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Las Pinturas de Irving Penn

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Aunque fue reconocido internacionalmente por su trabajo como fotógrafo, Irving Penn (Estados Unidos, 1917-2009) inicialmente se propuso ser pintor y trabajó con este medio al principio y al final de su carrera. Entre 1934 y 1938, estudió diseño con Alexey Brodovitch en la Escuela de Arte Industrial del Museo de Filadelfia. Después de pintar durante un año en México, regresó a la ciudad de Nueva York y comenzó a trabajar en la revista Vogue, en 1943.

Penn fotografió para Vogue y clientes comerciales en Estados Unidos y en el extranjero por casi 70 años. Trátese de una imagen de moda innovadora, un retrato impactante o un atractivo bodegón, cada una de las imágenes de Penn tiene su estilo característico de elegante simplicidad estética.

Además de su trabajo fotográfico editorial, de publicidad y personal, Penn también fue un maestro grabador. A partir de 1964, fue pionero en una técnica compleja para hacer impresiones de platino y paladio, un proceso de impresión del siglo XIX al que aplicó materiales del siglo XX.

Su faceta como pintor es ahora celebrada con la primera exposición de sus pinturas en la galería Pace/MacGill de Nueva York, una selección de obras ejecutadas por el artista en sus últimas dos décadas de vida. Son aproximadamente 30 obras extraídas de la colección de la Fundación Irving Penn, realizadas en medios mixtos entre finales de los años 80 y principios de la década de 2000, en las que destaca la experimentación del artista con los materiales, la forma y el color.

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Inspiradas en maestros del siglo XX, como Henri Matisse, Giorgio Morandi y Fernand Léger, las pinturas de Penn, que a menudo rayan en lo abstracto, se desvían del estilo a la vez llamativo y tranquilo de sus fotografías, pero comparten técnicas similares y un carácter audaz. Llevan capas sucesivas de pintura, casi como un collage.

Como si se tratara de una evolución de su técnica de impresión en platino y paladio, muchas de sus pinturas comenzaron con un dibujo en grafito o tinta de motivos que iban desde hongos hasta criaturas míticas, que luego fotografiaba, ampliaba e imprimía para enfatizar el estilo gráfico de sus líneas.

La ‘forma impresa’ sirvió como estructura base de sus pinturas, sobre la cual aplicaría combinaciones de acuarela, tinta, pigmentos secos de color y goma arábiga, a veces añadiendo arena para lograr una mayor textura. A medida que esta práctica evolucionó a principios de la década de 2000, Penn comenzó a renunciar al primer paso de la impresión como base, pintando más directa y libremente. La exposición revela cómo su estilo se volvió cada vez más gestual y fluido en el tiempo, explorando con todo lo que ofrece el medio pictórico.

Además de este tipo de pinturas, Penn también produjo un pequeño grupo de dibujos surrealistas al comienzo de su carrera. La primera y única ocasión en que estos trabajos fueron mostrados públicamente fue durante su retrospectiva de 1984, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se exhibía una pequeña selección. Después de esta exposición, más de cuarenta años después de sus primeras experimentaciones, el artista retomó la pintura y el dibujo.

Luego, a sus 70 años y tras una prolífica y célebre carrera como fotógrafo, Penn retornó a la experiencia calma, solitaria y física de la pintura. Como decía en su libro de memorias, Passage, «satisfecho con la nueva libertad, encontré dentro de mí formas acumuladas, disfruté del color arbitrario, del roce del pincel, del flujo del pigmento, de la lentitud y la privacidad».

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IRVING PENN: PAINTINGS

Pace/MacGill, 32 East 57th Street, Nueva York

Del 13 de septiembre al 13 de octubre de 2018

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Imagen destacada: Irving Penn, Aging Mushrooms, Nueva York, 1988, impresión de platino y paladio, tinta, acuarela y pigmento seco sobre papel montado en aluminio. Pieza única. © The Irving Penn Foundation.

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