Skip to content

UNA SELECCIÓN DE OBRAS DEL FESTIVAL SANTIAGO A MIL 2021

La edición 2021 del Festival Internacional Santiago a Mil es especial. Adaptándose a las medidas sanitarias mundiales, que en el ámbito de la cultura han tenido un impacto mayor en las artes escénicas, se presenta entre el 4 y el 29 de enero en una modalidad híbrida de encuentro, con obras presenciales y en vivo, tanto en salas como en el espacio público, junto a otras en formato virtual.

“En tiempos de incertidumbre, las artes escénicas resisten. Han sido el motor para mantenernos conectados: se adaptan, reinventan y expanden sus límites. Los escenarios también mutaron: salieron de la sala para llegar a los espacios más íntimos, pero con la necesidad de volver siempre”, dice la presentación del festival, que este año reúne 150 producciones internacionales.

Porque la distancia física no es lo mismo que la distancia social, Santiago a Mil se plantea como un festival multiformatos y multiescenarios, donde convergen lo digital y lo presencial, la calle, una sala de teatro, un medio de comunicación o nuestras propias casas. De la extensa programación, que incluye obras en diversos formatos y disciplinas –teatro, danza, música, ópera, arte sonoro, cine, y radioteatro, entre otros- hemos hecho una selección enfocada en performance, intervenciones urbanas y experiencias inmersivas e interactivas de países como Argentina, Chile, Uruguay y Cuba.

Marina Abramović, The Onion, 1996, 20 min. Cortesía: Santiago a Mil

RETROSPECTIVA DE MARINA ABRAMOVIĆ

Desde el comienzo de su carrera en Belgrado a principios de la década del 70, Marina Abramović ha superado los límites del cuerpo y de la mente. En sus performances es capaz de alcanzar dolor, incomodidad y vulnerabilidad al extremo porque llegar a esos límites de tolerancia es una manera de descubrir y poner a prueba la fuerza del cuerpo, que en definitiva reside en el poder de la mente.

Abramović ha explorado la compleja relación entre artista y público, sea como espectadores o copartícipes de sus trabajos, desafiando también sus percepciones de lo establecido, sus fronteras sensoriales y emocionales.

La retrospectiva reúne los trabajos Art must be beautiful, artist must be beautiful (1975), Golden Mask (2010), Nude with Skeleton (2005), The lovers. The Great Wall Walk (1988), y The Onion (1996).

UN RÍO DE SANGRE | Iván Navarro | Chile
UN RÍO DE SANGRE | Iván Navarro | Chile
Iván Navarro y Delight Lab. Cortesía: Fundación Teatro a Mil, Santiago de Chile, 2021

UN RÍO DE SANGRE | Iván Navarro | Chile

Un río de sangre es una instalación en la ribera del río Mapocho, compuesta por una torre de fierro que, conectada a la vereda superior del río mediante un puente, crea un espacio de meditación y observación en medio del paisaje urbano. Los visitantes pueden subir a ella de a uno a la vez, y se les entrega un cuadernillo con el mapa de Santiago, donde las calles están rebautizadas con nombres de partes del cuerpo humano.

El mapa de Santiago, con los nombres de las partes del cuerpo humano, representa una ciudad devastada por catástrofes que constantemente la transforman en un campo de guerra: terremotos, inundaciones, explosiones y, actualmente, una pandemia.

Este trabajo es un doble gesto: por un lado, recordar a los muertos tirados al río antes y durante la dictadura cívico-militar, ya que la relación del río como testigo de la violencia estatal sigue vigente (hace unas semanas, un policía fue acusado por empujar al río Mapocho a un adolescente de 16 años en medio de una protesta) y, por otra parte, traer a la memoria a todos los chilenos y chilenas víctimas de la pandemia.

