FULL DOLLAR: PATAFÍSICA EN UN MUSEO

Por X. Andrade | Curador Inamovible de FD

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MANIFIESTO

Full Dollar es una empresa apócrifa de antropología que interviene en circuitos de arte contemporáneo desde 2004. Como punto de partida, pecamos de modestos: hemos exhibido en aldeas tales como París, CDMX y Los Ángeles y hemos disertado en otros platanales como Nueva York, aunque haya muy pocas evidencias de todo aquello.

Siguiendo la tradición establecida por el College de ´Pataphisique (1948 de la era vulgar), la entidad cuenta con un Board of Directors liderado por X. Andrade —Curador Inamovible—y una Forever My Love Vicepresident. Dos perros callejeros originarios del pueblito pesquero de Playas, de enigmático origen étnico y una clase social evidentemente subordinada, complementan una estructura que facilita los trámites administrativos de una manera extraordinaria. Nuestra eficiencia nos hace ser la envidia de todas las instituciones culturales públicas y privadas en Ecuador a lo largo y ancho del siglo XXI.

Todo emerge de una epifanía que tuvo lugar a pocas cuadras de este mismo museo durante investigaciones etnográficas sobre la emergente y distópica renovación urbana de Guayaquil desde el 2000. Para expertos en estudios culturales, morbosos, taxidermistas de la metáfora, curadores y coleccionistas: la dirección exacta es Pedro Carbo entre Junín y Roca. En el recorrido que sigue se presentan algunos proyectos que dan cuenta de las estrategias preferidas por FD. De hecho, copias, estéticas populares y narco, curadurías parásitas, complicidades con empresas comerciales y etnografías de museos y colecciones públicas, resultaron favorecidas en esta gran lotería del amor y la amistad, misma que apunta unas veces a la crítica institucional y, otras, hacia exactamente todo lo contrario.

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En la ciudad de Guayaquil, siendo Marzo 1 de 2004 y contando como invitados a varios transeúntes no identificados, en la edificación ubicada en la calle Pedro Carbo # 103, 105, s/n, y 109, cerca de la intersección con Roca, se inauguró la galería privada Full Dollar.

Su singular y cuidadosamente diseñada arquitectura se asemeja a la de un edificio que estaría a punto de colapsar completamente de un momento a otro, y consiste en una amplia sala de exhibición cuyo piso se halla parcialmente cubierto de desechos de diversa índole. El detalle naturalista de las instalaciones es provisto por un árbol de nigüito plantado en el interior de la galería, el mismo que tiene aproximadamente 10 metros de alto y está a punto de florecer.

Antiguamente una bodega de basura a reciclarse, este flamante espacio –que carece de techo, ventanas y puertas para aprovechar la luminosidad natural– cuenta con una pared de fondo negro, una de ladrillo expuesto parcialmente y otra que constituye la frontera compartida con el edificio adyacente: una sucursal de la conocida cadena de supermercados Mi Comisariato. Estratégicamente ubicada entre dicho inmueble y una lavandería al peso, “Full Dollar” se sitúa en pleno centro de Guayaquil, lugar emblemático de la regeneración urbana.

Esta nueva aventura empresarial que engalana a la ciudad fue inaugurada mediante un cocktail brindado por su propietario, diseñador y curador, el Presidente Ejecutivo de la Corporación Full Dollar, quien lució para la ocasión una camiseta serigrafiada por el difunto George Febres (1943-1996), a la postre, la única obra a ser exhibida en ésta, la primera retrospectiva en el país del desconocido artista visual guayaquileño. Esta escultura funcional de algodón, color amarillo, marca Hanes, talla Large, se vio elegantemente complementada con pantalones cortos de Blue Collar Surf ($360) y zapatillas playeras de Speedo ($74), ambas piezas de un sobrio color negro.

“Quince minutos de gestión cultural” es el lema de este nuevo espacio de cultura y entretenimiento, el mismo que constituye un ejemplo del compromiso de la empresa privada por contribuir al desarrollo de las artes, la industria turística y la economía local, siempre poniendo a la regeneración humana de Guayaquil por delante.

Como augurio de éxitos en la misión a emprenderse, las veredas aledañas a “Full Dollar” fueron tomadas el mismo día de su inauguración por pintorescos vendedores ambulantes y mendigos, siendo estos sometidos, inmediatamente y casi sin resistencia, a su desalojo.

