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QUÉ VER EN PHOTOESPAÑA 2023

PHotoESPAÑA, uno de los festivales sobre fotografía más importantes a nivel internacional, se celebra entre el 31 de mayo y el 3 de septiembre con 96 exposiciones en las ciudades de Madrid, Alcalá de Henares, Santander, Valladolid, Zaragoza, Alcobendas, Almería, Barcelona y Cuenca.

La programación consta de exposiciones en museos, espacios culturales y galerías, así como charlas y talleres orientados a pensar el presente en diálogo con el pasado y a tomar conciencia respecto al futuro, desde el ámbito fotográfico.

Participan 303 fotógrafo/as y artistas visuales de diversos países que abordan los tres ejes curatoriales para esta XXVI edición: arte, medio ambiente y género.

En este post destacamos algunas de las propuestas que, desde la fotografía y las artes visuales, toman partido por estos asuntos.

Marie Høeg y Bolette Berg ©Colección Preus Museum
Marie Høeg y Bolette Berg ©Colección Preus Museum

FOTOGRAFÍA Y GÉNERO

El desafío a los roles de género y la reivindicación y visibilización de la mujer, temas recurrentes en la sociedad actual, ya eran parte del trabajo de fotógrafas del siglo XIX, como Alice Austen, Marie Høeg y Bolette Berg. Sus exposiciones en la programación de PHotoESPAÑA son sin duda de las mejores.

Las fotografías de Marie Høeg y Bolette Berg, dos mujeres que compartieron intimidad y trabajo en un estudio de fotografía en Oslo, se presentan en la exposición Como un torbellino, curada por Kristin Aasbø del Preus Museum para el Círculo de Bellas Artes y el CDIS (Centro de Documentación de la Imagen de Santander).

Por primera vez fuera de Noruega se muestran algunas de las imágenes íntimas de esta pareja de fotógrafas y defensoras de los derechos de la mujer, que disrumpieron los cánones decimonónicos y los roles de género imperantes en la época.

Mientras su faceta pública como retratistas era conocida y aceptada, ambas registraron también su universo privado, en el que el travestismo y el desafío a los roles de género convencionales fueron centrales.

En la década de 1970, algunos negativos pertenecientes a su legado salieron a subasta y fueron adquiridos por el Preus Museum (Noruega). Entre las cajas repletas de negativos de vidrio de paisajes y reproducciones de obras de arte, se encontraron dos marcadas como «privadas».

En su interior había una serie de negativos de vidrio que muestran a Marie, Bolette, sus hermanos y amigos posando alegres ante la cámara, cuestionando los ideales de feminidad y los estereotipados roles de género de su tiempo. Actualmente, estas imágenes han ido cobrando cada vez más notoriedad, convirtiéndose además en un símbolo para la comunidad queer.

E. Alice Austen, Julia Martin, Julia Bredt y yo vestidas y sentadas, 15 oct., 1891. © E. Alice Austen. Collection of Historic Richmond Town
E. Alice Austen, The Darned Club, 29 oct., 1891. © E. Alice Austen. Collection of Historic Richmond Town

El Museo del Romanticismo, en tanto, presenta la muestra Deshacer el género, de Alice Austen, una gran artista estadounidense que además puso en jaque las estrictas reglas de la sociedad victoriana de finales del siglo XIX.

Con una producción de más de 8.000 imágenes de su contexto familiar, sus viajes o de la realidad social y la población migrante de Nueva York, Austen también utilizó la fotografía como vehículo para reivindicar el derecho al voto de la mujer y, en general, la posición de la mujer en su época.

Curada por Maíra Villela, esta exposición se centra precisamente en sus obras de carácter más cercano e íntimo, especialmente aquellas que presentan a mujeres que, como ella, cuestionaban de forma rebelde y provocativa las limitaciones del papel que les asignó la sociedad en la que les tocó vivir.

Una primera sección presenta el que fue su hogar, Clear Comfort, la casa de campo victoriana de sus abuelos en Staten Island. En este contexto desarrolló acciones performativas con sus amigas, retratando de forma explícita y avanzada para el momento las relaciones entre mujeres y el ambiente de libertad que ellas mismas crearon.

Acá se incluyen las fotografías en las que aparecen vestidas de hombres, o bien luciendo máscaras y fumando. Austen también retrató con su cámara a su pareja, Gertrude Tate, con la que mantuvo una relación de más de cinco décadas, tres de las cuales vivirían juntas en Clear Comfort hasta que, a raíz de los problemas económicos sufridos tras el crack de 1929, tuvieron que abandonarla en 1945, entregando Alice su archivo a la Staten Island Historical Society.

Clear Comfort acoge actualmente la Alice Austen House —museo con el que se ha colaborado para la exposición—, lugar de referencia de la historia LGTBQ en Estados Unidos.

E. Alice Austen, Trude y yo con máscaras, 6 ago., 1891. © E. Alice Austen. Collection of Historic Richmond Town

El interés de Austen en la práctica deportiva femenina también se puede ver en ka segunda sección de la muestra, a través de imágenes protagonizadas por su amiga Delia Marie Elliott rodeada de aparatos gimnásticos.

