POSVERSO: PRIMERA BIENAL INTERNACIONAL DE POESÍA EXPERIMENTAL

POSVERSO, la primera Bienal Internacional de Poesía Experimental en Argentina, tuvo lugar en la ciudad de Junín entre el 18 de octubre y el 20 de diciembre, en múltiples sedes que resaltaron su enfoque descentralizado y accesible. Concebida desde HOTEL DADA Base de Arte Correo y Poesía Experimental, POSVERSO nace como un espacio clave para explorar las posibilidades de la poesía intersemiótica en el contexto contemporáneo.

El término «pós-verso» tiene su origen en los planteamientos del poeta brasileño Omar Khouri, quien lo empleó para describir las manifestaciones de la poesía brasileña a partir de los años setenta, especialmente aquellas relacionadas con las revistas Navilouca, Pólen, Código y Artéria. Este concepto alude a una poesía que fluye entre distintos medios y códigos, generando una transmutación intersemiótica que amplía sus posibilidades expresivas.

POSVERSO adopta y expande esta noción, promoviendo una poesía migrante capaz de dialogar con múltiples lenguajes y disciplinas. En este contexto, la poesía experimental se asocia a un lenguaje intermedial y subversivo que desborda los límites entre signos verbales y no verbales, propiciando hibridaciones y traducciones hacia campos como la música, la danza, la pintura, la performance y el video.

“Hoy la poesía no es un territorio restringido a los poetas, verbales o experimentales, sino una zona fluctuante y dispersiva en la que se mueven creadores que, de manera incesante y acumulativa, promueven desbordes intersígnicos entre distintas artes”, señala Silvio De Gracia (Argentina), director de POSVERSO y curador de su muestra central, Poéticas de la resistencia.

Bajo la dirección artística de Ana Montenegro (Brasil), y con la colaboración de Silvio De Gracia y Juan Montelpare (Argentina) en el equipo curatorial, la bienal se consolidó como una plataforma transgresora y experimental, donde la poesía trascendió su dimensión meramente estética para posicionarse como una herramienta crítica y política.

La bienal desafía la centralización cultural al proyectarse desde la pampa argentina hacia Europa y América Latina, reivindicando las poéticas de resistencia como estrategias para confrontar los paisajes distópicos de la contemporaneidad y destacando la relevancia de las discursividades críticas y divergentes.

La poesía experimental en América Latina posee un marcado carácter político, profundamente arraigado en las décadas de los setenta, cuando figuras como Clemente Padín, Edgardo Antonio Vigo y Guillermo Deisler la emplearon como un medio de resistencia frente a los discursos dictatoriales. POSVERSO recupera y reinterpreta esta tradición en la construcción de nuevas narrativas y formas de habitar el mundo. En este entramado, se destacan obras que responden a escenarios específicos con una potente carga estético-política, evidenciando cómo la poesía puede ser un espacio vital de resistencia y transformación frente a los desafíos globales de la actualidad.

“Es en el campo de las artes visuales donde el lenguaje intermedial logra desenvolverse con una intensidad inusitada, y donde se enriquece y repotencializa, manifestándose en obras en las que la interacción entre sistemas de signos asume una forma privilegiada del carácter subversivo de la poesía”, dice el curador.

POSVERSO se erige, así, como una contra-utopía de desborde y rebelión, un espacio donde poetas, artistas visuales, músicos y performers convergen para desafiar las imposiciones del capitalismo contemporáneo. Desde la experimentación, la bienal imagina nuevas formas de expresión y crítica en un mundo marcado por la convulsión y el cambio.

SIN PAN NO HAY PAZ. UN HOMENAJE A CLEMENTE PADÍN Y VÍCTOR GRIPPO

La muestra central de POSVERSO, Poéticas de la resistencia, se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo Argentino “Víctor Grippo” (MACA), y se estructuró en ejes temáticos que reflejan diversas prácticas estético-políticas como respuestas a contextos específicos. Entre los 35 artistas participantes se encontraban Matilde Marín, Gabriela Golder, Daniel Ontiveros, Luis Pazos, Clemente Padín, Javier del Olmo y Antonio Caro.