Una placa conmemorativa de la sencilla pero emotiva ceremonia fue colocada por los asistentes en los exteriores del edificio, a la par que el máximo representante corporativo develó su plan para reemplazar al árbol referido por una palmera.

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La curaduría es una forma de práctica etnográfica de confrontación e intercambio, un diálogo y múltiples desencuentros sostenidos con artistas o no artistas e instituciones de diversa naturaleza, pensados para hacerlos trascender hacia alguna forma de exhibición en un para-sitio antropológico. Este último puede ser cualquier tipo de espacio expositivo en su sentido más amplio (desde una galería hasta un ensayo visual impreso).

La para-curaduría, a su vez, es un ejercicio de inscripción parásito e intruso que se ejecuta entre las formas de mediación legitimadas en los circuitos del arte. Acá se presenta una colección privada, la mía —a la Charles Saatchi en museos públicos—compuesta por 11 encapsulados (collage, resina líquida y pintura) y tres fotografías intervenidas del artista y escritor Rubén Bonet, Presidente y Secretaria (así) de la Fundación Adopte a un Escritor (así), CDMX, otra entidad paródica con la que sintonizamos desde 2004. La primera inserción de esta colección tuvo lugar en la Sketch Gallery, Bogotá, 2023

En su actual iteración, se destaca un conjunto de piezas fundamentadas en los principios iconoclastas de Bonet, caracterizados por la desfiguración de íconos religiosos y de otra índole lograda mediante la intromisión de dispositivos textuales y etiquetas sacadas de productos del mercado, amén de imágenes pornográficas. En sus propias palabras: “Regresando a los collages, el proceso de producción arranca con la elección de la imagen a intervenir, con una cierta predilección por estampas religiosas de santos, vírgenes y escenas bucólicas variadas que se convierten en objeto de la más despiadada sátira y concentran mi odio visceral hacia la religión católica. Es muy probable que empiece la intervención de la estampa con una acción pictórica sobre algún personaje o detalle de la misma”.

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Este proyecto se compone de seis series temáticas que guardan la pretensión didáctica de las antiguas láminas escolares. Así, cada serie está compuesta por 12 miniaturas de acrílico sobre cartón, comisionadas a Ruddy, un pintor que vende su obra en las calles del centro de Guayaquil desde principios de siglo. Así, se abordan temas complejos tales como prostitución, drogadicción, terrorismo, gestión cultural, renovación urbana y arte contemporáneo. Como dispositivo pedagógico y escolar, cada serie destila estereotipos, lugares comunes e ideología, por supuesto. Siguiendo una pretensión enciclopédica, ellas dicen en conjunto: ¡Bienvenidos!, pero nadie saca sus propias conclusiones.

La secuencia compuesta por 72 pinturas termina con una de la serie Arte Contemporáneo en la que se me presenta leyendo un periódico después de una de mis salidas internacionales en las que, presuntamente, gano fama y fortuna a costa del trabajo de otros. Ruddy se toma su debida revancha; el titular reza: “Nunca el Arte Contemporáneo Estuvo Peor Representado”. Desde ahí ese es nuestro slogan corporativo, mismo que sirve, además, para transparentar las relaciones desiguales de poder que establezco en varios de mis proyectos.

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Instalación de 19 letreros de nomenclatura vial como parte de un proyecto colaborativo, Naming Tokyo, de la artista Mir, presentado por primera vez en el Palais de Tokyo, París, en 2003. Invitados una veintena de colaboradores de distintas profesiones para la producción de un mapa amigable de esa ciudad para turistas occidentales, mi contribución al mismo –en la prehistoria de FD- se fundamentó en la siguiente estrategia para dar cuenta del culto y la compulsividad del consumo de base:

“I drew on my ethnographic research towards the beginning of this century about the consumption of freebase (cocaine sulfate) in Guayaquil. My list includes native categories regarding ways of preparing and ingesting, names of ingredients and its psychoactive effects, and other expressive forms for celebrating drug consumption. Most of them are in some form of local slang and were provided by one key informant. He is regarded by his social network as the foremost authority on the subject of drugs.”

