LA POLI/GRÁFICA, BAJO PRESIÓN

La Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe (PGPR), el evento de artes visuales más antiguo y emblemático de la isla, celebra del 19 de abril al 15 de septiembre su edición 2024 bajo el título Bajo presión / Under Pressure. Con raíces en la Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe, iniciada en 1970, la Poli/Gráfica ha evolucionado hacia una plataforma inclusiva que abarca expresiones artísticas más allá del archipiélago y adopta una concepción más amplia y flexible de los lenguajes gráficos contemporáneos.

El título de esta edición, que se lleva a cabo en las históricas sedes del Antiguo Arsenal de la Marina Española y del ente organizador, el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), ambos en el Viejo San Juan, se inspira en el icónico hit de la banda británica Queen. Esta canción funciona no solo como metáfora de la «presión» física del arte gráfico —la impresión de una imagen sobre una matriz— sino también de las múltiples presiones que enfrentan las sociedades contemporáneas y los desafíos que los artistas navegan en contextos de crisis.  

Es una ironía, sin embargo, que el propio título de esta edición refleje cómo ha estado «bajo presión» debido a la controversia en torno a la censura de una obra previamente invitada a participar. La pieza en cuestión es Retratos de una deuda del artista puertorriqueño Garvin Sierra, que aborda la deuda de $74 mil millones que afecta a Puerto Rico bajo la Ley Promesa, un experimento colonial de Estados Unidos para subordinar aún más a la isla a través de la reestructuración de su deuda. La instalación, realizada con recibos de tiendas para hacer una crítica política directa hacia la Junta de Supervisión Fiscal, fue retirada de la exposición a última hora, generando un debate intenso en el medio artístico de la isla sobre la libertad de expresión y la censura.

La edición 2024 de la Poli/Gráfica contó con dos curadores designados: Lisa Ladner, Cónsul Honoraria de Suiza en Puerto Rico, y el cubano Elvis Fuentes, director del Museo Coral Gables en Miami. Ladner fue responsable de la selección de los artistas puertorriqueños, mientras que Fuentes lideró la investigación y selección de los artistas internacionales. Sin embargo, apenas una semana antes de la apertura en abril, Ladner fue suspendida de sus funciones en medio de la creciente controversia y presiones externas.

Ladner justificó la exclusión de la obra de Sierra alegando que debía evitar ofender a los patrocinadores del evento, incluidos funcionarios gubernamentales y la Junta de Supervisión Fiscal. Como cónsul de Suiza, también argumentó que no podía permitir críticas al gobierno de Estados Unidos. Aunque Ladner insiste en que no hubo intención de censura, esta decisión ha generado descontento y refleja las tensiones y presiones descritas en el título de esta edición.

El Instituto de Cultura Puertorriqueña, encargado de la contratación y posterior despido de Ladner, emitió una disculpa pública, pero esta no logró mitigar el descontento. La exclusión de Sierra fue percibida como un acto de censura que contraviene la libertad artística, llevando a 30 de los 100 artistas inicialmente invitados a retirar sus obras en señal de protesta. Entre los artistas que tomaron esta decisión se encuentran Antonio Martorell, Charles Juhaz-Alvarado, Yolanda Velázquez-Vélez y Marta Pérez García.

La situación ha tenido un impacto profundo en la Poli/Gráfica, que históricamente se ha posicionado como uno de los eventos más importantes del arte en Puerto Rico. El acto de censura provocó que varios centros culturales y museos, como la Casa de los Contrafuertes, retiraran su participación en señal de protesta. Garvin Sierra, por su parte, decidió presentar la obra censurada en el espacio cultural Pública en Santurce, bajo el título Ante la censura, saluda: Retratos de una deuda 2023-2024. El boicot colectivo es una reafirmación de la solidaridad entre los artistas en la defensa de la libertad de expresión.

La decisión de Ladner de retirar la obra pone de relieve la tensión entre el ejercicio curatorial y la libertad de expresión artística. Este giro abrupto suscita preguntas sobre cómo los responsables de encargos institucionales equilibran el desafío de mantener el cargo frente a defender lo que se encomienda en el cargo. ¿Cómo interpretar esta decisión, dado que la curadora ya estaba familiarizada con la obra? ¿Faltó comunicación entre la curadora y el artista? ¿O hubo presiones externas, quizás a un cambio en el contexto político y social que agudizó las sensibilidades en torno a la obra?