El poeta experimental y artista visual uruguayo Clemente Padín (1939) fue una de las figuras clave en esta bienal, con una obra incluida en la muestra central y una exposición retrospectiva en HOTEL DADA. Titulada El lenguaje de la acción, la muestra reunió material del Archivo HOTEL DADA, que conserva obras originales del artista, tales como sobres intervenidos, poemas visuales, libros de artista, registros videográficos y diversos documentos.

En palabras de Silvio De Gracia, curador de la muestra y amigo personal de Padín, “para Clemente lo que importa es la subversión operada desde la palabra poética, la creación de nuevos signos y codificaciones de lenguajes conocidos o inéditos, y el desarrollo de un lenguaje de la acción que pueda influir directamente sobre la realidad, favoreciendo nuevos modelos de comportamiento y alimentando nuevas utopías”.

Una de sus obras paradigmáticas, Paz-Pan (1980), fue parte de un doble homenaje que la Bienal POSVERSO le dedicó junto al artista y científico argentino Víctor Grippo (Junín, 1936-2002). En esta reposición de la obra, Silvio De Gracia y Ricardo Salido imprimieron Paz-Pan en caracteres tipográficos de gran tamaño, transformando la acción en una experiencia colaborativa y participativa, en sintonía con el espíritu de la bienal.

El poema visual de Padín se caracteriza por su juego tipográfico, que conecta las palabras «paz» y «pan» mediante la equivalencia formal de su última letra (Z y N son aquí intercambiables). Este gesto simbólico encierra una afirmación contundente: sin pan no hay paz. En el contexto actual de Argentina, donde persisten desigualdades sociales, esta declaración adquiere una resonancia urgente e ineludible.

La acción poética tuvo lugar en el Horno de Grippo, un monumento vivo construido en 2022 por el Gobierno de Junín en una casa que anteriormente albergó el espacio experimental La Luz Buena – Arte de Ocupación (2018-2023), dirigido por Silvio De Gracia y Ana Montenegro. Este horno conmemora la emblemática obra-acción Construcción de un horno popular para hacer pan (1972) de Víctor Grippo, realizada en colaboración con Jorge Gamarra y el artesano rural A. Rossi.

La acción original, como su título indica, consistió en la construcción de un horno de barro para hornear pan, el cual se distribuyó gratuitamente entre los transeúntes. Pero la experiencia, que congregó a cinco mil personas, fue efímera: a los dos días, la policía destruyó el horno, interpretando la generosidad como un acto subversivo en un contexto marcado por el hambre y la desigualdad.

Construcción de un horno popular para hacer pan reflexiona sobre la alimentación en épocas de crisis, la relación entre los ciudadanos y la comunidad, y la responsabilidad de los artistas como productores de sentido frente a un público abrumado por la urgencia. La bienal revitalizó este gesto de conexión entre arte, política y comunidad como herramientas de resistencia y transformación a través del horneo de pan comunitario.

Otra obra que desentraña las violencias contra la vida es Biolencia (2022-2024), una instalación de afiches del artista uruguayo Javier del Olmo (1972). A través de una manipulación tipográfica que juega con variaciones de tamaño, cada afiche muestra un choque dialéctico de palabras que, de manera implosiva, generan nuevos significados. Las palabras se entremezclan, se camuflan y se transforman, replicando las opacidades y los mecanismos de ocultamiento característicos del extractivismo. Con estas distorsiones del lenguaje, Del Olmo no solo denuncia los crímenes ambientales, sino que también propone una nueva gramática crítica que desarticula las maneras convencionales de percibir y comprender la realidad, abriendo paso a perspectivas alternativas.

Javier del Olmo, Biolencia (2022-2024). Bienal POSVERSO, Junín, Argentina, 2024 Foto de sala: Lía Palmieri.