En el mapa resultante originalmente se incluyeron 23 letreros, emplazados en la zona correspondiente a hospitales y servicios de salud en Tokio:

BASE TIRADA PARA ATRÁS; BASE TIRADA PARA ADELANTE; PISTOLA; CHIMBUMBO; MADURO CON QUESO; RECICLAJE; CIBERNOY; GÜINGÜIRINGONGO; PIRAGUA; QUESO; MONEY FOR DRUGS, COUGHING FOREVER; MENOS BOCA, MÁS ME TOCA; MENOS NARIZ, MÁS PARA MIZ; EL FESTIVAL DE LA CHICHARRA; BASEROLA; TIROTEO; UNA NOCHE DE COWBOYS; EL REY DEL MADURO; EL PIPA PRIMERO; EL QUE LO ARMA, LO PRENDE; EL QUE FUMA, NO HABLA; OYE, NO ES MICRÓFONO!, EL POSTRE; BUILD-A-BONG.

Para quienes inquieran del por qué parte de este texto está en inglés: es exclusivamente para dar cuenta del carácter políglota y cosmopolita de nuestra empresa.

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Proyecto basado en la investigación Anatomía del Silencio (a publicarse en 2026) y múltiples intervenciones previas realizadas desde 2004 a manera de performances colectivos, un documental y escritos de opinión destinados a contrapuntear la paradójica invisibilización en Ecuador del célebre, en Nueva Orléans, artista guayaquileño George Febres (1943-1996). Calificado su trabajo gráfico y pictórico como “neosurrealista” en su momento, Febres desarrolló un papel pivotal como galerista, curador y gestor cultural en su ciudad de exilio.

Para propósitos de esta exhibición, que se junta a los esfuerzos recientes de varios investigadores, el equipo del MAAC siguió una lógica de montaje callejero y punk, a manera de una instalación precaria compuesta por fotocopias e impresiones de la obra de Febres sacadas de internet y coladas directamente sobre las paredes. Esta estrategia apunta a dejar en ridículo al Estado por su negligencia de cinco décadas respecto del legado de este artista, de facto censurado en Guayaquil por la burocracia, su homosexualidad y sus lazos aristocráticos de parentesco, entre otros factores políticos.

En el origen de este proceso de olvido sistemático estuvo el Museo del Banco Central del Ecuador, predecesor inmediato del propio MAAC. En 2002, cuando empecé una investigación etnográfica y de archivo sobre el tema no existía una sola imagen disponible en la red como referencia.

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Una suerte de epicentro de la exhibición, un enorme cubo blanco, una galería dentro del museo, está dedicado a celebrar mi más sostenido proyecto de pintura comisionada a artistas populares, una sala dedicada enteramente a The Full Dollar Collection of Contemporary Art. Es un homenaje a Víctor Hugo “Don Pili” Escalante (1952-2020), artista de rotulación comercial y antiguo pescador de Playas, lamentablemente fenecido en la pandemia.

La Collection se compone en esta ocasión de 22 pinturas que citan a celebridades del arte contemporáneo cuyas obras son reinscritas a la manera de rótulos de negocios hipotéticos diversos. Los cuadros se acompañan, mediante letreros pintados en las paredes, de frases atribuidas a galeristas célebres de los circuitos globales que se muestran deliberadamente fuera de contexto para reforzar lugares comunes sobre el poder del dinero y los sentidos de distinción social que configuran los mercados del arte. En conjunto, pinturas y letreros dan cuenta de la colusión de dos economías visuales completamente desiguales y dispares: la de la gráfica popular y la del arte contemporáneo.

Esta sala está pensada como un desafío lúdico para quienes la visitan. Seguir el juego supone tener en claro el método de producción de las pinturas, por un lado, y la historia del arte, por otro. Sobre el primero, se explicitan los mecanismos de comisión y curaduría a partir de mi selección de piezas reconocidas del arte global (de Damien Hirst a Mike Kelley, pasando por Jeff Koons y etcétera). Un libro, Coleccionar Arte Contemporáneo, publicado por Taschen para formar a coleccionistas nóveles desde la perspectiva de quienes hacen dinero del arte, fue la fuente principal de mi selección.

A Don Pili no le importaba si la referencia era una instalación, una fotografía, un tanque con un tiburón en formol, un performance de Santiago Sierra, una escultura o una pintura. El leía la imagen a partir del registro fotográfico, esto es, en dos dimensiones. A partir de ahí, la reproducía a mano alzada empezando por el fondo y agregando los elementos que aparecían, gradualmente, hacia el primer plano. El artista se las imaginaba colgando en un negocio; leía la imagen primordialmente en su función ilustrativa y comercial.

