La Valija (the Valise)

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La Valija es un nuevo proyecto editorial del Library Council del Museum of Modern Art (MoMA) que une al escritor argentino César Aira con siete artistas sudamericanos: Johanna Calle, Mateo López y Nicolás Paris, de Bogotá (Colombia); Matías Duville, de Buenos Aires (Argentina); Christian Vinck, originario de Venezuela y residente en Santiago de Chile; y Maria Laet y Rosângela Rennó, de Río de Janeiro (Brasil).

Todos estos artistas comparten una afinidad por la geografía, la literatura de viajes y la edición de libros; en total, han contribuido con más de cincuenta obras —entre las que se incluyen grabados originales, mapas, libros de artista y posters— a La valija. Estas obras acompañan a dos copias de la novela de Aira Un episodio en la vida del pintor viajero (Rosario: Beatriz Viterbo Editora, 2000), la edición original en español, y su traducción al inglés: An Episode in the Life of a Landscape Painter (traducción de Chris Andrews, Nueva York: New Directions, 2006).

La novela aborda una expedición emprendida en 1837 por el pintor alemán Johann Moritz «Mauricio» Rugendas —colaborador del explorador y naturalista Alexander von Humboldt— a través de los Andes chilenos y la pampa argentina hasta llegar a Buenos Aires. La surreal historia de Aira proporciona una guía geográfica y metafórica para los proyectos de los siete artistas.

La valija se publica en una edición autografiada de 100 copias para los miembros del Library Council del Museum of Modern Art. Se pone a la venta una edición de lujo de 25 copias (la edición de lujo incluye figuras arquitectónicas troqueladas de López en papel cortado a mano; una segunda xilografía original de Duville; un diseño de Paris, pintado a mano con metal holandés, en el estuche; y firmas en muchas de las piezas). Asimismo, se ceden diez copias de artista de ambas ediciones a los artistas y otros colaboradores.

Todos los beneficios se destinan a los Archivos y Biblioteca del Museum of Modern Art.

La Valija se presentó el pasado 23 de febrero en Ivorypress (Madrid) en una mesa redonda en torno al libro de artista en la que participaron May Castleberry (editora de las ediciones contemporáneas del MoMA Library Council) y los artistas Maria Laet, Matias Duville y Nicolás Paris, con la moderación de Elena Ochoa Foster, editora y fundadora de Ivorypress.

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CONTRIBUCIONES

Johanna Calle (1965, Bogotá)

Paisaje Morfina. 2016. Impresión tipográfica (letterpress), 27,9 x 35,6 cm.

Los cientos de palabras impresas que conforman Paisaje Morfina proceden de un pasaje de la novela de Aira Un episodio en la vida del pintor viajero, donde el protagonista teme que el paisaje sudamericano de apariencia exótica que ve y espera documentar sea una alucinación inducida por la morfina. Cuidadosamente dispuestas en constelación, las palabras se quiebran y reúnen en forma de grandes letras para deletrear «Paisaje Morfina», expresión que describe un paisaje tan dinámico e hipnótico a través del velo del lenguaje como en el trance del protagonista.

Páramo. 2016. Álbum de impresión offset encuadernado a mano, que reproduce un álbum en pliegue de acordeón hecho a mano por la artista. Incluye catorce fotografías en gelatina de plata, editadas a lápiz, con seis pies de foto impresos, 22,9 x 30,5 cm.

Páramo es un álbum en pliegue de acordeón con fotografías tomadas por un fotógrafo anónimo que trabajó en la cordillera este de los Andes colombianos en la década de 1940. Las fotografías se acompañan con pies de foto adaptados de dos cuadernos escritos por otro fotógrafo anónimo que trabajó en la misma región en ese periodo y que usaba sus cuadernos para describir sus viajes con una «máquina de retratos». Aunque el álbum se presenta como un artefacto de los años 40, las fotografías y los pies crean nuevos contextos entre sí; las fotografías han experimentado cambios radicales en su imagen y superficie mediante las marcas de Calle. Las imágenes oscurecidas —híbridos de dibujo e impresión fotográfica que Calle denomina «dibujo fotográfico»— ofrecen múltiples lecturas a través de la conciencia aumentada de las pátinas y los desgastes del tiempo.

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Matías Duville (1974, Buenos Aires)

Inmersión. 2015. Diez impresiones láser sin título de dibujos originales, varios tamaños.