RESISTENCIA O LA REIVINDICACIÓN DE UN DERECHO COLECTIVO | Colectivo LASTESIS | Chile

Esta puesta en escena en el espacio público del colectivo artístico, interdisciplinario y feminista de Valparaíso, compuesto por Daffne Valdés Vargas, Paula Cometa Stange, Lea Cáceres Díaz y Sibila Sotomayor Van Rysseghem, fue creada durante una residencia en Valparaíso, a través de estrategias escénicas interdisciplinarias. Contempla la participación de alrededor de 80 mujeres y disidencias de distintas edades y formaciones en un proceso de laboratorio creativo.

La obra busca traducir algunas ideas de Judith Butler, Paul B. Preciado y María Lugones, a través de un dispositivo escénico sustentado en los cuerpos y experiencias de las y los participantes. En el antagonismo entre represión y placer, muerte y fiesta, denuncia y resistencia, este performance busca abordar la reivindicación del derecho a una vida libre de violencia en un contexto de colonización y extractivismo activo.

ESPÍRITU DEL AGUA | Delight Lab | Chile. Foto cortesía de Delight Lab

ESPÍRITU DEL AGUA | Delight Lab | Chile

La historia del agua y su significado para la sabiduría ancestral, contada por grandes copas contenedoras, es lo que presenta Delight Lab para Santiago a Mil. Espíritu del agua interviene con mapping y relatos una serie de copas de agua para hablar, desde los mismos contenedores, sobre lo que hay o hubo en su interior, pero desde una mirada de la sabiduría ancestral. Son cuatro miradas: norte, centro, sur y Patagonia, en forma de cuentos, donde las torres toman vida y narran un cuento relativo a la cosmovisión del vital elemento.

Acá puedes descargar el guion de Espíritu del agua.

CALL CUTTA | Rimini Protokoll | Alemania

¿Alguna vez has pensado cómo es, dónde vive y cómo ve la vida ese trabajador o trabajadora de un call center que día a día te llama para ofrecer algún servicio? ¿Quiénes son los hombres y mujeres que están tras las líneas de call centers que nos llaman día a día? ¿Cómo son los rostros de estos operadores, invisibles a nuestros ojos? ¿Cómo ha cambiado su trabajo desde que el mundo entró en estado de pandemia? ¿Cuántos de ellos habrán convertido sus casas en un centro de llamadas? ¿Y cuándo serán reemplazados por la inteligencia artificial?

En esta versión 2020 de Call Cuta, la compañía suizo-alemana Rimini Protokoll invita a hacer todas estas preguntas en lo que han llamado una “videoconferencia intercontinental sobre subcontratación y telemarketing”.

Hasta 20 participantes pueden conectarse a Zoom y ser parte de una conversación con un empleado de un centro de llamadas en la India, quien mostrará su casa, hablará de su vida entre teléfonos y conexiones con todo el mundo, mostrará videos y hará preguntas a la audiencia (con traducción simultánea en el chat). Poco a poco, la interacción comienza a volverse más íntima, y quienes lo acompañan empiezan a involucrarse en la vida de quien tienen al otro lado de la pantalla. Puede que conozcan su habitación, su cocina y hasta su baño. Puede, incluso, que canten karaoke.

NO SOY UNICORNIO | Martica Minipunto | Cuba. Foto: Joanna Montero. Cortesía: Santiago a Mil

NO SOY UNICORNIO | Martica Minipunto | Cuba

No soy unicornio es un trabajo experimental, que toma la figura de este animal mítico como pretexto para una “conferencia performativa” que explora las relaciones entre la biografía, el poder y la libertad. A partir de la documentación de la gramática de las multitudes en La Habana, intervenciones públicas, poemas y una colección excéntrica de objetos, se ensaya la explotación de este animal. La mirada se concentra en el mito del cuerno incrustado o amputado, en lo incensurable de hablar a través de una especie extinta o inventada, en la persecución del toro rojo (que adquiere la forma de todos los poderes dominantes y de todos los miedos).

Como pieza de video-ensayo muestra la fatiga y la fragilidad de un proceso: ese gran agujero en la frente del pensamiento binario, de la censura, el miedo, la colonización, la violación, la persecución. Es un canto de resistencia ficcional y poético en el que se experimenta con diferentes modos de narrar.