Las polémicas como la que ha envuelto a la Poli/Gráfica tienden a desviar la atención de las propuestas artísticas. Cuando la controversia acapara el protagonismo mediático, los artistas y sus obras, así como la intención y propósito mismo del evento, suelen quedar en un segundo plano. Sin los artistas, que en nuestra región enfrentan escasas oportunidades de exposición, no habría evento. Es momento de centrar la atención en las obras que están presentes en esta edición.

Bajo Presión / Under Pressure explora las funciones de las artes gráficas en los debates estéticos contemporáneos, desde el artivismo y el uso de las plataformas de socialización hipermediática hasta el impacto del cambio climático, las crisis migratorias producidas por la pobreza y la violencia sociopolítica, y la inteligencia artificial, que abre nuevos caminos para el arte al tiempo que amenaza el sector laboral creativo”. La participación de artistas de 23 países de las Américas ilustra las tensiones existenciales, económicas y sociopolíticas que marcan a los habitantes del continente.

Además de sus dos sedes principales, la Galería La Sede y el Antiguo Arsenal de la Marina Española en el Viejo San Juan, la Poli/Gráfica se expande a decenas de exhibiciones satelitales en instituciones culturales, proyectos de arte comunitario y galerías, tanto independientes como establecidas, a lo largo de toda la isla. También incluye un programa de actividades educativas, talleres y diálogos comunitarios, coordinados por Ismari Caraballo, que conectan al evento con un amplio público y promueven la interacción entre artistas, curadores y espectadores.

La exhibición se articula en torno a cuatro ejes temáticos: Expresión: Agit-Pop (El pueblo en las calles), que explora cómo los artistas utilizan las nuevas tecnologías y las redes sociales para incitar a la protesta y reflexión social; Compresión: La Indisciplina como Liberación (Desastres Naturales y Fabricados), que aborda la manera en que la humanidad enfrenta las catástrofes, tanto naturales como provocadas por el hombre; Impresión: Cuerpos del Soporte (¿Está optimizado su cuerpo?), una reflexión sobre el cuerpo humano como soporte de las dinámicas contemporáneas de control y optimización; y Represión: Transparencia y Opacidad (La violencia organizada), que pone en evidencia las estructuras de poder y la violencia sistemática.

Aunque la Poli/Gráfica ya no sigue el formato de bienal o trienal, preserva las tradiciones que la precedieron. Manteniendo su enfoque geográfico en Puerto Rico, el Caribe y América Latina, esta edición ha ampliado su alcance para incluir a las diásporas de la región. De manera significativa, también sustituye ‘San Juan’ por ‘Puerto Rico’ en su nombre, un gesto simbólico que refleja la intención de descentralizar la capital puertorriqueña y expandir las actividades artísticas a lo largo del archipiélago.

Para explorar en detalle esta evolución del evento, la curaduría ofrece un recorrido por su rica trayectoria histórica a través de una colección de catálogos y publicaciones de las trece bienales y cuatro trienales previas, una selección de carteles históricos de las 17 ediciones, y una serie de obras seleccionadas de la Colección Nacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña, que ofrece una visión panorámica de la gráfica en Puerto Rico a lo largo de las décadas.

María Verónica San Martín, de la serie Memory and Landscape, 2015. Cortesía de la artista

Expresión: Agit-Pop (El pueblo en las calles)

El eje curatorial Expresión: Agit-pop. El pueblo en las calles presenta obras que exploran la protesta y las movilizaciones sociales en contextos de censura y represión. Esta sección, que investiga cómo el arte se transforma en una herramienta de resistencia frente a las restricciones políticas, incluye las obras de los artistas chilenos participantes en la Poli/Gráfica.

El colectivo Serigrafía Cooperativa (Rosa Apablaza, Marcelo Baquedano, Carlos Guerrero, Constanza Núñez, Paloma Pérez) expone un overol confeccionado a partir de retazos de telas descartadas, destacando el valor de la reutilización y la creatividad en tiempos de precariedad. La prenda funciona como testimonio del trabajo manual y la solidaridad comunitaria ante los desafíos, al tiempo que ofrece una crítica visual a la cultura del descarte y la sobreproducción.