La etérea Inmersión de Duville es una serie de dibujos de paisajes submarinos ficticios, hechos con carboncillo y pastel. Los dibujos tratan dos temas centrales: el mar y la psique, siendo el primero una metáfora de la segunda. Al iluminar islas submarinas sembradas de incongruentes grupos de cactus aplastados, instrumentos musicales, ruinas terrestres y sombras que levitan invirtiendo las leyes de la luz visible, estas composiciones sugieren el descenso de un buceador hacia lo desconocido: las profundidades abisales que comparten las fosas oceánicas y las oscuras magnitudes de la mente.

Noche sistema. 2016. Serigrafía, 27,9 x 44,4 cm. La edición de lujo de La valija incluye una versión xilográfica adicional.

Spirit Shoes (Zapatos de espíritu). 2016. Póster de impresión offset, 11 x 15,7 cm.

Cabomba. 2016. Grabación de sonido en LP de vinilo, diámetro de 30,4 cm.

Compuesta, interpretada y grabada por Duville y su hermano Pablo —que juntos forman la banda Centolla Society—, Cabomba es una singular banda sonora para las obras de Duville incluidas en La valija. Creadas en paralelo, la música y las piezas de arte mantienen fuertes vínculos, aunque se justifican en sí mismas. El álbum prolonga la experimentación de Duville con las cualidades atemporales e inmateriales de la música.

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Maria Laet (1982, Río de Janeiro)

Caminho (Camino). 2016. Monoimpresión, composición de 51 x 218 cm y hoja de 51 x 283 cm.

Para Laet, el dibujo es, en su esencia más despojada, el vestigio de una acción. Los rastros que permanecen de actos rituales o de patrones de los elementos (el viento, las olas, el calor del día) se convierten en dibujos mediante una prolongación de tiempo y de fuerza. Laet ha contribuido a La valija con 180 monoimpresiones únicas y originales; cada una de ellas documenta un «camino» de dos metros, impreso a tinta en una hoja de 2,8 metros de papel japonés. Para realizar las monoimpresiones, la artista caminó 180 veces sobre este papel semitransparente, colocado previamente sobre la superficie irregular de una plancha de madera entintada. En cada imagen, tanto el contraste de luces y sombras como las texturas de impresión varían de acuerdo con el paso de la artista, la cantidad o temperatura de la tinta y los diversos patrones del papel y la madera. Cada impresión se presenta enrollada como pergamino.

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Mateo López (1978, Bogotá)

Ciudad Solar (La conquista de El Darién). 2016. Veinticuatro serigrafías y xilografías con costura, 29,8 x 41,9 cm. La edición de lujo de La valija incluye figuras arquitectónicas troqueladas en papel cortado a mano.

Los refinados dibujos notacionales de López capturan la estructura geométrica interna de los elementos que encuentra en sus múltiples viajes a través tanto del mundo natural como del humano. Ciudad Solar (La conquista de El Darién) es un diario pictórico de la travesía que realizó durante diez días por el Tapón del Darién, una región agreste que abarca el sur de Panamá y la parte más septentrional del departamento colombiano del Chocó, donde se interrumpe la carretera Panamericana. «El ejercicio consistía en intentar alcanzar la estructura interna de las cosas y representar plantas y animales [como un forastero], es decir, en otro idioma… encontrar la geometría del objeto y después simplificar, simplificar, simplificar». Los veinticuatro dibujos a tinta y pluma de López parecen el diario de un peculiar etnógrafo que recorre una realidad alternativa, expresada en una serie de símbolos y abstracciones en una paleta de negro, rojo y oro. En su viaje de diez días cruzó el Chocó, atravesando valles y montañas, bosques ancianos y restos de operaciones mineras ilegales; pasó dos noches con el pueblo Emberá, observando el arte abstracto de sus tejidos, hogares y pinturas corporales. En Ciudad Solar, López establece relaciones entre depuradas imágenes abstractas de un mundo natural o precolombino con los objetos pertenecientes al mundo de un viajero occidental contemporáneo. Las formas de un mundo responden con ecos a las de otro. El corte transversal de un tronco refleja e invierte los mecanismos de un reloj o un sistema nervioso; una piel de jaguar extendida es confrontada con el rompecabezas de una partida de ajedrez en el periódico. Unidas, estas imágenes de las esferas natural y humana, de simbolismo y de poder, del pasado y del presente, se desplazan, oscilan y orbitan unas en torno a otras. Haciendo un guiño a su función como reportaje, López presenta estas piezas con las medidas habituales de un tabloide colombiano.

