ARTE SUBDESARROLLADO

A partir de la década de 1930, y más concretamente después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), los países económica y socialmente vulnerables comenzaron a ser calificados como «subdesarrollados». En Brasil, los artistas reaccionaron ante este concepto, comentándolo, posicionándose y, en algunos casos, luchando contra él. Parte de lo que produjeron durante este período se exhibe en la muestra Arte Subdesenvolvida (Arte Subdesarrollado), que tiene lugar del 29 de mayo al 5 de agosto en el Centro Cultural Banco do Brasil São Paulo (CCBB SP).

El concepto de subdesarrollo perduró durante cinco décadas antes de ser reemplazado por términos como países emergentes o en vías de desarrollo. «Por eso, la exposición abarca desde los años 30 hasta principios de los 80, cuando se produjo una transición en la nomenclatura del debate público sobre el tema, como si fuera algo natural pasar de un estado de subdesarrollo a uno de desarrollo», reflexiona el curador Moacir dos Anjos. «En algún momento, perdimos la conciencia de que aún vivimos en una condición de subdesarrollo», añade.

La exposición presenta pinturas, libros, discos, carteles de cine y teatro, grabaciones de audio, videos y una enorme colección de documentos. Se trata de piezas procedentes de colecciones privadas, entre las que destacan dos obras de Candido Portinari. También hay obras de Paulo Bruscky y Daniel Santiago, cortesía del Museo de Arte de Río (MAR).

ALGUNOS MOMENTOS DESTACADOS

En Arte Subdesenvolvida se presentan obras de gran relevancia para la cultura brasileña. Dos instalaciones, en particular, llaman la atención de los visitantes. Una de ellas es Sonhos de Refrigerador, del artista Randolpho Lamonier. Esta obra, de carácter site-specific, exhibe un gran volumen de objetos que materializan los sueños consumistas de personas que el artista escuchó en la Praça da Sé, en São Paulo.

«La materialización de los sueños toma diversas formas de representación, desde dibujos realizados por los propios entrevistados hasta objetos de la cultura vernácula y elementos del lenguaje publicitario», explica el artista.

La instalación, que incluye neones LED, carteles digitales, monitores de video, peluches, inflables, banderolas y pancartas manuscritas, ocupa todo el vestíbulo central del CCBB São Paulo y, como explica el curador, «reflexiona sobre las cuestiones planteadas por artistas de otras décadas”.

Otra obra destacada de la exposición es Monumento al hambre, realizada por la italo-brasileña Anna Maria Maiolino, ganadora del León de Oro en la reciente edición de la Bienal de Venecia. En esta pieza, la artista profundiza en los problemas sociales y el tema del hambre en Brasil durante la dictadura cívico-militar brasileña (1964-1984). La obra incorpora 15 kg de arroz y 15 kg de frijoles negros en bolsas atadas con una cinta negra, símbolo de duelo. Estos alimentos, tradicionales y básicos para el pueblo brasileño y otros en América Latina, son el foco de la pieza.

Maiolino, nacida en tiempos de guerra y de origen católico italiano, comprendió desde joven el vínculo entre compartir alimentos, el hambre y la comunión de una idea. Una pieza relacionada es Arroz e Feijão (1979), donde la artista dispone sobre una mesa negra platos blancos llenos de tierra en la que germinan estos dos granos fundamentales. La mesa central cumple un doble papel: se asemeja a una catacumba en una disposición casi funeraria, pero también evoca la resurrección de la comida, la gente y la tierra.

Arte Subdesenvolvida ocupa cuatro plantas del CCBB SP, incluyendo el sótano, y se organiza por décadas. El primer eje, Tem gente com fome (Hay gente con hambre), aborda los debates iniciales en torno al concepto de subdesarrollo. «Fue en las décadas de 1930 y 1940 cuando artistas y escritores comenzaron a situar este tema en el centro del debate», explica el curador.

Esta sección incluye la obra, A Fome e o Brado, una de las más emblemáticas de Abelardo da Hora (1924-2014), escultor, pintor y poeta brasileño conocido por su compromiso con temas sociales y políticos, especialmente en relación con la pobreza y la injusticia en Brasil durante los años de la dictadura militar y el periodo de industrialización y urbanización que acentuaron las disparidades socioeconómicas en el país.

La obra consiste en una serie de esculturas que muestran figuras humanas en situaciones de sufrimiento, miseria y desesperación, reflejando el hambre, la lucha por la supervivencia y el clamor del pueblo brasileño frente a la opresión y la desigualdad. A través de A Fome e o Brado, Abelardo da Hora denuncia la indiferencia de las élites y el gobierno hacia el sufrimiento del pueblo, utilizando el arte como una herramienta de crítica social y resistencia.

En la segunda sección, Trabalho e Luta (Trabajo y Lucha), se exhiben obras de artistas de Recife, Porto Alegre y otras regiones de Brasil donde surgieron huelgas y luchas por los derechos y mejores condiciones laborales. Destacan grabados del Clube de Gravura de Porto Alegre, fundado en la década de 1950 por Carlos Scliar y Vasco Prado.

El Clube de Gravura jugó un papel crucial en la renovación de las artes gráficas en el estado de Rio Grande do Sul y tuvo repercusión a nivel nacional. Adoptó un enfoque social del grabado, utilizando técnicas como la xilografía y la linografía, que eran accesibles y económicas. Siguiendo los principios del Realismo Socialista, sus obras figurativas reflejaban la vida de las clases bajas, especialmente los gauchos, y abordaban temas como la pobreza, la lucha por la supervivencia y las luchas de la clase trabajadora.

