realizadas con la técnica del “punto antiguo”, una puntada apretada y de ejecución lenta que estaba en riesgo de desaparecer. Las obras ¡Nuestra fuerza es unirnos! (2024) y Siguiendo la huella del conocimiento ancestral (2025) rescatan no solo esta técnica, sino toda una ética comunitaria del cuidado, la transmisión intergeneracional y la soberanía cultural.

Poco después, el 22 de mayo, Claudia Alarcón y Silät inauguraron la exposición Choreography of the Imagination en la galería londinense Cecilia Brunson Projects. Esta muestra, abierta hasta el 25 de julio de 2025, explora la dimensión más íntima y experimental de la práctica de Alarcón a través de una serie de piezas de su autoría, revelando su capacidad para articular una voz propia dentro de una apuesta colectiva.

A través de estas exposiciones recientes, el trabajo de Claudia Alarcón y Silät se consolida como una práctica artística situada que desafía los marcos convencionales del arte indígena. Si bien anclado en tradiciones seculares, Silät no se presenta como un proyecto de preservación artesanal o folclórica, sino como un laboratorio de formas, relatos y afectos donde lo ancestral y lo contemporáneo se potencian mutuamente.

La práctica de Alarcón —individual y colectiva— puede entenderse como una intervención crítica en las narrativas del arte latinoamericano contemporáneo. Desde los márgenes geográficos y simbólicos del sistema del arte, su trabajo propone una visualidad no colonizada, profundamente enraizada, que sin embargo no se repliega sobre sí misma. Por el contrario, se abre al diálogo, a la colaboración, al encuentro con otros lenguajes. En su accionar radicalmente colectivo y territorial, Silät traza nuevas coordenadas para pensar el arte como práctica de mundo, como política del cuidado y como forma de imaginar futuros desde la trama de los vínculos.