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Nicolás Paris (1977, Bogotá)

Autodiccionario portugués/Portuguese Pictionary. 2016. Impresión tipográfica (letterpress), 7,6 x 10,8 cm, plegada a partir de una hoja de 21,6 x 27,9 cm

Autodiccionario español/Spanish Pictionary. 2016. Impresión tipográfica (letterpress), 7,6 x 10,8 cm, plegada a partir de una hoja de 21,6 x 27,9 cm.

En tanto que viajero, artista y maestro, Paris organiza talleres para escolares, estudiantes de arquitectura y otros grupos, en los que intenta cambiar las estructuras tradicionales de enseñanza pidiendo a los estudiantes que tomen las riendas de su propio aprendizaje. Como parte de este esfuerzo para incentivar el liderazgo creativo a ambos lados de la relación estudiante-profesor, Paris pide a los estudiantes que ilustren las palabras que no sólo les gustaría aprender, sino también enseñar a otras personas. Para La valija, Paris ha reunido dibujos (o ideogramas, como los llama él) de talleres pasados y los ha transferido a dos hojas de papel tamaño carta, que ha plegado para crear ligeros diccionarios visuales de las dos lenguas más habladas en Sudamérica.

The Carpenter’s journey or the [w]hole story of the universe (El viaje del carpintero o la [hueca] historia completa del universo). 2016. Libro-objeto de papel, 5,5 x 16,5 x 6 cm.

En The Carpenter’s journey or the [w]hole story of the universe, Paris considera el continuo del espacio-tiempo a través de un libro-objeto (o agujero negro) ingenioso y circunfluido, donde ha enlazado y comprimido veintidós finas hojas de papel (veinte en blanco, dos impresas) hasta formar un cuerpo ovoide en la fase inicial de derrumbe. La hoja de papel situada en la parte interior muestra un cielo nocturno con cientos de puntos de luz que destacan sobre un baño de gris y negro lechoso; en contraste, la hoja de la parte exterior es de un blanco casi puro, con un solo punto negro plateado en el centro de su superficie.

Detours (Desvíos). 2016. Bombilla de doble cabeza hecha a mano con una semilla en su interior, 10 x 19 x 10 cm.

En Detours, Paris encierra una semilla dentro de la ampolla de una bombilla de doble cabeza hecha a mano, que recuerda al símbolo matemático de infinito. La semilla —probablemente de cardo borriquero o de otra planta que produzca semillas peludas, dispersadas con las corrientes de aire— aguarda indefinidamente el viento de la propagación dentro de la bombilla azulada, cielo falso y sin viento. El artista señala que esta pieza tiene en cuenta la esencia dual de la vida —fragilidad y fecundidad— y su tenue perpetuación.

Geometric Journeys (Viajes geométricos). 2016. Impresión tipográfica (letterpress) sobre papel antiguo, doblado como un sobre hecho a mano, que contiene dos piezas impresas: Geometric Journey (No. 1) y Geometric Journey (No. 2), ambas de 2016, papel impreso plegado, 5 x 5 x 1,3 cm.

Geometric Journeys se concibió como una especie de libro (o de juguete de papel, una forma alternativa de imaginar un libro según Paris). El sobre hecho a mano, basado en el sobre de correo aéreo de un turista encontrado en Machu Picchu (Perú), contiene dos impresiones —Geometric Journey (No. 1) y Geometric Journey (No. 2)—, cada una de ellas formada por una sola hoja de papel. Sometido a múltiples plegados en capas, el papel adquiere formas hexagonales: lo lineal se vuelve circular y estratificado. Los «viajes» de ambas piezas se pliegan y adquieren una forma hexagonal idéntica; sin embargo, sus composiciones elementales son radicalmente distintas. Las esculturas pueden plegarse y desplegarse en múltiples formas, creando así un espacio entre lo continuo y lo interrumpido.

Leaves a Trace (Rastro de hoja). 2016. Libro de artista de impresión offset, 20 páginas, 21,6 x 27,9 cm.

Pequeño libro con imágenes escaneadas de hojas colombianas atravesadas por los intrincados túneles de alimentación que dejan los minadores, Leaves a Trace se abre con un poema ágil y excepcional del artista, que considera la destrucción ciega, aunque resplandeciente, de su propio hábitat por parte de los insectos en un tono que no excluye sutiles paralelismos con sus inconscientes observadores humanos.