Para la artista, en Cuba existe una censura estructural, la cual solo se puede burlar desde lo micropolítico. “Para mi generación, la relación con la censura es un poco distinta porque también hay espacios independientes y alternativos, con diálogos muy horizontales”, sostuvo para la revista 14 y medio.

ESCULPIR EL SILENCIO | Tamara Cubas | Uruguay

¿Qué sucede con el individuo, y más precisamente, la mujer, a lo largo de una travesía impulsada por una fuerte necesidad de dejar un origen conflictivo para arribar a un destino deseado, anhelado, fantaseado, imaginado, como un lugar de salvación?

Las condiciones de estas travesías suelen ser terribles y las historias de sus fracasos, nefastas y bien conocidas. ¿Qué motiva a una mujer sola, a menudo con las espaldas cargadas de crías pequeñas, a someterse al naufragio anunciado? ¿Qué la hace creer que ella no naufragará, que su historia será diferente? ¿Qué está dispuesta a perder, a cambiar, a negociar, a morir, para asegurarse de cumplir esta travesía? Si la mujer que emprende esta travesía se hiciera todas esas preguntas y contemplara sus respuestas, posiblemente no se moviera. Pero hay un deseo que pulsa, empodera, enloquece y empuja al cuerpo para que accione y no razone. El raciocinio es el enemigo de la travesía. El cuerpo silente es el absoluto protagonista, hasta que se encuentra en estado de agotamiento absoluto. Si llega a rozar el umbral de la muerte, se activa la razón, en su estado más vital, más esencial, más puro y necesario.

Al borde de la locura, la razón nunca fue tan lúcida.

AUDICIÓN 8 | Angelo Solari | Chile. Cortesía: Santiago a Mil

AUDICIÓN 8 | Angelo Solari | Chile

Audición es un performance interactivo, privado e individual. En la soledad del teatro, y sentado frente a un computador que contiene una interfaz de usuario especialmente creada para la obra, el participante puede escoger y operar diversos elementos de la puesta en escena: iluminación, sonido, música e imágenes.

LES REVENANTS | Luciana Acuña y Alejo Moguillansky | Argentina

Les revenants es una obra-instalación que consta de seis solos de danza diferentes entre sí, grabados en edificios históricos vaciados y fantasmales de la ciudad de Santiago, que se proyectarán en diferentes lugares de la ciudad: carteles de publicidad, paredones, pantallas. Es una propuesta que usa la expresión francesa les revenants para hablar de “los que regresan” de la muerte.

“Si un cuerpo destinado al movimiento se pone en pausa por un tiempo ilimitado, ¿no es lo más parecido a la muerte?”, se pregunta esta obra que parece bailada por zombies, por personas que murieron y ahora están allí, acaparando la ciudad con su danza endemoniada en una intervención única.

CIUDAD INVISIBLE | Lado B | Uruguay. Cortesía: Santiago a Mil

CIUDAD INVISIBLE | Lado B | Uruguay

Ciudad invisible es una experiencia para cuatro espectadores por función; una obra de recorrido que busca conectar la memoria colectiva y personal con nuestras vivencias en la ciudad, su pasado, su presente y su movimiento. Una inmersión íntima en el espacio público.

A través del teléfono celular, los participantes mantienen una conversación con una persona que no conocen y vive en otra ciudad. Durante el encuentro caminan por las calles, una plaza, un supermercado, con la idea de generar durante una hora y media la sensación de estar saliendo de los espacios seguros, dilatar el tiempo y expandir la experiencia-ciudad.

Es una obra cuyo “texto” se va construyendo a medida que la experiencia se va desarrollando; la pieza gira en torno a conversaciones con los espectadores. Por lo tanto, cada parte del trabajo influye en la siguiente parte, asegurando el carácter espontáneo de la pieza.

