Es tendencia

PRECARIZAR LO PRECARIZADO. TRABAJAR EN CULTURA EN MEDIO DE LA PANDEMIA

El desplome es importante, y si la precarización se agudiza en la generalidad de la población, los trabajadores de la cultura desde antes precarizados también pueden caer aún más. Una caída estrepitosa que los deje, incluso, fuera del tablero de las políticas públicas del Gobierno. ¿Cómo pensar una solución o contención para no llegar al abismo? De los grandes aprendizajes del nuevo Chile que está en desarrollo, hemos de ser conscientes de algo: ante problemas colectivos, sólo tienen sentido las soluciones colectivas.

EL COLECCIONISMO EN TIEMPOS DE CRISIS

Apoya a los artistas a un nivel sostenible, no basado en objetos. Las formas útiles de hacer esto son: pagar el arriendo de su estudio, comprarles materiales, aportarles subsidios, financiar viajes, residencias, exposiciones y formación. La venta de obras de arte es demasiado volátil y esporádica como para permitir que un artista satisfaga sus necesidades esenciales recurrentes, como lo es la alimentación, el arriendo y la atención médica. Con más inseguridad financiera, hay menos tiempo y energía para hacer arte. Por lo tanto, piensa independientemente del material y la producción medible, y piensa en el arte, como se dijo al principio, como una práctica en la que es importante que participes. (Esto es igualmente importante en otros tipos de crisis, como la actual pandemia SARS-CoV-2).

José Manuel Ballester, "Palacio Real", 2009, fotografía sobre lienzo, 276,01 x 318,38 cm. Cortesía: Museo Guggenheim Bilbao

MUSEOS DE ARTE EN TIEMPOS DEL CORONAVIRUS

El contexto actual determinado por el COVID-19 ha transparentado, de una parte, la fragilidad de la dependencia económica, y de otra parte, la innegable naturaleza física, de encuentro y contacto. El virus tan solo es un recuerdo de nuestra vulnerabilidad. Cuando esto termine, nuestra alternativa es la recursividad frente a la radicalización de los retos y debemos fortalecer comunidades ya existentes y afianzar nuevas (incluso entre museos).

Recomendados

Yeguas del Apocalipsis, La Conquista de América, 1989. Fotografía: Paz Errázuriz

TRANSFORMANDO EL DUELO EN ACCIÓN: MIGUEL A. LÓPEZ, NELLY RICHARD E INTI GUERRERO EN CONVERSACIÓN

La siguiente conversación entre Nelly Richard, Miguel A. López e Inti Guerrero aparece originalmente en inglés en el libro «Is the Living Body the Last Thing Left Alive?: The New Performance Turn, Its Histories and Its Institutions», publicado este año por Para Site (Hong Kong) y Sternberg Press (Berlín). Editado por Cosmin Costinaş y Ana Janevski, el libro propone que ha surgido un «nuevo giro” en el performance en la segunda década de este siglo.

Mass in CBS Minor, de Carmen Beuchat. 112 Greene St. Gallery, Nueva York, 1972. Foto: Alfonso Barrios

CARMEN BEUCHAT. ¿QUÉ PUEDE UN CUERPO?

Paz López entrevista a Jennifer McColl Crozier, quien junto a un equipo de investigadores de diversas disciplinas ha desarrollado dos grandes trabajos que recuperan la obra transdisciplinaria de la coreógrafa y performer Carmen Beuchat (Santiago de Chile, 1941). Por un lado, el Archivo Carmen Beuchat, disponible online, y por otro, el libro «Cuerpo y Visualidad. Reflexiones en torno al archivo», publicado hace poco por editorial Metales Pesados.

La Máquina del Deseo, de Manuel Felguérez, en Galería Páramo, Guadalajara, México, 2018. Cortesía de la galería

RETROSPECTIVA DE MANUEL FELGUÉREZ, PIONERO DE LA ABSTRACCIÓN Y EL ARTE DIGITAL EN MÉXICO

Manuel Felguérez (Valparaíso, Zacatecas, 1928) es considerado el pionero del arte abstracto en México. Sus trabajos «Espacio Múltiple» y «Máquina Estética», que fueron resultado del uso de la computadora como instrumento en el diseño, han llevado también a considerársele como “el pionero del arte digital en México”. Ambas obras pueden verse –y experimentarse- por estos días en la galería mexicana Páramo, en lo que constituye la primera exposición individual del artista en Guadalajara.

Néstor Olhagaray en la Bienal de Video de Santiago, 1995. Foto cortesía de Claudia Aravena

EN MEMORIA DE NÉSTOR OLHAGARAY

Néstor Olhagaray se podría identificar como uno de los principales exponentes e impulsores del videoarte en Chile. Como artista, investigador y académico, contribuyó en la formación y visibilización de creadores chilenos abocados a expandir el lenguaje audiovisual. En 1993 fundó la Bienal de Video de Santiago (hoy Bienal de Artes Mediales de Santiago) y la Corporación Chilena de Video y Artes Electrónicas, iniciativas de indudable impacto internacional que dirigió hasta el año 2012, y que tomaron como modelo el Festival Franco-Chileno de Videoarte (1981-1992), un espacio pionero en el país y único en Latinoamérica que llevó a conformar un incipiente pero sostenido circuito de creación y reflexión en torno al video y la experimentación de imágenes electrónicas en movimiento. Hoy, algunos de sus amigos y colaboradores más cercanos, quienes le acompañaron en momentos claves de su trayectoria, le recuerdan en esta nota dejando sus memorias e historias.