Esta sala se abre con la que espero sean un par de imágenes punzantes y las menos humorísticas: la yuxtaposición de una serigrafía de Antoni Muntadas datada en 1999, Colombia is Doing Well, un paisaje macabro al que se le superpone dicha frase, apropiada por el artista de las campañas turísticas que coincidían con un desangramiento civil que perdura. Otra copia de la misma, pero con el texto Ecuador is Doing Well, sirve para comentar sarcásticamente la situación actual de inseguridad y violencia en el país y la unidad narcoeconómica que conformamos ahora con Colombia.

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A Pablo Escobar se le debe la importación del Adán y las Evas de estas criaturas a Colombia en los ochentas. Después de decomisada la Hacienda Nápoles –sede de su Arca de Noé desde fines de los setentas—los hipopótamos escaparon y empezaron a colonizar zonas del río Magdalena en los albores de este siglo. Aunque el número oficial en la actualidad es de 169, hay muy buenos motivos para dudarlo. Para empezar, dicho conteo se menciona por primera vez hacia 2021. Con el derivar del tiempo y sin depredadores naturales, se advierte su próxima presencia hasta en los alrededores de paisajes andinos (¿o es fucking Suiza?).

Por supuesto, no faltó el zoológico guayaquileño que saltó frente a la posibilidad de adquirir un par de ejemplares. Hoy en el Magdalena Medio, hasta parques infantiles se ven decorados a su imagen y semejanza, mientras familias adoptan a los bebés para convertirlos en una especie doméstica hasta venderlos al siguiente wanna-be-Pablo. Son claramente indicios de las proverbiales buenas relaciones entre sociedad y naturaleza en los países del narco.

Esta es una comisión-en-progreso de Full Dollar (para 2030 se esperan alrededor de 400 mínimo, aunque en las matemáticas de cualquier Estado uno nunca debe fiarse). En esta iteración se presentan pinturas en acrílico sobre tela de 169 hipopótamos comisionados a Ruddy que resultan ser copias de su versión original, realizadas por el pintor informal Pedro Calzadilla en Bogotá con motivo de una exhibición paralela. Pedro vende sus paisajes de la naturaleza en uno de los mercados callejeros más grandes de esa ciudad.

Finalmente, otra serie compuesta por originales de Ruddy fue realizada para la última edición de la Bienal de Cuenca. En suma, anticipándonos al futuro, y dado el carácter visionario de nuestra empresa, FD cuenta actualmente con alrededor de 500 paisajes de hipopótamos.

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Caminando por el Centro Histórico de México en 2004, descubro ilustraciones que dan cuenta de la época en que todos los traficantes eran imaginados como italianos, y en la que en los mapas del narcotráfico no aparecían ni México ni los países andinos. En 1962, el discurso prohibicionista frente a las drogas lucía optimista (casi como ahora a pesar de sus efectos nefastos y gracias a la complicidad de la clase política en todo lado). Este cortometraje –una suerte de show de slides a la antigua- se apropia de las imágenes del libro El Imperio de las Drogas, publicado ese año por Edwar Donald, para dar cuenta del devenir previsible de “la guerra contra las drogas”.

Este cortometraje forma parte del proyecto de investigación y creación Narcolombia, dedicado a investigar los efectos de la narcoestética sobre los campos de producción y consumo culturales.

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Otro producto de la misma investigación referida parte de la apropiación de imágenes mediáticas y se expresa en una instalación audiovisual a tres pantallas, articulada alrededor de la tensión entre los intentos oficiales dirigidos a borrar el legado narco en Colombia, y las incontrolables formas de culto público y devoción a su alrededor.

La vida social de los imaginarios narco, después de la implosión del emblemático edificio Mónaco en febrero de 2019 -referente icónico de una época al haber sido propiedad de Pablo Escobar, hallándose enclavado en el aburguesado barrio de El Poblado y convertida en un punto focal de los narcotoures en Medellín- se reinicia inmediatamente con las apariciones fantasmales de la figura de El Patrón al momento de su destrucción, las cuales circularon la misma noche de este evento a través de internet.

La instalación contrapone la implosión, mediante imágenes mediáticas que dan cuenta desde todos los ángulos la caída del edificio, en tiempo y audio reales, con la reemergencia del edificio presentando la implosión a la inversa, y una tercera pantalla en la que se destacan los titulares e imágenes subidas por usuarios a YouTube que dan cuenta de la presencia fantasmal de Pablo justo antes del evento. Ellas hablan de la omnipresencia de lo narco en un país que aparenta asepsia mientras continúa imperando la violencia, el lavado de dinero, el terror en la política, y las ruinas, mercancías e imágenes mediáticas que lo glorifican. Hablan también de la imposibilidad de domesticar los excesos de lo narco.

