MASQUERADES. MOMENTA BIENNALE DE L’IMAGE, MONTREAL

Masquerades: Drawn to Metamorphosis es el título de la 18va edición de MOMENTA Biennale de l’image, que tuvo lugar en Tiohtià:ke / Mooniyang / Montreal entre el 7 de septiembre y el 22 de octubre de 2023. Bajo la curaduría de Ji-Yoon Han, esta bienal contó con la participación de veintitrés artistas locales e internacionales, cuyas obras se presentaron en dieciséis sedes a lo largo de la ciudad.

Hoy en día, MOMENTA es una de las tantas bienales realizadas en la gran extensión del territorio canadiense. Entre ellas podemos destacar Toronto Biennale (la más reciente desde 2019), Bonavista Biennale (activa desde 2017 en la Península de Bonavista, Newfoundland), la Biennale d´Art Contemporain Autochtone (abocada a promocionar el trabajo de artistas indígenas, se encuentra activa desde 2012 en Montreal, aunque fue incorporando sedes en otras ciudades), Manif d’Art – The Québec City Biennale (activa desde 2002), y CAFKA (Contemporary Art Forum Kitchener and Area, activa desde 2001 en Ontario).

A pesar de ello, vale destacar que MOMENTA fue la primera bienal organizada en Canadá: su primera edición se remonta a 1989. En aquel momento su nombre era Le Mois de la Photo à Montréal, y su propuesta se focalizaba en la imagen fotográfica. Es recién en 2016, con la entrada de Audrey Genois como directora, que la ya tradicional bienal pasa a denominarse tal como la conocemos hoy en día.

Este cambio de nombre no fue sólo en la superficie, sino que buscó –desde la propia imagen y sus múltiples posibilidades- ampliar la propuesta curatorial a otros medios más allá de la fotografía. Este giro produjo, en palabras de Genois, una apertura a un público más joven y diverso, interesado en las prácticas artísticas contemporáneas como otra manera de construir, consumir y pensar en imágenes hoy en día. Bajo esta nueva línea, la bienal solo ha tenido cuatro ediciones contando esta última.

La propuesta curatorial de este año nos invita a preguntarnos qué mascaras –materiales, metafóricas, artificiales, literales– construimos en nuestro día a día, y qué mecanismos de visibilidad e invisibilidad nos proponen. Las masquerades, término que en español vendría a implicar el proceso por el cual nos hacemos pasar por otra persona o cosa, por algo que pretende ser algo que no es, nos invita a poner en duda nuestra propia identidad, observar de cerca cómo la construimos y deconstruimos de acuerdo con nuestras convicciones y experiencias.

Como plantea Han en uno de sus ensayos, la masquerade es la forma en la cual la identidad se transforma en múltiples identificaciones. Como muchas de las obras demuestran, este proceso de metamorfosis va más allá de lo humano, implicando también los entornos naturales y artificiales bajo los cuales operamos.

Bajo diversos formatos, pero con una gran mayoría de video instalaciones, los artistas seleccionados cuestionan y reflexionan sobre el concepto mismo de identidad, sus bordes y permeabilidad, y cómo este ser-en-construcción que somos, moldeados por un determinado entorno y comunidad, afecta y es afectado de diversas formas.

La distribución en varias sedes presenta las obras de forma grupal e individual. Las asociaciones entre ellas son múltiples, pero intentaremos hacer un repaso desde las temáticas abordadas. La transformación del cuerpo por medio del ritual y la danza, como la disolución de lo racional y la condición material propias del cuerpo humano, son desarrolladas tanto en la instalación de Émilie Pitoiset (MANIAC, 2022) como en los videos-performances de la artista Lindsay Katsitsakatste Delaronde (Gemini: TEHNIKHEN – twins, 2021).

De hecho, la obra de ésta última dialoga -desde su reivindicación por el pasado mitológico y ancestral, como su importancia a la hora de vincularnos con la tierra y sus recursos- con la trilogía de videos presentados por Noami Rincón Gallardo (Agüeros. Masquerade for the End of Time); la videoinstalación inmersiva de Marion Lessard (The Roman de Remort, or the inhumane, villainous fabliaux of the Ultimate Carnaval), y aquella de Meky Ottawa (Mos).

Por otro lado, el complejo entramado colonial, la resistencia de las comunidades originarias y la vigencia de su patrimonio cultural ante el legado blanco, capitalista y heteropatricarcal, están presentes desde diferentes perspectivas en las videoinstalaciones de Rémi Belliveau (Dans la peau de l´historie. Becoming Joan Dularge); Tuan Andrew Nguyen (The Specter of Ancestors Becoming, 2019); Jeannette Ehlers (Play Mas, 2022); Bianca Baldi (Sepia, 2019); la instalación de Marianne Nicolson (Tawi´stalisala – To walk Around the World. Reclaiming the Intangible); la videoinstalación de Kristina Norman (Orchidelirium, 2022) y la gran instalación con materiales de archivo y video de siren eun young jung (The Yeoseong Gukgeuk Project: Hijack the Gender!, 2018).

Siguiendo el hilo de esta última obra, que también da cuenta de las luchas feministas y de comunidades travestis y LGBTQ+ en Corea a partir del teatro tradicional de mujeres conocido como Yeoseong Gukgeuk, podemos pasar a la instalación en el museo McCord de Séamus Gallagher (Mother Memory Cellophane, 2022), inspirada en la cultura drag y la estética del videogame.