FORMAS DE CAMINAR CON UN LIBRO EN LA MANO | Lola Arias | Argentina

Antes de los celulares, la gente solía llevar libros bajo el brazo. Eran útiles en la sala de espera, en el bus o en el Metro, o para usar en “tiempos muertos”. Hoy, todo espacio de espera es productivo: hay que contestar mails, postear fotos, enviar mensajes de audio, comentar noticias en redes sociales. Todo es trabajo, incluso cuando se supone que no hay que trabajar.

En este performance, Lola Arias propone una experiencia de lectura en el espacio público. Para eso, entrega un ejemplar con instrucciones entre sus páginas con la idea de sacar a pasear estos libros, leerlos de pie, acostados, juntos y solos. Leer caminando, escuchando música, leer una novela ajena por encima del hombro, escuchar cómo alguien lee susurrando o hacer acrobacias para poder ver el título del libro de algún otro participante. Leer como si estuviéramos enamorados. Leer para recordar que aún somos libres.

GUILTY LANDSCAPES | Studio Dries Verhoeven | Países Bajos. Foto: Kevin McElvaney. Cortesía: Santiago a Mil

GUILTY LANDSCAPES | Studio Dries Verhoeven | Países Bajos

Las noticias están siempre disponibles en nuestros teléfonos y pantallas, transformándonos en testigos perpetuos de dramas humanos alrededor del mundo, haciéndonos sentir culpables de nuestros privilegios frente a la pobreza e injusticia reinante. Pero la cámara no es neutral; intencional o involuntariamente, aquellos que son filmados son encuadrados como víctimas. Somos de un modo u otro manipulados para hacernos sentir vergüenza.

Esta instalación de video a gran escala del holandés Dries Verhoeven plantea la pregunta de si es posible una conexión personal entre el espectador y los protagonistas de estas crudas realidades. ¿Y si los protagonistas de estas noticias nos miraran directo a los ojos? ¿Qué haríamos?

“No me interesa la representación teatralizada de la vida real. A veces, esta representación con todo su aparato escénico no permite una verdadera comunicación entre el actor y el espectador. Mi búsqueda radica en la creación de instalaciones y/o espacios donde este pueda sentir que su presencia física es necesaria y condición sine qua non para el desarrollo de la pieza”, afirma.

RETAZOS: CARTOGRAFÍA SENSIBLE DEL SUR | Colectivo Nominados | Chile. Foto: Mauricio Baigorrotegui. Cortesía: Santiago a Mil

RETAZOS: CARTOGRAFÍA SENSIBLE DEL SUR | Colectivo Nominados | Chile

Retazos: Cartografía sensible del sur es una obra que invita a la reflexión en torno al habitar de los espacios públicos, mediante la instalación de una estufa a leña encendida durante tres días en un mismo lugar. En torno a ella se cocinará y ocurrirán acciones simbólicas que aluden a la memoria del territorio. Esta estufa estará acompañada, además, por fragmentos de una escalera antigua, un flojo (banca sureña al lado de la estufa) y marionetas híbridas que serán utilizadas durante el performance.

En tiempos de producción masiva, de malls, de salmoneras y turismo donde se ha perdido la escala humana, esta obra es una invitación a conectarse con la esencia del territorio sur austral.

TECHO | Laboratorio de Creación Teatral | Dirección y dramaturgia: Stefany Duarte | Chile

Techo es una instalación-obra que se ve a larga distancia. La obra ocurre sobre el techo de la Maestranza Barón, en Valparaíso, actualmente abandonada. Ahí vivirán personas que decidieron dejar las murallas de sus casas para habitar sobre la intemperie de este nuevo suelo. Esta propuesta escénica busca crear un diálogo entre la audiencia situada en el mirador del Cerro Barón y los performers. Tiene carácter interdisciplinar y se desarrolla en tiempo real durante un día completo.

Para más información, visita la web de Santiago a Mil

También te puede interesar

GALERÍA DIE ECKE LANZA PROYECTO MUROESCRITO

Para dar inicio a su nuevo proyecto "muroescrito", Die Ecke ha invitado al diseñador y poeta Michael Prado (Lima, 1988), quien en el 2012 fundó La Crema, plataforma editorial con la que explora la...