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El Legado Interdisciplinario del Judson Dance Theater

El Judson Dance Theater -que recibe su nombre a partir de la Judson Memorial Church, una congregación protestante de Greenwich Village, en Nueva York- nació en 1962 como una serie de talleres abiertos cuyo resultado fueron las presentaciones desarrolladas por sus participantes. Los artistas de Judson moldearon profundamente todos los campos del arte de la segunda mitad del siglo XX, redefiniendo la clase de movimientos que cuentan como danza.

Este grupo de artistas -que incluyó a Trisha Brown, Lucinda Childs, Philip Corner, Bill Dixon, Judith Dunn, David Gordon, Alex Hay, Deborah Hay, Fred Herko, Robert Morris, Steve Paxton, Rudy Perez, Yvonne Rainer, Robert Rauschenberg, Carolee Schneemann y Elaine Summers, entre otros- desafió las nociones tradicionales de la coreografía, empleando métodos de composición no convencionales para despojarse de las convenciones escénicas, incorporando movimientos “ordinarios” o más espontáneos en su trabajo, junto con bailes sociales, juegos y tareas simples.

El Museum of Modern Art (MoMA) presenta Judson Dance Theater: The Work Is Never Done, una gran exhibición que vuelve a examinar el momento en que este grupo de coreógrafos, artistas visuales, compositores y cineastas usó una iglesia local para realizar presentaciones revolucionarias. The work Is Never Done incluye una exhibición, una publicación impresa y un ambicioso programa de performances, entre los que figuran algunos de sus trabajos escénicos más célebres.

La exhibición destaca la ética de colaboración del grupo y su amplia gama de participantes a través de alrededor de 300 objetos, entre los que se incluyen películas, documentación fotográfica, esculturas, partituras, música y material de archivo.

“Esta exhibición enfatiza las actividades interdisciplinarias y el espíritu experimental de la escena del Judson Dance Theater en el downtown de Nueva York de los sesenta. Ese espíritu es particularmente resonante ahora que el MoMA ha realizado un claro esfuerzo por el trabajo entre departamentos y por subrayar el papel central desempeñado por la danza y el performance en las artes visuales durante el siglo XX”, dice Ana Janevski, curadora de la muestra.

Titulada a partir de una frase utilizada por el coreógrafo Steve Paxton, The Work Is Never Done refleja tanto el espíritu de experimentación del grupo Judson como la importancia patente de su trabajo hoy en día. La exhibición busca, a través de la retrospección, el material de archivo y el testimonio oral, dar cuenta de la forma en que la historia de las obras escénicas está condicionada por el paso del tiempo.

The Work Is Never Done se divide en cinco núcleos: el programa de performances, en el Atrio Marron; 3 Dances: What Is a Dance?; Talleres; Downtown: Sites of Collaboration; y Sanctuary: Judson Dance Theater.

Trisha Brown, still de "Walking on the Wall", 1971. Film por Elaine Summers © Trisha Brown Dance Company
Ruth Emerson en “Newspaper Event”, de Carolee Schneemann, 1963. Presentado en el “Concert of Dance #3”, Judson Memorial Church, NY, 29 de enero, 1963. © Legado de Al Giese/ VAGA, NY. Cortesía de Carolee Schneemann, Galerie Lelong & Co., y PPOW, NY. Foto: Al Giese

Performances en el Atrio Marron

El programa del Atrio Marron está organizado en un formato de varias semanas, cada una para la exposición del trabajo de un artista: Yvonne Rainer, Deborah Hay, David Gordon, Lucinda Childs, Steve Paxton y Trisha Brown. Junto a las presentaciones en vivo, una compilación de videos diseñada por el artista Charles Atlas destaca el material histórico relacionado con cada uno de los artistas expuestos. Reuniendo material de la era Judson y post-Judson, Atlas incluye piezas tanto individuales como grupales, enfatizando la relación del solista con el conjunto e ilustrando cómo el Judson Dance Theater influenció las carreras de este grupo de artistas. Durante las semanas dedicadas a Trisha Brown, Atlas colaboró con la ex archivista de la Trisha Brown Dance Company, Cori Olinghouse, para crear una instalación que resalta la trayectoria de Brown desde la época Judson hasta sus trabajos posteriores. En las semanas finales de la exhibición, el MoMA alberga a Movement Research, una plataforma de danza del mismo linaje de Judson, que organizará clases y talleres en el Atrio Marron.