Su alter ego, Séamus, personifica a Miss Chemistry usando medias de nylon y un floreado vestido de plástico que podemos encontrar como parte de la instalación. Estas prendas son la piel visible del personaje que hace un guiño a las esculturas de Valérie Blass en Fonderie Darling, quien demuestra su interés por el potencial escultórico de la fotografía por medio de cuerpos sin estructura, presentes por medio de vestimentas anatómicas y diversas texturas visuales plasmadas sobre diversos materiales.

De la metamorfosis de la imagen al cuerpo tácito pasamos al cuerpo presente y colectivo en la videoinstalación de Michèle Pearson Clarke (Quantum Choir, 2022), que reflexiona sobre los estereotipos que recaen sobre la comunidad negra y queer desde el humor y los lazos de hermandad que la artista genera con sus colaboradoras.  

Volviendo al juego con la imagen fotográfica y su dispositivo, encontramos la instalación escultórica de Chris Curreri (Self Portrait with Luis Jacob, 2022), que recrea en tres dimensiones una fotografía en blanco y negro de Rodney Werden de 1974, con la diferencia de que los personajes de la instalación son él y su pareja.

Esta ambivalencia de la imagen y el estado intermedio que precede a la definición de las cosas está también presente, con otras connotaciones, en el video Liminal (2019), de la artista Maya Watanabe. El recorrido de la cámara se acerca y aleja de forma cíclica y continua sobre un paisaje natural plagado de ramas, insectos y trozos de telas. El efecto de la lente, que por momentos genera una imagen borroneada e indefinida de este paisaje, funciona como metáfora para hablar de la memoria histórica de Perú, su país, atravesada por la violencia del conflicto armado interno que produjo la desaparición forzada de miles de civiles entre 1980 y los 2000.

Las lentes son también el punto de partida para el trabajo de Carey Young en The Vision Machine (2020). Con el objetivo de cuestionar la narrativa canónica de la conquista óptica del hombre, su obra reflexiona, desde una perspectiva feminista y alternativa, sobre las condiciones de producción de las lentes SIGMA, en cuyas fábricas trabajan mayoritariamente mujeres.

Por último, no podemos descartar el uso de la tecnología y la animación en 3D para la construcción de otras identidades y avatars, como se observa en Logic Paralizes the Heart (2021) de la artista Lynn Hershman Leeson; y el video SocialSim (2020) de Hito Steyerl, ubicado de forma muy acertada en la planta baja de un centro comercial, sede temporal del Musée d´Art Contemporain.

En esta misma estética se encuentra la obra de Mara Eagle y su video PRETTY TALK (2023), que reflexiona sobre el entrelazamiento de seres humanos, animales y plantas con la tecnología. Esta temática es también abordada por Bianca Shonee Arroyo-Kreimes, que plantea en una instalación inmersiva la relación ambivalente entre los humanos y la naturaleza por medio de la recreación de la flora y fauna de Costa Rica, su país natal. Los seres híbridos creados por la artista en tecnología 3D aparecen sólo desde una pantalla móvil, en la cual uno como espectador también puede sumergirse y convivir con el ecosistema de forma virtual.

Una Bienal que incluye activamente a la ciudad

Un aspecto importante de MOMENTA es que su propuesta curatorial contempla a la vez un recorrido por diversos espacios y contextos de la ciudad de Montreal: para ver las obras uno debe atravesar casi todo el centro hasta Mile End. Si bien no hay un recorrido pautado de antemano, el traslado de un sitio a otro habilita generar relaciones entre las temáticas, medios y preguntas esbozadas por los artistas más allá del “orden” curatorial propuesto.

Las sedes oscilan desde espacios tradicionales como el Musée des beaux-arts de Montreal y el Musée McCord, hasta galerías gestionadas por artistas, como muchas de las que se encuentran en el Pôle de Gaspé, pasando por galerías de arte contemporáneo pertenecientes a universidades y espacios de exposición e investigación de trayectoria como VOX, Centre de l´image contemporaine.

Esta colaboración con las sedes tiene también la función de mantener viva la bienal de una edición a otra, dado que cada espacio proporciona recursos materiales y su propio personal para la instalación, mediación y comunicación de las obras. Asimismo, esta relación también se traduce por momentos en residencias de artistas que producen obra nueva para la bienal, como es el caso de Meky Ottawa en el espacio Daphne.

Los programas públicos son parte de Momenta Creative, la plataforma de mediación cultural de la bienal, que en esta edición estuvo bajo la coordinación de Marcela Bórquez. Arte-educadora y oriunda de México, Bórquez trabaja activamente en la ciudad hace varios años y forma parte de la Red de Pedagogías Empáticas, que agrupa a mediadoras de toda América Latina y España.

La propuesta de mediación incluye talleres, muchas veces con los artistas presentes, destinados a público adulto e infantil; charlas, performances, actividades para familias y recorridos especiales en algunas de las sedes. Las actividades se realizan en francés e inglés, con posibilidad de pedirlas también en español, y la exposición cuenta con un catálogo bilingüe francés-inglés con ensayos de Ji-Yoon Han, Anne Anlin Cheng y un portfolio de fotografías de Chris Curreri.