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Este es el extracto de una carta dirigida a la empresa Edesa/Briggs para concretar una instalación compuesta por una serie de toilettes que son parte de su stock comercial:

“Con motivo de la exposición del proyecto de arte contemporáneo Full Dollar: Proyectos Selectos, la muestra del siglo XXI, que tendrá lugar en las instalaciones del MAAC entre diciembre de 2025 y abril de 2026, quisiéramos formularles una cordial invitación a participar en la misma mediante la exposición de 10 de sus toilettes durante dicho período.

Como un antecedente exitoso de colaboración entre Full Dollar y su compañía, contamos, previamente, con la extraordinaria exhibición de sus productos realizada en el Museo Camilo Egas de Quito como parte de la muestra colectiva Arte Contemporáneo en Ecuador, en 2007. En dicha ocasión, ustedes se sirvieron colaborar con el diseño, la instalación y el montaje de una vitrina que sirvió como muestrario de tan solo tres de sus toilettes con un fondo fotográfico de imágenes del fluir del agua. A aquellos, les acompañó una cédula museográfica del artista X. Andrade (Curador Inamovible de Full Dollar), y otra cédula producida por su empresa con su propia lectura del proyecto. 

La idea, en esta ocasión, es brindarle todavía mayor espectacularidad al despliegue de sus productos como parte de la instalación De la Impredecible Vida Social de Marcel Duchamp, un componente de los más importantes y, de hecho, el punctum de Roland Barthes, que estamos produciendo con ocasión de la exhibición referida.”

El resultado de esta gestión, realizada por el MAAC, se expresa en una instalación de ocho sanitarios dispuestos en un estante comercial similar a los de las tiendas comerciales de la empresa, logotipo incluido. Su iteración inicial, única invitación previa que FD recibiera para ser expuesto en una institución museal, fue pensada deliberadamente como una crítica a la precariedad de la gestión pública en materia cultural en Ecuador. Si bien ciertas condiciones han cambiado veinte años después, los dramas del financiamiento, la negligencia estatal y la volatilidad política se mantienen, haciendo de esta intromisión privada y comercial todavía más punzante.

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Esta instalación trafica dentro de esferas legítimas del arte con obras frente a las cuales normalmente el ojo educado se mantendría ciego y/o displicente: la decoración hotelera. Para ello, la colaboración con gerentes y empleados de limpieza es clave puesto que guardan una relación diferente con tales objetos y dichas estéticas.

En México, junio de 2004, como parte de la residencia Localismos: 20 artistas, 20 miradas sobre el Centro Histórico de México, cuya sede fue el otrora infame Hotel Virreyes, decidimos dialogar con las empleadas de limpieza y hacerlas reflexionar sobre el sentido de las obras pictóricas que adornaban el lugar. Ocurre que el tema dominante era de paisajes marinos e instalamos una muestra de ellos, los más significativos para las empleadas, en una antigua bodega de Pepsi cuya cromática empresarial (azul y blanco) jugaba muy bien con la calidad acuífera de los cuadros.

En San José en 2006, gracias a la ayuda recibida por el Hotel Clarion Amón Plaza, pudimos establecer la misma dinámica. Esta vez, sin embargo, el principal desafío vino dado por el hecho de que el 99% de las pinturas que decoraban las paredes de los 90 cuartos del hotel era una misma reproducción de un paisajito rural. Este carácter serial debió ser respetado y, por ello, instalamos una muestra de 16 de estas reproducciones en un parqueadero público. El ciclo se complementó con la colocación de una placa en el lugar de los cuadros de donde fueron tomados originalmente, o sea los cuartos del hotel, explicando por qué estos no colgaban en su puesto, sino que circulaban como objetos de arte contemporáneo en un evento de alcance internacional.

En Guayaquil se replicó el mismo método en complicidad con el legendario Hotel Ramada, ubicado en el malecón aledaño a este museo. Incluye seis copias de piezas indigenistas que normalmente decoran los halls de esa entidad. Gracias a una mueblería local, Palito, se recreó una salita de espera que fue inmediatamente apropiada por los visitantes como tal.

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El museo que sirvió para el trabajo de campo de este proyecto es la máxima expresión de la imagen pública que la Policía Nacional de Colombia intenta proyectar. Hasta hace poco, se accedía al mismo solamente mediante tours orientados por oficiales que se capacitan como guías para seguir un cuidadoso guion curatorial que fuera conceptualizado por su máxima autoridad. El guion supone honrar los valores esenciales de la Policía e ilustrar su compromiso con la defensa del orden social.