Vista de la exposición “Judson Dance Theater: The Work Is Never Done”, en el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, 2018–2019. © 2018 The Museum of Modern Art. Foto: Peter Butler
Vista de la exposición “Judson Dance Theater: The Work Is Never Done”, en el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, 2018–2019. © 2018 The Museum of Modern Art. Foto: Peter Butler
Vista de la exposición “Judson Dance Theater: The Work Is Never Done”, en el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, 2018–2019. © 2018 The Museum of Modern Art. Foto: Peter Butler

3 Dances: What Is a Dance?

Proyectada en la primera galería de la exhibición, la película de Gene Friedman 3 dances (1964) busca responder a la pregunta “¿Qué es la danza?” mediante la presentación de diversas formas de movimiento que recién comenzaban a contar como danza a principios de los sesenta. Las “tres danzas”, mencionadas en el título de la película, reflejan el espíritu febril y abarcan el amplio rango de movimiento que tiene lugar en el círculo de artistas, músicos y coreógrafos relacionados al Judson Dance Theater.

Talleres

A fines de los cincuenta y a principios de los sesenta, Anna Halprin, James Waring y Robert Ellis Dunn junto con Judith Dunn, ofrecieron talleres artísticos para explorar ideas relacionadas con la improvisación, composición y estructura. Varios de los artistas que participaron en estos talleres siguieron adelante para formar el Judson Dance Theater.

La exhibición presenta fotografías del Dance Deck de Anna Halprin en su casa a las afueras de San Francisco, donde impartió sus clases. Este conjunto de fotografías incluye el trabajo Branch Dance (1957), en el que utilizó la improvisación y tareas simples para alentar a sus estudiantes a explorar y desarrollar nuevos enfoques artísticos que enfatizaron la relación del arte con su medio ambiente.

En Nueva York, en un edificio cercano a la Judson Memorial Church, el bailarín de ballet James Waring dio una clase sobre composición que reunió diferentes elementos de una presentación teatral. La exhibición muestra su trabajo Untitled (1959), el cual ejemplifica cómo la lógica del collage, en la que se elabora una composición uniendo elementos diferentes, fue utilizada para la presentación en vivo. En el mismo edificio, el pianista Robert Ellis Dunn y su esposa, la bailarina y coreógrafa Judith Dunn, impartieron cursos que tomaron las ideas de azar y estructura de John Cage como su punto de partida. Los Dunn fomentaron el estudio mutuo de las composiciones de sus estudiantes, en lugar de aprobar o rechazar las exploraciones de sus compañeros. Las partituras de Cage, expuestas en el centro de la galería, sirven de ejemplo del tipo de performances realizados en los talleres.

Simone Forti, See Saw, 1960. Presentación en la Reuben Gallery, Nueva York. Performers: Yvonne Rainer y Robert Morris. Foto cortesía de Robert R. McElroy (fotografías de Happenings y primeros performances), The Getty Research Institute, Los Angeles.
Vista de la exposición “Judson Dance Theater: The Work Is Never Done”, en el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, 2018–2019. © 2018 The Museum of Modern Art. Foto: Peter Butler

Downtown: Sites of Collaboration

En el Bajo Manhattan, los artistas ocuparon iglesias, bodegas, bares y calles como los lugares para realizar y exponer su trabajo. Respaldaron su trabajo mutuamente en base al apoyo creativo, como se puede observar en las fotografías y partituras de los primeros happenings de Allan Kaprow y Robert Whitman, presentados en La Reuben Gallery. Los artistas de Judson también participaron en las obras de sus colegas, como en las presentaciones que tuvieron lugar en el loft de Yoko Ono, en Chambers Street, donde Robert Morris e Yvonne Rainer fueron fotografiados mientras participaba en la primera instancia de Seesaw (Balancín), de Simone Forti.

Nuevas revistas, boletines literarios y publicaciones escritas por residentes locales, tales como The Village Voice, Floating Bear y Anthology (con sus respectivas copias en la exhibición), publicaron artículos sobre las colaboraciones, discrepancias e intereses personales involucrados en mantener estas comunidades.

Durante esta época, Forti comenzó a desarrollar Dance Constructions, nueve piezas basadas en el movimiento ordinario, el azar y objetos simples como cuerdas o tablas de madera. Dance Constructions es una serie fundamental en la carrera temprana de Forti y marca un momento decisivo en la historia del arte y la danza. Esta suite de nueve obras, presentada por primera vez en 1960 en la Reuben Gallery, explora la naturaleza de las relaciones sociales al dirigir a los intérpretes a realizar un conjunto de instrucciones, basadas en la cooperación o colaboración.