POP CRÍTICO

La bienal también presentó obras que, aunque inspiradas en la tradición del pop, adoptan una mirada crítica hacia las problemáticas sociales, políticas y culturales. En una gran pancarta que reza “vôce vai beber Coca-Cola es un ejército”, escrita con la tipografía característica de la marca, Claudia del Río (Argentina, 1957) retoma la tradición de pintar carteles a mano para abordar las condiciones laborales precarizadas que emergieron con el neoliberalismo. Utilizando los mismos recursos de la publicidad y el marketing, la artista crea un eslogan que cuestiona el consumismo y el capitalismo estadounidense.

La instalación Son del sol de Daniel Ontiveros (Argentina, 1963) remite a una postal playera, en la que también se emplean recursos estéticos del pop y el kitsch para comunicar un asunto ominoso: la desaparición forzada de 30.000 personas durante la dictadura argentina y la lucha de las Madres de Plaza de Mayo por recuperarlos. Así, la estetización, que generalmente actúa como un mecanismo de ocultamiento, es desmantelada por la inconfundible y contundente declaración de una verdad histórica.

La cultura de la felicidad. Activación pública de acción de Luis Pazos (Grupo de Experiencias Estéticas, 1971), Junín, Argentina, 2024. Performers: Profesora Corina Markart y alumnas de la Escuela Provincial de Teatro «Gilberto Alfredo Mesa». Producción de «máscaras de la felicidad»: Carlos Macheratti. Foto: Guido De Gracia

Paulo Bruscky, Poetry Bank. HOTEL DADA Base de Arte Correo y Poesía Experimental, Junín, Argentina. Parte de la Bienal POSVERSO 2024

Carlos Gallardo (Chile, 1954), La lección de pintura, performance. Cortesía: Bienal POSVERSO

LOS ARTISTAS “SE HACEN PRESENTES”

En las acciones de arte de Luis Pazos, Paulo Bruscky y Carlos Gallardo se revelan estrategias a través de las cuales los artistas “se hacen presentes”, incluso de manera efímera y clandestina, para confrontar el discurso autoritario con una poética contestataria y disidente. Estas obras despojan las marcas que la historia impone sobre los cuerpos y muestran que “poner el cuerpo en performance” no solo era una forma de construir presencia, sino también de instalar la fuerza transgresiva de la resistencia, tanto individual como colectiva.

La Bienal rindió homenaje a Luis Pazos (Argentina, 1940-2023), artista conceptual y poeta experimental de La Plata, figura clave para entender el desarrollo y la historia del arte argentino desde los años sesenta. Su legado implica el constante desafío a los límites de las prácticas artísticas a través de la poesía experimental, la performance y las acciones en el espacio público. Además de una conversación con amigos del artista, se llevaron a cabo la activación de La cultura de la felicidad, una de sus acciones públicas más emblemáticas, y una sesión de lectura de su poesía verbal, interpretada por destacados poetas de la ciudad de Junín.

Del artista experimental y poeta brasileño Paulo Bruscky (1949) se presentaron 10 de las 30 cajas que componen la pieza Poetry Bank. Emulando las antiguas cajas de seguridad del Banco do Brasil, las cajas contienen un total de 450 piezas originales del artista y, en muchos casos, se distorsionan las distinciones entre copia y original, lo que subraya su crítica a la lógica capitalista y la valorización jerárquica del arte. A través de esta obra, Bruscky se aleja del arte tradicionalmente concebido como una mercancía de valor fijo, presentando su trabajo como algo en constante flujo y movimiento, que puede ser transportado, copiado o compartido a través de redes de correo y otras plataformas.

Otro de los artistas homenajeados en esta primera edición de POSVERSO fue Pere Sousa (1955-2023), una figura central de la poesía experimental y el arte correo en España. En los años noventa, dirigió la revista P.O.BOX, una publicación de referencia para el arte postal en el país, y fundó la factoría de activismo cultural Merz Mail.

Culturalmente polifacético, Sousa fue activista, editor, mail-artista, realizador de radio y uno de los poetas fonéticos más destacados de España. Especializado en la obra de Kurt Schwitters, destacó como uno de los mejores intérpretes de su pieza Ursonate.

