SCULPTURECENTER PRESENTA OBRAS SITE- SPECIFIC DE ASMA Y ÁLVARO URBANO

El SculptureCenter de Nueva York acoge de manera simultánea las exposiciones Ideal Space for Music, del colectivo mexicano ASMA, y Tableau Vivant del artista visual español Álvaro Urbano, marcando un nuevo hito en el creciente protagonismo de los artistas de América Latina y España en los principales circuitos institucionales de Estados Unidos.

Por un lado, ASMA propone una narrativa escultórica fragmentada que explora el deseo y la materialidad a través de procesos híbridos que combinan técnicas artesanales e industriales. Por su parte, Urbano revisita la historia de una obra de arte público desmantelada, interrogando su estatus como ruina en el tiempo presente. Ambas exposiciones, al situarse en los espacios del SculptureCenter, generan una conversación en torno a la temporalidad, la memoria y las posibilidades simbólicas de la escultura en la contemporaneidad.

ÁLVARO URBANO: TABLEAU VIVANT

Álvaro Urbano ha establecido diálogos y colaboraciones con una diversidad de entidades a lo largo del tiempo y el espacio: artistas, escritores y arquitectos; plantas y animales; edificios, ruinas y otras presencias humanas y no humanas. Para su proyecto en el SculptureCenter, se centra en una ruina potencial, o en una ruina en curso: una obra de arte público del escultor estadounidense Scott Burton (1939-1989), rescatada de la destrucción pero aún enfrentada a un futuro incierto.

Instalada originalmente en el vestíbulo del Equitable Center, en el centro de Manhattan, en 1986, la obra fue desmontada en 2020 como consecuencia de una reforma. El mobiliario del atrio estaba compuesto por una zona de asientos semicircular en mármol verde Larissa, cuatro lámparas de ónice rosa y un centro de mármol que en su origen contenía una fuente de agua, luego reutilizada como jardinera.

Un seto de Podocarpus delimitaba el sofá circular, mientras que un anillo de bronce pulido enmarcaba la composición. El suelo del entorno incluía incrustaciones intermitentes de baldosas cuadradas de granito rojo, diseñadas por Burton. En conjunto, la disposición escultórica evocaba la imagen de un reloj que marcaba el horario de oficina de 9 a 5, aludiendo a las estructuras de comportamiento que rigen estos espacios corporativos.

Atrium Furnishment fue una de las muchas intervenciones que Burton —escultor, performer y figura clave en la escena artística neoyorquina de los años 70 y 80— realizó en espacios públicos o semipúblicos a lo largo de su vida, antes de fallecer en 1989 por complicaciones derivadas del VIH. Aunque algunos elementos de sus obras exteriores vinculadas al Equitable Center aún se conservan, aproximadamente la mitad de sus proyectos concebidos para sitios específicos han sido retirados o modificados desde su realización.

En el SculptureCenter, Urbano exhibe aproximadamente la mitad de los elementos originales de Atrium Furnishment de Burton. Respetando la orientación original de la obra, su nueva disposición se expande a través del espacio de la planta baja, transformando toda la galería en un paisaje topográfico.

Los proyectos de arte público de Burton siempre funcionaron como quimeras que fusionaban escultura y mobiliario. Al reconfigurar y segmentar los elementos de la obra en un nuevo emplazamiento, Urbano dirige la atención hacia los materiales seleccionados por Burton y hacia las historias físicas y dinámicas que estos contienen. En conjunto, los segmentos de mármol se elevan y delinean un nuevo terreno, de manera análoga a los fragmentos de lecho de roca que emergen en los alrededores de Central Park.

Con este propósito, la exposición de Urbano en el SculptureCenter traza un puente especulativo entre el vestíbulo del Equitable Center y The Ramble, una sección de Central Park ubicada entre las calles 73 y 79. Ambos espacios están marcados por códigos de interacción social y operan como puntos de encuentro en constante flujo entre las esferas pública y privada.

El interés de Urbano por The Ramble surge de su diseño paisajístico del siglo XIX, concebido para parecer indómito, salvaje y difícil de recorrer. Esta zona boscosa es reconocida tanto como un santuario para la observación de aves como, desde principios del siglo XX, un espacio de cruising para comunidades queer. En este territorio, los encuentros sexuales espontáneos ocurren al ritmo de las estaciones y bajo el influjo del paisaje en transformación, desafiando las lógicas normativas del espacio urbano. Estas zonas furtivas del parque se convierten así en escenarios de comunidad y sensibilidad queer, donde confluyen preocupaciones identitarias y ecológicas.

El diálogo entre lugar y circunstancia, central en la obra de Burton, es también el motor que impulsa a Urbano a desdibujar límites y tejer nuevas narrativas.

La instalación está habitada por elementos botánicos, todos ellos realizados en metal pintado, que evocan la vegetación primaveral de The Ramble en Central Park. Ramas de magnolia, campanillas y arbustos de rododendro quedan suspendidos en un florecimiento detenido; plantas de Jeffersonia emergen del suelo de hormigón. Manzanas a medio comer yacen como si hubieran sido mordidas apenas minutos antes, mientras enredaderas trepan por la arquitectura del edificio.