Conocida como Daisy Elliot, dirigió el gimnasio Berkeley Ladies Athletic Club, en Manhattan, que permitía a las mujeres hacer uso de instalaciones deportivas, lo que supuso toda una novedad en la época. Alice Austen también dominó el tenis, como lo vemos en algunas de las fotografías expuestas.

La tercera sección se centra en el libro Bicycling for Ladies, publicado en 1896 por la autora Maria E. Ward, apodada Violet, que además de instruir en el uso de la bicicleta abordaba temas como su mecánica y mantenimiento, una muestra más de la independencia femenina que vertebra la exposición.

Las ilustraciones de esta obra, de las que se exponen algunos ejemplos, se basaron en las fotografías realizadas por Alice Austen con Daisy Elliott como modelo. Estas imágenes pueden verse en la exposición, junto a las de otras de amigas de Alice —como Violet Ward—, de ella misma posando con bicicletas o del ambiente del Staten Island Bicycle Club Tea.

Sin duda, la exposición brinda una oportunidad única para profundizar en la obra de esta prolífica artista adelantada a su tiempo, una de las pioneras en la historia de la fotografía en Estados Unidos y precursora de la liberación y emancipación femenina.

El cuerpo femenino, sus usos y representaciones también es protagonista en la exposición Usos del cuerpo, que reúne en el Museo Cerralbo la obra de tres grandes fotógrafas y artistas visuales: Francesca WoodmanImogen Cunningham Sanja Iveković.

Además de estas grandes muestras, PHotoESPAÑA ofrece en su programación individuales de Roni Horn, Tina Modotti, Kati Horna y Margaret Michaelis.

Marina Abramović, Seven Deaths, still de video, 2021. © Marina Abramović, Cortesía: Marina Abramović Archives, VEGAP, Madrid, 2023.
Antoni Miralda, Londres, 1964. En la exposición «Cowboy’s Dream», Círculo de Bellas Artes, Madrid

FOTOGRAFÍA Y ARTE

Varias exposiciones de PHE2023 exploran la estrecha relación entre la fotografía y el arte, entre ellas las monográficas de tres mujeres pioneras del performance, Marina Abramović, Fina Miralles y ORLAN, así como una presentación de la faceta fotográfica del artista multidisciplinario Antoni Miralda, Premio Velázquez de Artes Plásticas 2018.

Vanitas, de Marina Abramović, es una muestra que aborda asuntos como la muerte y el vacío a través de la video instalación Seven Deaths, en la que la llamada “abuela del performance” homenajea a Maria Callas, y fotografías de las series Holding Emptiness The Kitchen VIII.

Seven Deaths toma como punto de partida siete de las más importantes arias de la soprano para reflexionar sobre la poesía, la belleza y el dolor inherentes al amor y la muerte.

La mujer árbolla mujer agua, curada por Teresa Grandas, recorre los principales hitos de la producción de Fina Miralles, artista española que reconfigura el concepto de lo artístico dentro de esa multiplicidad de actitudes que desdibujan lo que la historiografía tradicional había englobado bajo el epígrafe de arte conceptual.

La historia del arte ha adscrito la producción de Miralles a esta corriente, así como al land art o incluso al feminismo, sin atender a la amplitud y complejidad de sus propuestas, que desbordan los límites de esas etiquetas. Fina Miralles vendrá a definirse a sí misma como una “mujer de la tierra” y, en este sentido, la naturaleza es un componente que tiene una gran presencia en todas sus obras.

Fina Miralles, Imágenes del zoo, 1974/2020. Impresión sobre vinil. Museu d’Art de Sabadell. Ajuntament de Sabadell

Fina Miralles, Translaciones. Mujer-árbol, 1973

Orlan, Corps-Sculptures, Nu descendant l’escalier avec talons compensées – contre-plongée avec tête, 1967. © Orlan, Galerie Ceysson & Bénétière, VEGAP, Madrid, 2023

PHotoESPAÑA profundiza también en la producción fotográfica de ORLAN. Su exposición, titulada Esta es mi historia…del arte, se construye como un recorrido por sus múltiples reinterpretaciones de la historia del arte, desde sus obras pioneras de los años 60 hasta sus Autohibridaciones (1990-2023), serie de cirugías plásticas a través de las cuales la artista transformó su rostro tomando elementos de famosas pinturas y esculturas de las mujeres de la historia del arte. El objetivo de Orlan en estas cirugías era adquirir el ideal de belleza femenina según lo representado por artistas masculinos.

Junto a estas piezas históricas se muestra Weeping Women Are Angry, trabajo inspirado en los retratos de Dora Maar llorando pintados por Pablo Picasso, coincidiendo con el 50° aniversario de la muerte del artista. Según el curador de la exposición, Alain Quemin, en estas obras Orlan “interroga a las mujeres en la sombra: las inspiradoras, las musas, las modelos que tanto dieron por la notoriedad de nuestros grandes maestros”.