En la muestra Factoría Pere Sousa se expusieron materiales pertenecientes al Archivo HOTEL DADA, y su obra fue analizada en profundidad en el marco del Evento Teórico.

MIGRACIÓN Y TRABAJO

En la instalación Última salida para los desesperados (2024) de Silvio De Gracia (Junín, Argentina, 1973), un ataúd pierde su familiaridad visual a medida que nos acercamos y descubrimos una manija, lo que nos hace pensar más bien en una maleta. Sobre el objeto, en el muro, se extiende la frase que da nombre a la obra, otorgándole su significado. De Gracia ofrece una reflexión profunda sobre los procesos migratorios en el contexto global contemporáneo. La maleta-ataúd sugiere que, para quienes migran, el viaje puede ser tanto una posibilidad de salvación como un camino hacia la muerte.

La obra ¿Tengo que usar palabras cuando te hablo? (2019) del artista argentino Andrés Pasinovich (1978) consiste en una bandera roja al estilo de las utilizadas en manifestaciones políticas, que lleva la provocadora consigna Trabajar es una mierda. La crudeza de esta frase no solo impacta por su lenguaje directo, sino que abre un espacio de reflexión sobre la lógica del hipercapitalismo, donde vivir y producir se han vuelto prácticamente sinónimos.

A través de la imagen de la bandera, Pasinovich subraya la contradicción entre la resistencia implícita en el símbolo y la resignación que implica la consigna: el trabajo se ha convertido en un imperativo que el individuo asume, en muchos casos, casi con gozo, como una parte ineludible de su identidad. La ironía y la brutalidad de la frase nos enfrentan a la paradoja de un sistema que no solo explota al trabajador, sino que logra que acepte esa explotación como una parte esencial de su existencia.

MEMORIA Y EQUIDAD DE GÉNERO

La bandera de Pasinovich, que recorrió las calles de Junín como una procesión para la reivindicación de principios, fue una de las diversas activaciones del espacio público presentadas por POSVERSO. En este mismo contexto, la artista argentina Marcela Astorga (1965) intervino la fachada de una casa destinada a convertirse en ruinas, cubriéndola con una fina tela blanca de algodón que, al igual que la bandera, se erigió como una declaración de resistencia.

En la singular gramática visual de la artista, las paredes de esta construcción se transforman en una piel que contiene las historias y los seres que alguna vez habitaron en ella. Al envolverla en la delicadeza de una gasa, como un velo protector, Astorga ejecuta un ritual simbólico de despedida y gratitud hacia un espacio que pronto dejará de existir: la sede de La Luz Buena – Arte de ocupación.

La videoinstalación Peso da Biblioteca Ausente (2021) de Simone Moraes (Brasil, 1970) presenta a la propia artista tendida en el suelo, mientras una serie de libros comienza a ocupar el espacio hasta cubrir por completo su cuerpo. Desde una postura profundamente feminista y poética, Moraes denuncia la dominancia de autores masculinos en la literatura y en los espacios institucionales dedicados a preservar estas producciones.

La «biblioteca ausente» a la que hace referencia la obra es la Biblioteca Pedro Manuel-Gismondi del Museo de Arte de Ribeirão Preto (MARP) en São Paulo, donde la artista comprobó que solo un 5% de los libros pertenecían a autoras mujeres. De esta forma, Moraes invita al público a donar libros y depositarlos en el museo, ampliando así la visibilidad de las voces femeninas en el ámbito literario.

OTRAS EXPOSICIONES Y EL EVENTO TÉORICO

Además de la muestra central Poéticas de la resistencia y las acciones poéticas en el espacio público, POSVERSO presentó un Evento Teórico y diversas exposiciones complementarias. Cápsula Sonora, con curaduría de Ana Montenegro y Silvio De Gracia, que tuvo lugar en el HOTEL DADA, reunió a artistas de diversas tradiciones que exploran el sonido como medio expresivo. Inspirada en la Deep Listening de Pauline Oliveros, la exhibición propuso una escucha profunda que va más allá de lo auditivo, abriendo un espacio de contemplación y reflexión conceptual. A través de poéticas experimentales e intermediales, las obras trascendieron el sonido en sí mismo para explorar nuevas posibilidades perceptivas y artísticas.