El paisaje de mármol de Urbano (y Burton) se enfrenta a una instalación lumínica sostenida por un techo abatible que evoca la cuadrícula de la ciudad y los destellos inconexos de interiores corporativos. La instalación funciona como un plano onírico: ilumina y da vida al paisaje subyacente en un dúo entre luz y mármol, extrayendo interioridad y deseo de la obra fragmentada de Burton, que, en su estado de desmontaje, parece carecer de personalidad.

El paso del tiempo se manifiesta en esta plataforma colgante, donde hojas muertas, charcos de lluvia, basura y mariposas atrapadas en el alquitrán proyectan sus siluetas en la superficie inferior. Estos elementos, junto con sus sombras, refuerzan la tensión que recorre toda la exposición: el crecimiento del paisaje que se abre entre los volúmenes de mármol de Burton se contrapone a la presencia opresiva del techo rebajado, que a su vez sugiere una paradójica libertad onírica.

Del mismo modo que Atrium Furnishment ha sido desmontada y almacenada indefinidamente, la intervención de Urbano especula sobre su posible reensamblaje, anticipando un futuro aún incierto.

Ante la falta de condiciones para reensamblar completamente la obra de Burton en un nuevo contexto, Urbano destaca el precario estatus de piezas como Atrium Furnishment, independientemente de la solidez de su composición material. Aunque la obra de Burton nunca volverá a ser la misma, la exposición de Urbano se pregunta qué nuevos comienzos engendra este montaje de la austera materia de su arte y cómo su monumentalidad y fragilidad podrían reavivar sus ideas latentes.

ASMA: IDEAL SPACE FOR MUSIC

La primera exposición institucional en Estados Unidos del dúo de artistas ASMA reúne obras de arraigue escultórico que expanden las posibilidades de materiales como el silicio, la resina, el bronce, el acero y el vidrio, a través de la combinación de técnicas artesanales con procesos sintéticos e industriales. Su práctica se basa en una metodología de investigación que vincula la respuesta intuitiva al espacio con exploraciones conceptuales en torno a la mitología, la psicología y el posthumanismo, abordadas desde una perspectiva metamoderna.

Para su intervención en el SculptureCenter, ASMA presenta Ideal Space for Music, un tapiz narrativo fragmentado poblado por figuras escultóricas cuya presencia remite a la teatralidad. Aprovechando la dimensión simbólica del nivel inferior del SculptureCenter como un territorio subconsciente, las obras de la exposición invitan a una reflexión sobre el deseo y la fragmentación.

ASMA explora la relación entre el deseo, el desarrollo del lenguaje y la literatura a través de la imagen de la articulación, tomando como símbolo las muñecas articuladas (BJD, por sus siglas en inglés). En estos objetos, la esfera funciona como punto de contacto y separación, un elemento que, además de articular el movimiento, encarna el objeto de deseo en la triangulación entre amante y amado. Esta dinámica se replica en el proceso creativo, donde elementos como la esfera se convierten en recipientes intermedios entre el deseo de expresión y el de consumo.

La exposición muestra una serie de esculturas reflectantes, detalladas con composiciones en bajo relieve. Junto a ellas, una serie de escenas escultóricas dramáticas, protagonizadas por figuras construidas, revisita la noción frankensteiniana de desintegración, evocando temas de contaminación e hibridación en el proceso de autorrealización.

Las representaciones fracturadas del cuerpo han sido una constante en el arte de la vanguardia, desde las marionetas en las obras de Hannah Höch hasta los muñecos de Hans Bellmer, pasando por las representaciones del Teatro del Absurdo, donde el cuerpo humano aparecía alienado, distorsionado o constreñido. En todos estos casos, la fragmentación del cuerpo reflejaba un contexto de horror y perversión, marcado por los conflictos humanos de su época.

La exploración de ASMA se inserta en este linaje y dialoga con el resurgimiento actual de las muñecas en la cultura popular, entendidas como un espacio psicológico para confrontar las pesadillas contemporáneas del trauma colectivo.

Mediante un enfoque surrealista y onírico, ASMA fusiona motivos ornamentales propios del art nouveau y el romanticismo con artefactos de la civilización digital, creando entornos que se acercan cada vez más a la noción de totalidad. Su exposición en el SculptureCenter amplifica esta exploración al adentrarse en los laberínticos y oscuros pasillos del nivel inferior, estableciendo un diálogo con la arquitectura del edificio.

Las obras crean una sutil dirección ambiental hacia lo performativo, impregnando el espacio con una atmósfera psicológica intensificada por el uso de iluminación y sonido. De esta manera, la exposición amplía la investigación de ASMA sobre las condiciones emocionales y psicológicas contemporáneas, abordando temas como la identidad, la transformación y nuestra relación con los reinos no humanos.

Álvaro Urbano: TABLEAU VIVANT ha sido curada por Sohrab Mohebbi, Director, y Kyle Dancewicz, Director Adjunto, con Christopher Aque, Director de Exposiciones y Programas de SculptureCenter.

ASMA: Espacio ideal para la música es curada por Jovanna Venegas.

Ambas muestras permanecen abiertas hasta el 24 de marzo de 2025