31: WOMEN

›31: Women‹, la nueva exposición de la Daimler Art Collection en Berlín, hace referencia a dos presentaciones innovadoras celebradas en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim en Nueva York: Exhibition by 31 Women, 1943, y The Women, 1945. El iniciador y co-curador fue el amigo y consejero de Guggenheim, el artista Marcel Duchamp. Estas fueron las primeras exposiciones en Estados Unidos que, hasta el momento, se centraban exclusivamente en artistas mujeres. The Women representaba una generación joven de once países diferentes. En cuanto al contenido, representantes del surrealismo se exhibían junto a pintores abstractos, artistas influenciados por el dadaísmo y nuevas tendencias previamente desconocidas.

Tomando como referencia estos importantes documentos fundacionales de la historia del arte feminista, la exposición ›31: Women‹, que reúne unas 60 obras de la Daimler Art Collection, destaca dos énfasis constantes en la colección: su concentración en las principales figuras femeninas del arte del siglo XX y XXI, y las investigaciones y proyectos llevados a cabo desde el 2016 sobre Duchamp, la práctica curatorial y el ready-made.

›31: Women‹ comienza, en términos históricos, con obras de la Bauhaus y tradiciones del arte concreto, continúa con los movimientos europeos y americanos, como ZERO y el minimalismo, y luego amplía el horizonte con artistas más jóvenes de la India, Sudáfrica, Nigeria, Chile, Israel, Estados Unidos y otros países. La exposición une las primeras tendencias feministas y las perspectivas globales del arte contemporáneo en constelaciones de artistas y obras.

En la sección introductoria, Minimalism and After: Political, Poetic, and Personal Reassessments, se presentan conjuntos de obras que tratan de diversas maneras con las problemáticas presentes en el arte de la década de 1960. El minimalismo, con su lenguaje formal perfecto, se somete a una revisión crítica en las obras de Marcia Hafif (Estados Unidos), Kazuko Miyamoto (Japón), Efrat Shvily (Israel), Natalia Stachon (Polonia) y Katja Strunz (Alemania).

Un segundo enfoque está dedicado a Geometries, Proportions, Harmonies: Between Abstraction and Contemporary Living Space, que reúne a las artistas Anni Albers (Alemania), Ilit Azoulay (Israel), Anne Beothy Steiner (Austria-Hungría), Mary Corse (Estados Unidos), Andrea Fraser (Estados Unidos), Silke Radenhausen (Alemania), Amalia Valdés (Chile) y Andrea Zittel (Estados Unidos). Relacionadas con los conceptos abstractos de la geometría, la proporción, el espacio y la armonía, no son menos importantes las proposiciones sustantivas y sociopolíticas, desde las utopías de la modernidad temprana hasta los actuales asuntos feministas y de crítica institucional.

La siguiente sección de la exposición es Hidden, Uncanny, Intuitive, Unconscious, el cual contiene un conjunto de obras de Amit Berlowitz (Estados Unidos), Madeleine Boschan (Alemania), Dadamaino (Italia) y Dominique Gonzalez-Foerster (Francia). El concepto de Sigmund Freud de lo “siniestro (uncanny)”, que desarrolló en un artículo en 1919, podría ser visto como un hilo conector. Freud utiliza el término “siniestro” para denominar cosas o situaciones que son familiares y conocidas, pero al mismo tiempo provocan una sensación de ansiedad.

Seis artistas son presentados bajo el título de Hybrids, Transculturality, and New Concepts: Sonia Khurana (India), Zanele Muholi (Sudáfrica), Annu Palakunnathu Matthew (Reino Unido), Berni Searle (Sudáfrica), Lerato Shadi (Sudáfrica) y Adejoke Tugbiyele (Nigeria/Estados Unidos). Sus trabajos abordan el poscolonialismo, el feminismo y una perspectiva contemporánea sobre políticas de identidad y construcción de género, conformando temáticas fundamentales de esta sección.