Diseño para La valija. Serigrafía sobre tela. El diseño para la edición de lujo está pintado a mano con metal holandés. Paris creó el diseño para el exterior del estuche de conservación, 34 x 62 x 10 cm.

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Rosângela Rennó (1962, Belo Horizonte)

Tudo sobre rodas (Todo sobre ruedas). 2016. Mapa en impresión offset y encuadernado a mano, 80 x 203,2 cm (desplegado), 10,2 x 25,4 cm (plegado).

Para La valija, Rennó reconfiguró las fotografías de viaje de su familia y otras fotografías de archivo para crear un imponente «mapa fotográfico». Plegado para el viaje, encuadernado en una funda hecha a mano y acompañado por una lente de Fresnel, este mapa espacio-temporal muestra fotografías de lugares turísticos y de parientes de la artista, que posan de camino a destinaciones desconocidas en décadas pasadas. Al modo de las lagunas de tiempo, de lugar y de memoria que impiden una «lectura» clara del mapa, se han retirado de la superficie del collage formas ausentes y contornos de diversas lentes fotográficas para revelar un patrón apenas perceptible en forma de telaraña. En el reverso del mapa, se invierte este intercambio positivo/negativo de imágenes, ya que son las formas de las lentes las que contienen información fotográfica, mientras que los espacios a su alrededor resuenan con representaciones de telarañas. Este «mapa fotográfico» cuestiona nuestra enternecedora incapacidad para reconstruir y reubicar la memoria de momentos, lugares, planes y gentes que fueron familiares y ahora pasan de largo ante las «ruedas» de la lente fotográfica.

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Christian Vinck Henriquez (1978, Maracaibo, Venezuela)

ueelvdpv. 2016. Libro encuadernado a mano de impresión offset con reproducciones de veinticuatro pinturas originales, 26 x 20,3 cm. Con un agradecimiento especial a Paula Lavanderos, que encuadernó a mano el volumen original de lienzo del que este libro es facsímil.

Durante seis meses del periodo 2015-16, Vinck Henriquez recorrió la ruta conocida entre Chile y Argentina del viajero decimonónico Johann Moritz «Mauricio» Rugendas, tema de la novela de Aira. Como Rugendas, Vinck Henriquez llevó consigo un cuaderno y pinceles, con los que crearía más de treinta y cinco pinturas y el libro de artista ueelvdpv. Las pinturas de Vinck Henriquez retoman y manipulan los temas preferidos de Rugendas y de otros exploradores/artistas contemporáneos: paisajes pintorescos, estudios botánicos y conflictos dramáticos con los pueblos indígenas. Usando un espeso impasto, que añade una desenfadada sensación de exceso pictórico, Vinck Henriquez introduce yuxtaposiciones vagamente cómicas de pasado y presente a la vez que analiza ese repertorio previo. Pinta una intersección banal en una calle de Santiago que toma el nombre de Rugendas; retrata el lateral de un autobús llamado «El Rápido», que no parece ser una notable mejora respecto a los caballos que transportaban a los antiguos exploradores; escalando las montañas, su mirada abarca un conjunto de piedras Gustonescas y su propio pie.

Impresión de una pintura de ueelvdpv sobre una historia de Aira y basada en el cuadro de Rugendas El malón (1836). 2016. Póster de impresión offset, 71 x 101,6 cm.

Esta impresión tamaño póster de una pintura de Vinck Henriquez está influida en igual medida por el clásico colonial de Rugendas El malón y por la versión ficticia de la vida de este pintor en la novela de Aira. «Malón» es el nombre dado habitualmente a las ofensivas de mapuches y otros pueblos indígenas en territorio chileno y argentino. Los toques leves y pictoricistas de Vinck Henriquez aportan un matiz absurdo al tema tradicional del conflicto heroico entre los colonizadores europeos y las tribus indígenas en la zona más meridional de Sudamérica. Tanto al captar la majestuosidad de los mapuche cargando a caballo en un paisaje panorámico como al retratar la línea de defensores de ropas azules, apiñados tras una barrera de leño, o a un camarada caído, Vick Henriquez aporta a un tema de peso una inesperada extravagancia y una desconcertante espontaneidad que evoca una imagen histórica de poderosa frescura.

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