Marginalia: Notas, visiones y escrituras en los bordes, también curada por Montenegro y De Gracia, se exhibió en la Fundación Casa Pronto, mientras que Resist/Exist, un libro-muestra organizado por la Red Conceptualismos del Sur (Ana Longoni, Lucía Bianchi, Lucía Cañada y Fernando Davis), y El Coleccionista de Oficios: Ricardo Salido (curada por Montenegro y De Gracia), se presentaron en el Museo Histórico. Además, el Centro de Capacitación y Cultura ATSA albergó Incitaciones para ver. Resistiendo el presente, y quedó alojada en la web de la bienal la muestra online Poéticas electrónicas.

La Casa Popular Dante Balestro acogió el evento Oír Palestina, organizado por la Red Conceptualismos del Sur, que combinó una exhibición de afiches de la campaña gráfica Palestina Libre con la actividad Tomar la voz por Palestina, una lectura colectiva de los Monólogos de Gaza. Estos monólogos fueron escritos en 2010 por niños y adolescentes de Gaza durante un taller de teatro, y han sido traducidos y leídos en diversos espacios de Argentina y América Latina como acto de denuncia contra la agresión del Estado de Israel hacia Palestina.

Al incluir este evento, la bienal se comprometió con las poéticas de resistencia, demostrando cómo estas pueden convertirse en herramientas críticas para denunciar injusticias globales y generar conciencia social. Esta acción frente al genocidio palestino expande los horizontes de la poesía experimental. La actividad no buscó ser un espectáculo, sino un ritual político de lectura colectiva, destinado a amplificar las voces de los niños palestinos y hacer resonar sus historias y sueños.

El Evento Teórico de POSVERSO se concibió como un espacio de formación, enfocado en la producción y difusión de conocimiento sobre arte contemporáneo y prácticas poéticas experimentales. Con la participación de investigadores, curadores y artistas, su finalidad fue fomentar y potenciar instancias de reflexión teórica sobre las prácticas poético-artísticas contemporáneas y sus posibilidades de incidencia en la disputa cultural por el sostenimiento de discursividades críticas y contrahegemónicas.

En este contexto, el artista chileno Carlos Gallardo (1954) presentó la charla El grabado en el campo expandido y se proyectó La poética de la aridez, una pieza audiovisual que resume la participación de la Bienal SACO (con sede en Antofagasta, Chile) en la Bienal POSVERSO. En 2023, la Bienal SACO fue invitada a participar en este nuevo evento con una selección de obras que llevaran de forma simbólica el desierto más árido del mundo a la pampa argentina.

La selección, a cargo de la curadora y directora de SACO, Dagmara Wyskiel, incluyó tres obras que abordan los ejes físicos y existenciales de tierra, cuerpo y cielo. Las intervenciones en el paisaje que dieron vida a la exposición La poética de la aridez en el Parque Natural Laguna de Gómez fueron Mi cuarto, cuatro paredes de Graciela González (Bolivia); Arrebatado, de la Colectiva Poética de la Urgencia, formada por Paula Carmona y Nicolás Cox (Chile-España); y Paisajes volátiles, de Ania de Rohas (Polonia-España).

Según Carlos Rendón, encargado de vinculación de SACO, la invitación “responde a la lógica de que, como bienales, no somos eventos aislados en un punto del mapa, sino parte de una red más grande que puede apoyarse y potenciarse mutuamente”.

Otra de las presentaciones fue la de Archivo Romero por/venir, un proyecto colectivo impulsado desde 2021 por Lucía Bianchi, Lucía Cañada, Fernando Davis y Ana Longoni de la Red Conceptualismos del Sur. El proyecto surgió ante la pérdida (venta, dispersión) del archivo del artista argentino Juan Carlos Romero (1930-2017). En lugar de plantearse como un reemplazo, el Archivo Romero por/venir se concibe como un gesto reparador, replicante y multiplicador de sus modos de hacer.