MENTAL SPACES

El concepto Mental Spaces alude a las estructuras cognitivas utilizadas para representar y organizar la información en la mente. Se consideran una suerte de receptáculos mentales que contienen información relacionada con un tema, una situación o un contexto en particular, y se puede acceder a ellos y manipularlos según sea necesario.

Permiten a las personas hacer inferencias, sacar conclusiones y crear nuevos significados basados en sus conocimientos y experiencias personales. En general, la teoría de los mental spaces proporciona un marco valioso para comprender cómo los niños y los adultos se organizan y dan sentido al mundo que los rodea, y cómo el lenguaje y el pensamiento se entrelazan de manera compleja y dinámica.

Esta muestra colectiva reúne a once artistas de Latinoamérica que residen en la ciudad de Nueva York. Los participantes fueron elegidos en base a sus múltiples referencias transculturales en las que se abrazan, por momentos, las poéticas del absurdo. La exposición juega con las complejas relaciones que existen entre la mente del artista y sus formas más intuitivas de expresión visual, en ocasiones manifestada a través de la abstracción.

Mientras algunos exploran la creación de objetos con materiales encontrados, muy en sintonía con las referencias arquitectónicas y la fusión de elementos propios del diseño indígena, del imaginario de posguerra o de mediados de siglo XX con la modernización de las economías hacia la producción en masa, otros desafían las dinámicas de poder a través del texto, la documentación performativa y la crítica institucional.

The Earth (La Tierra), del artista Iván Navarro, se compone de cinco palabras hechas con tubos de neón cruzadas como en un crucigrama resuelto, que deletrean los cinco continentes que componen la Tierra. Este diagrama visual puede leerse tanto como un distópico mundo hiperconectado como un utópico mundo sin fronteras.

Los artistas aquí reunidos trabajan con los simbolismos de nuestro entorno, sus implicaciones políticas y su efecto en nuestra interpretación del mundo tal como lo conocemos. Un mundo de habitantes con orígenes multiculturales, como los artistas de la muestra.

Otro artista que trabaja con palabras es Javier Téllez, quien escribe con letras de acrílico rojo una frase palindrómica -que puede leerse de izquierda a derecha y viceversa- en latín: In girum imus nocte et consumimur igni [Damos vueltas en la noche y somos consumidos por el fuego].

In girum imus nocte et consumimur igni es además el título de una película de Guy Debord rodada en 1978 y estrenada en el cine en 1981. El film describe la sociedad de consumo y la alienación capitalista, poniendo en evidencia la condición de esclavos modernos. El palíndromo fue utilizado posteriormente por Umberto Eco en su novela El nombre de la rosa (1980).

Esta obra contrasta con un video-performance de Crack Rodríguez en el que se ve al artista apropiándose de una silla de colegio para representar una confrontación de un momento histórico contra el sistema educativo, más concretamente, la masacre estudiantil de 1975 en El Salvador.

Una serie de sillas Thonet deconstruidas y recontextualizadas por el artista Mario Navarro se yuxtaponen al video de Rodríguez. Navarro analiza críticamente los diseños modernistas, cuestionando la funcionalidad pretendida de esos objetos.

Observando los sistemas de valores que estos objetos representan, y al igual que en la obra de Karlos Cárcamo y Adrián S. Bará, Navarro utiliza conceptos y materiales que se encuentran en la intersección entre la baja y la alta cultura. Sus obras se relacionan con la cultura callejera de Nueva York (música hip hop y grafiti) y nos recuerdan la importancia del legado del expresionismo abstracto de los años 40, 50 y 60 de la Escuela de Nueva York y el neoconcretismo brasileño.

En esta línea, Thomas Hecht Ribas y Alejandra Seeber también crean obras que, como dice el primero respecto de sus esculturas, «consideran el cuerpo humano a través de los ojos de los objetos con los que interactuamos».

En las obras de Hecht Ribas los objetos se deconstruyen y son despojados de su correlación con la forma y la función, mientras que en las alfombras de Sabeer se convierten en una superficie en la que pinta cuerpos silueteados. Cabe preguntarse, entonces, cuáles son los recuerdos y significados ligados a los objetos y las cosas, y cómo afectan a nuestra comprensión del yo.

Pasando de los objetos al entorno, las obras de Edra Soto y Sarah Zapata trabajan con elementos escultóricos que hacen referencia a motivos arquitectónicos. La obra de Edra parte de una década de investigación sobre las verjas de hierro de la arquitectura puertorriqueña de posguerra, vernáculas de la cultura visual de la isla.

En sus obras sobre papel, alude a esas vallas en crípticas apariciones fantasmales, sugiriendo su fragilidad y ausencia. A medida que los motivos emergen y se sumergen, uno se pregunta a quién pretenden proteger.

Zapata, por su parte, recurre a su investigación sobre motivos prehispánicos, tanto para enaltecer como para subvertir su historia familiar y las tradiciones que representan a través de los tejidos y como mujer en ese espacio.

Volviendo a una visión más macro de las cosas, la obra de Miguel Braceli rastrea cómo hemos ido ocupando la tierra. Poética y políticamente, los gestos del artista nos acercan a una probable respuesta a la pregunta de cómo sanamos los lugares de violencia y defensa histórica. A través de sus obras, el artista señala críticamente las tácticas políticas del gobierno para el control y el poder.

A partir de una miríada de elementos visibles e invisibles que dan forma a nuestro entorno construido, estos artistas experimentan de forma lúdica con nuevas posibilidades relacionales.

Las obras expuestas en Mental Spaces presentan un escenario en el que el espectador es invitado a involucrarse de una manera no objetiva. En esencia, esta exposición con obras desarrolladas por procesos ofrece un escenario dinámico en el que múltiples conceptos colisionan para presentar algunos elementos esenciales del ser humano.

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MENTAL SPACES

Curada por Omar López-Chahoud y Cecilia Jurado Chueca, con la asistencia curatorial de Sofía Reeser del Río.

Artistas participantes: Adrián S. Bará (México), Miguel Braceli (Venezuela), Karlos Carcamo (Estados Unidos/El Salvador), Thomas Hecht (Brasil), Iván Navarro (Chile), Mario Navarro (México), Crack Rodriguez (El Salvador), Alejandra Seeber (Argentina), Edra Soto (Puerto Rico), Javier Téllez (Venezuela), Sarah Zapata (Estados Unidos/Perú)

Sugar Hill Children’s Museum of Art & Storytelling, 898 St Nicholas Ave, Nueva York

Del 10 de junio al 20 de agosto, 2023