Bleda y Rosa, Mandíbula de Sitges. Sitges, 2005. Serie Origen, en proceso desde 2003

FOTOGRAFÍA Y MEDIO AMBIENTE

El medio ambiente y la conservación del planeta es el tema principal en exposiciones individuales de fotógrafo/as como Edward Burtynsky, José Manuel Ballester o Bleda y Rosa, estos últimos con una retrospectiva en el Museo ICO curada por Marta Dahó Masdemont.

La muestra, que recoge más de tres décadas de la carrera de los españoles María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970), se presenta como una instalación site-specific que circunscribe los grandes ejes discursivos de su trabajo, entre los cuales resaltan la dialéctica entre paisaje y territorio, así como la narratividad de las imágenes en relación con los relatos históricos y la experiencia personal.

Martín Chambi, Los alcaldes, Quiquijana, Cusco, 1928. © Martín Chambi
Irving Penn, Padre de rodillas con niño sentado, Cusco, 1948 © Irving Penn

MARTÍN CHAMBI EN DIÁLOGO CON OTROS MAESTROS DE LA FOTOGRAFÍA

Casa de América acoge a uno de los más destacados fotógrafos peruanos de principios del siglo XX, Martín Chambi, cuyo trabajo fue fundamental para dar visibilidad a las comunidades andinas de la época.

Entre 1920 y 1950, Chambi documentó las comunidades andinas, las actividades rurales, el paisaje, los innumerables enclaves arqueológicos, las fiestas populares y urbanas y la llegada de la modernidad.

Las 130 fotografías de esta exposición, curada por Andrés Garay y Stefano Klima, pertenecen a la Colección Jan Mulder, y lo que la hace más especial es que no solamente presenta la obra de Chambi, sino también la de otros grandes maestros de la fotografía internacional, como Max T. Vargas, Luigi Gismondi, Robert Frank, Irving Penn o Pierre Verger, quienes tuvieron como escenario común el Cusco y los Andes.

Según Stefano Klima, “es la primera vez que se hace una conversación entre probablemente uno de los fotógrafos más importantes de la primera mitad del siglo XX en Sudamérica y otros grandes maestros que itineraron por los Andes del sur peruano y boliviano durante el mismo periodo de producción de Chambi”.

El co-curador Andrés Garay agrega que Chambi tiene entre sus méritos el haber hecho conocer al mundo las maravillas y la riqueza de la tierra de los incas, y recuerda que en 1920 el Cusco atravesaba una época de revelación arqueológica: el Machu Picchu se había descubierto en 1911, pero no pudo accederse a él hasta los años 20. Es por ello por lo que “Chambi ejerció una enorme contribución al conocimiento de la historia andina y peruana”.

Yolanda Andrade, La Tigresa, 1978. Copia de cuarto oscuro de gelatina de plata vintage. Firmada, titulada, datada y justificada en el reverso, 23.5 x 15.5 cm [enmarcada: 47 x 41 cm]. Pieza única
Paz Errázuriz, La Palmera, de la serie La Manzana de Adán, 1982-1987. Impresión Inkjet sobre papel fotográfico. AP sin justificar, firmada por la artista, 66 x 96 cm [enmarcada: 70.5 x 99.5 cm]. Ed: 6 + 2AP

FOTÓGRAFAS DESTACADAS EN EL FESTIVAL OFF

Entre la treintena de galerías madrileñas que participan en el Festival OFF de PHE2023 destacan dos con exposiciones centradas en la producción de mujeres fotógrafas socialmente comprometidas.

Fantasías disidentes: Chile-México (1978-1987), en la madrileña Galería Memoria, ofrece una mirada a la identidad de género en América Latina a finales de la década de los años 70 y 80, donde la fantasía opera como vehículo de resistencia contra la normatividad del sistema de vigilancia establecido.

Aquí, los ensayos visuales de Graciela Iturbide, Yolanda Andrade y Paz Errázuriz, acompañados de las ilustraciones de la vedette y activista Terry Holiday, propician una lectura sugerente a la construcción del género que resuena en series como La manzana de Adán (Errázuriz) o Juchitán – Muxes (Iturbide), así como en el espejo que establecen Terry Holiday y Yolanda Andrade.

Marta María Pérez Bravo, No sufre en la soledad, 1992. En la exposición «Mitologías», LACAJA, Madrid, 2023

Por medio de la fotografía en blanco y negro, Marta María Pérez Bravo estudia las creencias derivadas de la religión cubana y sus influencias asociadas a la santería caribeño-africana. Los mitos y supersticiones son los elementos principales de su narrativa.

Así, la autora fotografía objetos familiares como ropa, ramas de árbol y animales para expresar la naturaleza divina de todas las cosas. Sus imágenes tienden a expresar su propio camino espiritual, documentando su progreso mediante abstracciones y sueños.

Una gran parte de su trabajo también consiste en autorretratos que desmitifican la maternidad, mostrando su cuerpo de maneras que pueda desafiar el culto a la belleza.

Un grupo de fotografías representativas de su trabajo se está exhibiendo en LACAJA (Madrid), bajo el título de Mitologías, con la curaduría de Mercedes Buades, Javier Guijarro Fayard y Annie Martínez-Pita Zemborain.


La programación completa de PHotoESPAÑA 2023, con detalles de sedes, fechas y horarios, se puede consultar aquí.

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