DESERT X. UNA BIENAL SOBRE EL DESIERTO COMO IDEA Y TERRITORIO

La tercera edición de la bienal site-specific Desert X inauguró el pasado 12 de marzo en diversos sitios que se extienden a lo largo de 64 kilómetros por el Valle de Coachella, en California. Como una de las primeras experiencias artísticas de la región desde el cierre de instituciones artísticas y culturales a causa de la pandemia mundial, esta gran exposición al aire libre ha dado prioridad a una experiencia segura -y gratuita- para los visitantes.

Curada por Neville Wakefield -quien es nuevamente director artístico- y César García-Alvarez, la edición 2021 de Desert X presenta proyectos recientemente comisionados que se basan en los temas explorados en iteraciones anteriores, y que a su vez profundizan en las historias, realidades y posibilidades del Valle de Coachella y sus múltiples comunidades.

Los monumentales proyectos, creados por 13 artistas de varios países, imaginan el desierto como un lugar y también como una idea, en un intento por crear diálogos significativos entre las experiencias regionales y globales del desierto. De este modo, amplían el campo semántico del desierto a los derechos y propiedad de la tierra, las fronteras y la migración, la crisis ecológica y la identidad cultural y de raza.

ALGUNOS PROYECTOS

Eduardo Sarabia, artista nacido en Los Angeles que ahora vive y trabaja en Guadalajara, explora los complejos intercambios culturales entre México y Estados Unidos y las múltiples economías, formales e informales, que surgen de los encuentros entre las dos naciones. Utilizando materiales que unen tradición y cultura popular, sus obras narran historias sobre el pasado y el futuro de quienes, como él, asumen dos patrias.

Su obra para Desert X, The Passenger, es un laberinto en forma de punta de flecha inspirado en el tropos del viaje, que durante generaciones ha estado estrechamente ligado a las historias del desierto. Desde los relatos bíblicos del Éxodo hasta las caminatas de los inmigrantes en busca de un futuro mejor, la necesidad de viajar de un lugar a otro se ha convertido en una experiencia compartida entre diversas culturas.

Elaborado con muros de petates -alfombras tradicionales mexicanas tejidas con fibras de palma-, The Passenger habla de los desafíos y las aspiraciones que motivan los viajes y rinde homenaje a las personas que se han embarcado en ellos. Al darle forma a la experiencia del desplazamiento, esta pieza reconoce a las muchas personas que han pasado por el Valle de Coachella, a la vez que ofrece a los visitantes la oportunidad de realizar su propio viaje introspectivo mientras recorren el laberinto.

La práctica de Felipe Baeza es, simultáneamente, una confrontación a pasados violentos y un homenaje a aquellos cuyo sentido de identidad es litigado y definido por quienes detentan el poder. Sus fugitive bodies (cuerpos fugitivos) aparecen en diferentes estados de transformación y a veces incluso se abstraen hasta el punto de ser invisibles. Estos cuerpos dan testimonio de las vidas de individuos racializados, queer, migrantes y discapacitados, cuya existencia transgrede las limitaciones de la identidad.

Su mural Finding Home in My Own Flesh reconoce al Valle de Coachella tanto como una región fronteriza como un espacio queer, y rinde homenaje a los inmigrantes y a las personas de color queer que han sido parte esencial de la historia de la región. Aunque estas comunidades han habitado el área durante mucho tiempo, a menudo se les omite en sus historias más conocidas.

Finding Home in My Own Flesh retrata dos manos que envuelven una nube de enredaderas y flores para comentar sobre el borramiento de los pueblos marginados tanto de las narrativas oficiales como de nuestros imaginarios colectivos. La obra reconoce a aquellos que casi nunca son vistos, e incluso borrados intencionadamente. Finding Home in My Own Flesh funciona como un memorial a los cuerpos inconformes y sus movimientos a través de aquellos espacios, tanto pasados como presentes, que los nutren y edifican.

“No es que los Pueblos Indígenas o las Primeras Naciones o los descendientes negros de la trata de esclavos en Estados Unidos nunca hayan tenido imaginación para los monumentos”, dice Xaviera Simmons. “Es que la América blanca, particularmente representada y apoyada por los gobiernos locales, estatales y federales, constantemente ha intentado, y a menudo logrado, aterrorizar el impulso de una autodefinición monumental de esos grupos, grupos de los que mis antepasados forman parte”.