La visita a la exposición concluye con una constelación de ocho artistas mujeres agrupadas en torno al tema Bodies, Cycles, Identities: Ulrike Flaig (Alemania), Beate Günther (Alemania), Isabell Heimerdinger (Alemania) y Tamara K. E. (Georgia), Charlotte Moorman (Estados Unidos), Nnenna Okore (Australia), Berni Searle (Sudáfrica) y Adejoke Tugbiyele (Nigeria/Estados Unidos). El espectro más amplio posible de temas, tanto controversiales como complementarios, se presenta en esta sección: arquetipos femeninos, ritmos y ciclos cósmicos de la vida individual, danza y agresión, guerra y heridas, cambio de identidad y juegos de rol.

ALGUNAS OBRAS EN EXHIBICIÓN

La obra de Anni Albers sirve de inspiración para la práctica intelectual y artística, no solo para los jóvenes estudiantes de su tiempo, sino también para el arte contemporáneo. Esto se manifiesta en la obra de la artista chilena Amalia Valdés, quien vive en Berlín. Sus pinturas hacen referencias a forma abstractas de las tradiciones de la geometría decorativa y sagrada y las combina con estructuras y patrones de la naturaleza. Valdés utiliza el corcho como un portador de imagen, una materia prima que refleja el arraigo a sus orígenes y cultura y establece una profunda conexión con su entorno real. Las obras Organic Interaction I y Organic Interaction III recuerdan a los colgantes de pared de Albers y a los patrones de las artesanías latinoamericanas. Los tonos pasteles elegidos y la base material visible del corcho transmiten háptica y calor a las imágenes.

Silke Radenhausen denomina a sus objetos ‘telas topológicas’ (‘topologic cloths’); estos no se pueden clasificar claramente como esculturas o pinturas. Generalmente, la base de la pintura tradicional es una tela estirada. Sin embargo, las obras de Radenhausen surgen totalmente de las propiedades de la propia tela y de las técnicas de cortar y coser.

Zanele Muholi combina el activismo político y la producción de imágenes fotográficas en su práctica artística. Sus autorretratos icónicos y fotografías de personas de la comunidad LGBTQI+ de Sudáfrica son únicos por su fuerza e inmediatez. Muholi persigue su visión de eliminar las injusticias sociales que enfrentan las personas de la comunidad LGBTQ desde una perspectiva subjetiva al entablar relaciones con las personas retratadas. Los autorretratos de Muholi combinan una variedad de presentaciones de género que incluyen la androginia, la interacción de ropa masculina y femenina con una expresión de inmediatez y propósito que despliega su propia peculiaridad e intensidad en el contexto de la fotografía contemporánea.

La fotografía In wake of from (2014) muestra un perfil de un retrato de cuerpo entero de la artista sudafricana Berni Searle. El autorretrato se tomó en respuesta a la masacre de Marikana en 2012, cuando la policía sudafricana disparó a quemarropa a mineros en huelga. El cuerpo inmóvil de la artista está cubierto de polvo de carbón y su mano sostiene monedas doradas de Krugerrand, un símbolo de riqueza creado por los dueños de las minas a través de la explotación de la naturaleza y el hombre. En cuanto a la estética formal, las brillantes monedas de oro forman un fuerte contraste con el cuerpo oscuro de Searle y, en cuanto al contenido, con la realidad de las vidas de los trabajadores migrantes que sufren por un sistema de segregación racial, económico, de género y de clase. La figura recostada y cubierta de polvo representa la unidad de los trabajadores asesinados y se convierte en un símbolo de las distintas realidades sociales de Sudáfrica.

Traducido por Constanza Figueroa.

31: WOMEN. EXPOSICIÓN AL ESTILO DE MARCEL DUCHAMP, 1943. OBRAS DE LA DAIMLER ART COLLECTION 1930–2020

Curadora: Renate Wiehager

Daimler Contemporary Berlin, Haus Huth, Alte Potsdamer Straße 5, Berlín

Del 29 de febrero de 2020 al 7 de febrero de 2021