David Gordon, The Matter (en el MoMA), 2018. Con Carmella Lauer, Pam Tanowitz, Lauren Fergusson, Ambika Raina, Darrin Wright, Paul Hamilton, Colin Gee, Erez Milatin, Lydia Chrisman, David Gordon. © 2018 The Museum of Modern Art, NY. Foto: Paula Court
Deborah Hay, Ten, 1968/2018. Con Michelle Boulé, Marýa Wethers, Adrienne Truscott, Miguel Gutierrez, Malcolm Low, Arturo Vidich, David Thomson, Shelley Senter. © 2018 The Museum of Modern Art, NY. Foto: Paula Court

Sanctuary: Judson Dance Theater

Entre 1962 y 1964, el Judson impartió talleres en el sótano de la Judson Memorial Church, cuyo producto fueron presentaciones organizadas en 16 conciertos. Judson redefinió la clase de movimientos que podían ser considerados como danza, mediante el uso de objetos cotidianos, ropas y gestos en la coreografía. Los artistas llevaron a escena gestos típicos de la vida urbana u hogareña, con un énfasis en el tiempo real que efectivamente toma completar estas tareas, en vez de los tiempos artificiales usados en el teatro. Un ejemplo es el video de Lucinda Childs, Carnation (1964), en el que presenta objetos cotidianos, como esponjas, rizadores de pelo y un colador, con gran cuidado. El contraste entre su comportamiento relajado y lo absurdo de sus acciones resulta en una suerte de payasada. Algunas de estas actividades están representadas en esta galería a través de una serie de fotografías, películas, partituras musicales y secuencias de diapositivas de las veladas en los Concerts of Dance #3 y #13, junto con testimonios orales.

Los miembros del Judson Dance Theater participaron mutuamente en sus presentaciones, asumiendo distintos papeles, desde la interpretación hasta la organización. Los artistas de Judson también rechazaron la estructura tradicional de la compañia de danza, en la que todo el control creativo es otorgado al coreógrafo; en cambio, adoptaron un enfoque basado en grupos, donde las funciones son distribuidas entre todos los participantes. Como Carolee Schneemann indicó en un testimonio oral, las mujeres lideraron muchas de las conversaciones en Judson, que desafiaron al masculinismo dominante en el mundo del arte en esa época. El uso de utilería como activadores principales o piezas centrales en sus coreografías fue otra forma de eliminar la toma de decisiones creativa y desenfatizar el papel de la autoridad en la labor artística. Las fotografías de Yvonne Rainer y sus bailarines cargando y arrastrando colchones en Part od Some Sextets es un ejemplo de cómo los artistas del Judson utilizaron objetos como parte activa de su trabajo y no como suplementos para los actores.

El uso de partituras también ofreció nuevas maneras de gestionar el poder en la coreografía, dado que entregó a los intérpretes parámetros flexibles para comprender las instrucciones. Esto potenció la variación en la ejecución de una misma pieza. Lo anterior puede ser visto en las fotografías de Jag vill gärna telefonera (Me gustaría hacer una llamada telefónica) de Steve Paxton, que él y Robert Rauchenberg presentaron en 1964. Basados en sus estilos y experiencias individuales, tanto Rauchenberg como Paxton leyeron el collage gráfico de la partitura de acuerdo a sus propios movimientos en lugar de seguir los movimientos predeterminados por el coreógrafo.

Las partituras presentadas en la exhibición incluyen recortes de revistas y periódicos encontrados, dibujos expresivos de figuras, líneas caligráficas e instrucciones escénicas basadas en colores, tal como en Take Your Alligator with You (1963) de Rudy Pérez, donde utilizó revistas de moda y avisos en periódicos como base para su coreografía. Estos diferentes enfoques a la instrucción escénica también permitieron a los participantes de Judson Dance Theatre incorporar la improvisación en obras como la Metamorfosis de Bill Dixon: 1962–1966, el resultado musical en jazz de la interpretación grupal.

El Judson Dance Theater organizó muchas otras presentaciones además de los 16 conciertos, y que se presentaron en otros escenarios distintos al original de la iglesia. Su influencia se expandió por la escena artística de esa época, como se puede ver en las múltiples películas en esta galería, entre las que se incluyen Fantastic Gardens (1964) de Elaine Summers, las grabaciones de Site (1965) y del 81st Street Theatre Rally (1965) de Stan VanDerBeek, y Jill and Freddy Dancing (1963) de Andy Warhol. Cada uno de estos artistas utilizó material grabado afuera de la Judson Memorial Church para crear su propia interpretación fílmica en base a las ideas de azar, colaboración y cotidianidad inspiradas por Judson.

Vista de la exposición “Judson Dance Theater: The Work Is Never Done”, en el Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, 2018–2019. © 2018 The Museum of Modern Art. Foto: Peter Butler

JUDSON DANCE THEATER: THE WORK IS NEVER DONE

Curada por Ana Janevski, junto a Thomas J. Lax como curador Asociado, y Martha Joseph, asistente curatorial del Department of Media and Performance Art, MoMA.

The Museum of Modern Art (MoMA), 11 W 53rd Street, Nueva York

Hasta el 3 de febrero de 2019

*Imagen destacada: Charles Ross, Qui a mangé le baboon, 1963. Presentado en el “Concert of Dance #13”, Judson Memorial Church, NY, 20 de noviembre, 1963. © Barbara Moore/VAGA, NY. Cortesía de Paula Cooper Gallery, NY. Foto: Peter Moore.

**Traducción por Isaac Zapata, pasante de la carrera de Traducción de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (PUCV), Chile.

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