Las Pinturas de Irving Penn

Inspiradas en maestros del siglo XX, como Henri Matisse, Giorgio Morandi y Fernand Léger, las pinturas de Penn, que a menudo rayan en lo abstracto, se desvían del estilo a la vez llamativo y tranquilo de sus fotografías, pero comparten técnicas similares y un carácter audaz. Llevan capas sucesivas de pintura, casi como un collage.

Como si se tratara de una evolución de su técnica de impresión en platino y paladio, muchas de sus pinturas comenzaron con un dibujo en grafito o tinta de motivos que iban desde hongos hasta criaturas míticas, que luego fotografiaba, ampliaba e imprimía para enfatizar el estilo gráfico de sus líneas.

La ‘forma impresa’ sirvió como estructura base de sus pinturas, sobre la cual aplicaría combinaciones de acuarela, tinta, pigmentos secos de color y goma arábiga, a veces añadiendo arena para lograr una mayor textura. A medida que esta práctica evolucionó a principios de la década de 2000, Penn comenzó a renunciar al primer paso de la impresión como base, pintando más directa y libremente. La exposición revela cómo su estilo se volvió cada vez más gestual y fluido en el tiempo, explorando con todo lo que ofrece el medio pictórico.

Además de este tipo de pinturas, Penn también produjo un pequeño grupo de dibujos surrealistas al comienzo de su carrera. La primera y única ocasión en que estos trabajos fueron mostrados públicamente fue durante su retrospectiva de 1984, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se exhibía una pequeña selección. Después de esta exposición, más de cuarenta años después de sus primeras experimentaciones, el artista retomó la pintura y el dibujo.

Luego, a sus 70 años y tras una prolífica y célebre carrera como fotógrafo, Penn retornó a la experiencia calma, solitaria y física de la pintura. Como decía en su libro de memorias, Passage, «satisfecho con la nueva libertad, encontré dentro de mí formas acumuladas, disfruté del color arbitrario, del roce del pincel, del flujo del pigmento, de la lentitud y la privacidad».