También se presenta en este segmento Mulher Fazendo Telhas (1953), de José Cláudio, una pintura que retrata a una mujer trabajando en la fabricación de tejas. Esta obra destaca la temática del trabajo y la figura del trabajador, aspectos centrales en la producción artística de José Cláudio.

El artista, conocido por su compromiso con cuestiones sociales, capturó la vida y las labores cotidianas de las clases trabajadoras, especialmente en el contexto de la industrialización y urbanización de Brasil en el siglo XX. Su enfoque se alineaba con los principios del Realismo Socialista, enfatizando la dignidad y el esfuerzo de los trabajadores comunes​.

El tercer bloque reúne a artistas/políticos del Brasil activos en la primera mitad de los años 60. Se divide en dos partes. Mundo e Movimento (Mundo y Movimiento), donde política, cultura y arte se mezclan radicalmente, incluye documentos del Movimiento de Cultura Popular (MCP) de Recife y del Centro de Cultura Popular (CPC) de la Unión Nacional de Estudiantes (UNE) de Río de Janeiro. Ambos movimientos fueron fundamentales para fortalecer la identidad regional y promover una cultura crítica en un contexto de censura y autoritarismo.

El MCP se centró en la valorización de las tradiciones culturales del Nordeste brasileño y en la educación popular como herramientas de empoderamiento y resistencia frente a la represión. Por su parte, el CPC integró la cultura y la política, actuando como un espacio de resistencia contra el régimen militar y fomentando la innovación artística en música, teatro, cine, y artes plásticas.

En la sección Estética da Fome (Estética del Hambre), también dentro del tercer eje, la pobreza es un tema central en las producciones artísticas, incluyendo películas de Glauber Rocha, obras de Hélio Oiticica, el Tropicalismo en la música y piezas teatrales del grupo Opinião. «En aquella época había mucha creatividad, que acabó siendo sofocada después de los años 60», dice el curador.

En octubre de 1964, Manuel Moreira, conocido como Cara de Cavalo, fue asesinado por el Escuadrão Le Cocq, un grupo parapolicial en Brasil que actuaba con violencia y represión. Su nombre homenajeaba a un detective que Moreira había matado previamente. En respuesta a este crimen, y como una forma de protesta contra la brutalidad policial y la dictadura militar, Hélio Oiticica creó un estandarte con la imagen de Moreira y el lema «Seja marginal, seja herói» (Sea marginal, sea un héroe).

En 1968, el estandarte fue exhibido en un concierto de Caetano Veloso y Gilberto Gil en el club Sucata de Río de Janeiro. La presencia de esta obra provocó la intervención de la policía secreta, resultando en la detención, encarcelamiento y posterior exilio forzado de Veloso y Gil. Este episodio es un ejemplo de cómo el arte y la política se entrelazaban en Brasil durante el régimen militar, y cómo el arte de Oiticica se convirtió en un símbolo de resistencia y desafío.

La obra de Glauber Rocha, especialmente en el marco del Cinema Novo, es un ejemplo notable de resistencia cultural y política frente a la dictadura militar y las injusticias sociales en Brasil. Sus películas exploran la realidad social y cultural del Nordeste brasileño, abordando temas como la opresión, la identidad y la lucha por la justicia mediante la crítica social.

La última sección de la muestra, O Brasil é meu abismo (Brasil es mi abismo), ocupa el sótano del centro cultural con obras de la época de la dictadura militar, creadas por artistas que reflejaron su angustia e incertidumbre sobre el futuro. «Son obras más oscuras, que describen las paradojas que existían en Brasil en aquella época, como en el texto Brasil é meu abismo, de Jomard Muniz de Britto», explica el curador.

Daniel Santiago, O Brasil é o meu abismo, Pernambuco,1982. Cortesía: CCBB SP

“El cuerpo latino, indígena o mestizo, estuvo, sobre todo entre los años sesenta y ochenta, sumido en la oscuridad de las incertidumbres sobre la regulación de sus límites y libertades en el espacio político, social y artístico. La imagen del cuerpo colgado fue evocada en la performance propuesta por Daniel Santiago en 1982, en la que el artista pernambucano reproducía, a través del gesto, la violencia enviada a los diversos torturados que no cesaría al final de la dictadura. En sus manos, el cartel Brasil es mi abismo localiza geográficamente la profundidad abisal de nuestra tumba, en la que se entierran periódicamente nuestra dignidad, nuestros cadáveres y nuestros derechos”.

Melissa O. Rocha, O contra-arquivo na arte: O poder xamânico de uma antropologia reversa [DOI: https://doi.org/10.5965/2175234609182017006]

La exposición Arte Subdesenvolvida es una producción de Tuîa Arte Produção y estará abierta al público hasta el 5 de agosto, con entrada gratuita. Posteriormente, la exposición viajará a las demás unidades del CCBB en Belo Horizonte (del 28 de agosto al 18 de noviembre de 2024), Brasilia (del 9 de diciembre de 2024 al 2 de febrero de 2025) y Río de Janeiro (del 19 de febrero al 12 de mayo de 2025).

En total, participan más de 40 artistas y otras personalidades brasileñas, entre ellos Abdias Nascimento, Abelardo da Hora, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino, Artur Barrio, Candido Portinari, Carlos Lyra, Carlos Vergara, Carolina Maria de Jesus, Cildo Meireles, Daniel Santiago, Dyonélio Machado, Eduardo Coutinho, Ferreira Gullar, Graciliano Ramos, Henfil, João Cabral de Melo Neto, Jorge Amado, José Corbiniano Lins, Josué de Castro, Letícia Parente, Lula Cardoso Ayres, Paulo Bruscky, Rachel de Queiroz, Rachel Trindade, Solano Trindade, Regina Vater, Rogério Duarte, Rubens Gerchman, Unhandeijara Lisboa, Wellington Virgolino y Wilton Souza.