Ubicado en un edificio emblemático en el centro de Bogotá, el museo está orientado a contrarrestar las críticas que, periódicamente, emergen en un país caracterizado por décadas de violencia irresoluble. A pesar de los intentos reiterados por domesticar la mirada de los visitantes hacia la aséptica narrativa curatorial, inevitablemente los tours atestiguan un punto de ruptura: cuando se aproximan a la colección de objetos relacionados al legado del narcotráfico que se encuentran en una sala denominada: “El Crimen No Paga”.

Una inversión de los deseos de la curaduría ocurre para la mayoría de los espectadores: en lugar de distanciarlos de objetos que intentan ejemplificar a los peores enemigos históricos (el narco), el efecto es exactamente contrario.

Los dibujos de Borrero retratan el momento preciso en el que diferentes visitantes, emocionados al descubrir una motocicleta Harley Davidson de Pablo Escobar enchapada en plata y oro, proceden a irrumpir en comentarios celebratorios y tomarse autorretratos. Dicho objeto sumariza el glamour y el poder asociado a lo narco. El resultado –captado en 12 dibujos- es el desorden en el museo, la explosión de selfies y retratos como mementos de una experiencia que resembla a la de los populares narcotoures que recorren los hitos de la herencia del capo en Medellín, muy a pesar de los intentos oficiales por silenciarla.

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Esta instalación –nacida de diálogos sostenidos con Cevallos con motivo de la Bienal de Cuenca, 2018, donde fue expuesta inicialmente- se posiciona críticamente frente a las prácticas de coleccionismo del propio museo etnográfico que la alberga, originalmente el de Pumapungo, ahora éste. Parte de una curaduría de aquellos objetos que, perteneciendo a su reserva etnográfica, fueron catalogados como de procedencia “mestiza”, algo inusual para una colección que pone todo su peso en la representación de grupos étnicos de Ecuador.

Mi intervención toma la forma de una cédula museográfica:

Operando en contra de la antropología y la activación folklórica sobre etnicidad que se hace en todos los museos del país, este proyecto saca del closet a la “ecuatorianidad”, una imagen incurable en sí misma.

Al exponer utensilios diversos en yuxtaposición con textos ejemplares del tipo de crítica de arte que emerge específicamente en Cuenca, esta instalación comenta paralelamente sobre la locación del museo en un campo de producción concreto. Los textos, contemporáneos, son de autoría del historiador y curador Diego Demetrio Orellana.

Exposiciones, bienales y museos locales son objeto reiterado de sus comentarios.

Mediante las estrategias descritas, el proyecto despliega una metacuraduría de objetos y curadores alrededor del closet del mestizaje.

Pausa

En conjunto, estos proyectos dan cuenta de cómo lo excepcional –clave de atención de la ´Patafísica- ha informado buena parte de lo avanzado en estas décadas a través de FD y en distintos procesos comisionados y colaborativos que ha requerido la complicidad de múltiples agentes por fuera o como parte de los circuitos del arte.

Una ruina fuera de lugar, alianzas entre entidades paródicas, “artesanía” como “arte”, nomenclatura imposible de calles para una ciudad “regenerada”, un artista célebre pero desconocido, obras famosas del arte contemporáneo como rótulos comerciales, el aura fantasmal de lo narco frente a intentos por borrarla, paquidermos colombianos, sanitarios duchampianos, mucamas curadoras, colecciones de hotel 3 estrellas y anacronismos en los museos públicos. Todos nacen de investigaciones propias que se expresan en 300 pinturas, siete instalaciones multimedia, tres audiovisuales y un archivo comprimido de textos: esto es antropología de la imagen por otros medios, un salvavidas en alta mar frente a la burocracia de la academia y, al mismo tiempo, una provocación irónica (espero también jocosa, aunque sobran amargados) a las propias instituciones del arte contemporáneo.

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X. Andrade es Curador Inamovible de Full Dollar y Comisario de la exhibición, Profesor y Coordinador del Laboratorio de la Imagen, Universidad de los Andes, Colombia.

Curaduría de imágenes de Carlos Terán Vargas (Investigador de la muestra, Profesor de la Universidad Técnica de Manabí, Ecuador)

Full Dollar: Proyectos Selectos, de X. Andrade + cómplices varios, se presenta hasta mayo de 2026 en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC) de Guayaquil, Ecuador.