Noticias

LAS FORMAS DEL CAOS

EAC (Espacio de Arte Contemporáneo) de Montevideo presenta desde el pasado 13 de marzo la muestra «Las formas del caos», que reúne a los artistas Víctor Hugo Bravo, Eduardo Caballero, Fredi Casco, Juan Castillo / Colectivo Pésimo Servicio, Marcos Figueroa, Nelson Garrido , Coco González Lohse, Antonio Guzmán, Pamela Iglesias, Klaudia Kemper, Marcos López, Brian Mackern, Francis Naranjo con Carmen Caballero, Pablo Núñez, Bernardo Oyarzun, Joaquín Sánchez, Mauricio Toro-Goya y Liliana Zapata.

Firelei Báez, Untitled (Le Jeu du Monde), 2020, óleo y acrílico sobre lienzo con archivo impreso, 266.7 x 334.5 x 4 cm. Cortesía: James Cohan Gallery, NY

FIRELEI BÁEZ. HISTORIAS DE LA DIÁSPORA

Las pinturas de la artista dominicana Firelei Báez, usualmente protagonizadas por figuras femeninas fuertes y camaleónicas, incorporan motivos sacados de cuentos mitológicos locales, artefactos históricos, además de elementos de ciencia ficción y fantasía e historias heredadas en constante evolución para imaginar las identidades como algo cambiante.

Vista de la exposición "Formas de fuga", de Teresa Solar, en Galería Travesía Cuatro, Madrid, 2020. Cortesía de la galería

TERESA SOLAR: FORMAS DE FUGA

En esta exposición, Teresa Solar nos ofrece la posibilidad de compartir un momento fascinante, la luz que se genera entre los ruidos de fondo, nuestras cavilaciones al merodear por primera vez con los ojos y las manos, aunque sea virtualmente, en nuestro primer encuentro con las obras y la fuerza del entendimiento parcial, de la aproximación a la obra en cada minuto que pasamos con ella.

Artículos

Tomás Rivas, Radiación para dibujo “Serie Imago Mundi”, 2020, dibujo y pintura sobre papel, pintura sobre muro, masisa imitación concreto, pintura sobre listón de madera, 410 x 250 cm.

TALLER BLOC. DIEZ AÑOS EN LA MESA DE PINBALL

¿A qué remite el pinball? En estos tiempos, las palabras pinball o flipper están cargadas de un aura vintage. Sin embargo, si ahondamos en la historia y connotaciones del juego podemos hablar de un sentido de azar, choque y rebote; un tira y afloja entre el jugador contra la máquina, resistiendo a un final que sólo podemos postergar, pero inevitablemente llegará. La historia de Taller BLOC y su exposición titulada «Pinball», que marcó la celebración del décimo aniversario de este colectivo chileno, reflejan ese espíritu. Pinball fue una muestra express, abierta del 13 al 15 de marzo, que reunió como en muy pocas ocasiones los trabajos de sus socios fundadores: Tomás Rivas, Rodrigo Galecio, Rodrigo Canala, Gerardo Pulido, Catalina Bauer.

Convocatorias

post(s) es una publicación anual del Colegio de Comunicación y Artes Contemporáneas de la Universidad San Francisco de Quito.

CALL FOR PAPERS: ARTE CONTEMPORÁNEO Y NACIONES INDÍGENAS, ORIGINARIAS O CAMPESINAS [ES/EN]

¿Cuáles son las estrategias de las y los actores indígenas, originarios o campesinos para encontrar discursos y plataformas en el arte contemporáneo? ¿Cómo es el arte contemporáneo un lugar de enunciación para las y los actores indígenas, originarios o campesinos? ¿Cuáles son los aportes de los conocimientos indígenas, originarios o campesinos en el arte contemporáneo? ¿Cuáles son las relaciones de poder en la apropiación de las diversidades culturales en el arte contemporáneo? ¿Cuáles son las posibilidades de generar diálogos interculturales a través del arte? ¿Cómo se relacionan las naciones indígenas, originarias o campesinas con los centros hegemónicos de reproducción del arte contemporáneo, por ejemplo, bienales internacionales? ¿En qué términos ingresan los actores indígenas a la historia global del arte? ¿Cuáles son los instrumentos de inclusión y exclusión del arte indígena o el arte popular? ¿Cómo son los indígenas, originarios o campesinos utilizados, exotizados o instrumentalizados en el arte contemporáneo? ¿Cómo entran en disputa las definiciones y prácticas del arte contemporáneo con las artísticas indígenas, originarias o campesinas? ¿Cómo se están planteando en la actualidad los debates en el campo del arte sobre las discusiones decoloniales, anticoloniales o descoloniales?

Entrevistas

José Manuel Ballester, "Palacio Real", 2009, fotografía sobre lienzo, 276,01 x 318,38 cm. Cortesía: Museo Guggenheim Bilbao

MUSEOS DE ARTE EN TIEMPOS DEL CORONAVIRUS

El contexto actual determinado por el COVID-19 ha transparentado, de una parte, la fragilidad de la dependencia económica, y de otra parte, la innegable naturaleza física, de encuentro y contacto. El virus tan solo es un recuerdo de nuestra vulnerabilidad. Cuando esto termine, nuestra alternativa es la recursividad frente a la radicalización de los retos y debemos fortalecer comunidades ya existentes y afianzar nuevas (incluso entre museos).