Para Desert X, Simmons creó una obra que ocupa una serie de vallas publicitarias en Gene Autry Trail, cuyos ingredientes clave son la reverencia, la resistencia y la redistribución de recursos materiales tangibles. Because You Know Ultimately We Will Band a Militia vincula la creación de los mitos estadounidenses a través del consumo visual, producción y acuerpamiento a través de estructuras de resistencia y narrativas discursivas que siempre han sido dibujadas como respuestas radicales, con la producción continua de estas narrativas creadoras de mitos.

La obra de Oscar Murillo abarca pintura, dibujo, escultura, instalación, performance y video. Su práctica se basa en el análisis de la sociedad interconectada de la globalización y las formas en que la circulación de ideas, cuerpos, materiales y capital modifican la vida de las personas en todas las culturas.

Frequencies es un proyecto colaborativo de largo plazo que el artista de origen colombiano ha venido realizando con estudiantes y escuelas de todo el mundo. Los pupitres de las aulas participantes se cubren con un lienzo en blanco que anima a los estudiantes a intervenirlo como ellos deseen. Con el tiempo, los lienzos se convierten en un registro de un momento en la vida de un estudiante. Al cabo de unos meses, los lienzos se recopilan y se digitalizan para crear un archivo en línea que configura un retrato complejo de los jóvenes de diversas partes del mundo.

Para esta iteración, Murillo adapta Frequencies para los estudiantes que, bajo el confinamiento, aprenden desde casa. Cientos de alumnos de las escuelas del Valle de Coachella recibieron un lienzo y materiales para participar. Los lienzos resultantes hablan de una experiencia educativa radicalmente diferente y de los sueños y visiones de los jóvenes para un mundo más allá de la pandemia.

Ghada Amer sostiene que la historia del arte, en la teoría y la práctica, ha sido escrita por hombres. A las mujeres se les enseña a asumir comportamientos y rasgos diseñados por otros, y la historia del arte, en particular de la pintura, está constituida en gran parte por expresiones de masculinidad. Amer busca subvertir estos márgenes.

En 1997 creó su primer jardín, llevando su obra desde el espacio íntimo, asociado a la feminidad, hacia el exterior. Al igual que en sus pinturas, que integran costura y bordado, sus jardines combinan esculturas monolíticas con actos de siembra y crianza. Para Desert X, la artista continúa desarrollando su serie Women’s Qualities, en la cual pide a personas de la comunidad del Valle de Coachella que compartan palabras que describan las cualidades con las que se identifican, y aquellas que les han sido atribuidas. El resultado es una serie de palabras dispuestas en el gran jardín circular de Sunnylands, transformándolo en un espacio de encuentro donde la comunidad y la artista, estéticas e ideologías, naturaleza y cultura se unen para la reflexión y la contemplación.

Las pinturas de Vivian Suter son extensiones de los entornos en los cuales se crean. Trabajando con lienzos crudos, utiliza pintura y materiales orgánicos de los alrededores de su estudio en Panajachel, Guatemala, para crear composiciones abstractas que registran el lugar, el tiempo y las emociones. Inspirada en el paisaje, pero sin pretender representarlo, la obra de Suter abarca múltiples historias de la pintura.

Tamanrasset es una instalación de pinturas abstractas a gran escala y luz, inspirada en el paisaje del Valle de Coachella. Debido a las restricciones de viaje, Vivian Suter no pudo realizar una visita al desierto pero, en su lugar, exploró las formas en las que esta región existe en imágenes. Utilizando el color para generar estados de ánimo, figuras que evocan formaciones naturales y lugares emblemáticos, y exponiendo los lienzos a los elementos naturales para generar texturas, sus pinturas hablan de las dimensiones corporales y emocionales del paisaje desértico —la manera en que los desiertos provocan asociaciones personales y desencadenan recuerdos no siempre resueltos.

Situada en el interior de un edificio modernista, la instalación de Suter nos recuerda que el desierto no es sólo un lugar, sino también una condición que da forma a la vida de muchos pueblos alrededor del mundo.

–Traducción por Francis Lagos, pasante de Traducción de la Universidad Católica de Valparaíso, Chile.

Las obras de arte público de Desert X se podrán ver en el Valle de Coachella (California, EEUU) hasta el 16 de mayo de 2021. Con obras site-specific de Zahrah Alghamdi, Ghada Amer, Felipe Baeza, Serge Attukwei Clottey, Nicholas Galanin, Alicja Kwade, Oscar Murillo, Christopher Myers, Eduardo Sarabia, Xaviera Simmons, Kim Stringfellow y Vivian Suter.

Más información en https://desertx.org/