La artista chilena María Verónica San Martín recurre a diversas disciplinas, como el grabado, la instalación, la danza y la performance, para dar forma a un discurso que permanece latente, activado y movilizado por el recuerdo histórico. En la Poli/Gráfica, presenta su serie de xilografías Memory and Landscape, en la que representa imágenes emblemáticas del golpe de Estado en Chile, las movilizaciones de los familiares de los detenidos desaparecidos y las protestas durante la dictadura de Augusto Pinochet.

Marisa Tellería, artista nicaragüense radicada en Estados Unidos, ha abordado en su trabajo temas vinculados con la identidad nacional y la censura política. En algunas de sus obras, como la que muestra en la Poli/Gráfica, ha explorado cómo los símbolos nacionales, incluidos los colores de la bandera, pueden ser utilizados por los regímenes para ejercer control y manipulación sobre la población. Estos trabajos emplean colores «patrióticos» y políticos específicos para revelar los sistemas de opresión y el impacto psicológico de estos símbolos en las personas.

En su pieza titulada El peso de los colores, Tellería denuncia la prohibición impuesta por el gobierno de Daniel Ortega sobre el uso de los colores de la bandera nicaragüense, azul y blanco. Esta medida surgió a raíz de las manifestaciones de abril de 2018, cuando miles de nicaragüenses salieron a las calles en protesta contra fallidas reformas a la seguridad social. En respuesta, las autoridades policiales, sin ningún tipo de amparo legal, comenzaron a detener a quienes portaran símbolos asociados con la bandera nacional, como banderas, pulseras y otros objetos de color azul y blanco.

En un giro hacia la liberación del peso simbólico de estos colores, Tellería creó en 2019 la serie No Banderas. Esta serie busca disociar los colores de su identidad nacional y emplearlos sin la carga de significados impuestos, como un intento de ofrecer una «liberación de la propia historia, aunque sólo sea brevemente».

Como parte de su participación en la Poli/Gráfica, Tellería se manifestó en contra de la censura a la obra de Garvin Sierra, expresando en un escrito colocado junto a su obra: “Me opongo firmemente a cualquier forma de censura en cualquier país del mundo. En solidaridad, respaldo plenamente la libertad de expresión de los artistas puertorriqueños y de todo el mundo. ¡Que el silencio nunca sea una opción!”.

La práctica artística de Patricia Villalobos Echeverría, que abarca grabado, fotografía, video, instalaciones y proyectos participativos, se centra en temas de migración, desplazamiento, lucha social, la crisis de la mirada y la alteración de los métodos «representacionales». Nacida en Memphis, Tennessee, de padres salvadoreños, y criada en Managua, Nicaragua, su obra explora las complejidades de la identidad y el movimiento a través de fronteras.

En la Poli/Gráfica, la artista presenta una serie de fotografías capturadas durante las protestas contra el gobierno de Daniel Ortega en Nicaragua en 2018, transferidas a litografía. Titulada Latitudes, esta serie es un acertijo visual. La artista difumina o empaña las escenas violentas, dejando visible solo una pequeña fracción a través de una estrecha franja vertical y nítida.

En esta suerte de ventana con vidrio esmerilado, con una pequeña rendija para husmear, se establece una barrera entre el espectador y los hechos, aludiendo tanto a la censura mediática como a la autocensura. La opacidad de las imágenes refleja la dificultad de ver y comprender la realidad en medio de la violencia política, situando al espectador en una posición de impotencia y distancia emocional. Así, la obra cuestiona nuestra relación con la violencia mediada por pantallas, resaltando la fragmentación del conocimiento y la desconexión en tiempos de represión.

En su obra Censurada por el propio artista, el artista visual y activista indígena de la nación Dofurêm Guaianá, Andrey Guaianá Zignnatto (Brasil), utiliza como referencia el Cuadrado negro de Malevich para reflexionar sobre la autocensura en contextos de represión. Mientras que Malevich concebía su obra como un símbolo disruptivo y de libertad creativa, Zignnatto resignifica el cuadrado negro como emblema de autocensura y silencio impuesto.

La obra de Zignnatto resuena profundamente con la controversia que ensombreció a la Poli/Gráfica, al cuestionar la posibilidad de mantener el ideal de libertad creativa en un ambiente donde el arte y el pensamiento crítico continúan siendo objeto de presión y censura.

El artista mexicano Carlos Amorales presenta Protestas en la luna 04 y Protestas en la luna 07 (2023), obras que aluden a los recientes enfrentamientos entre manifestantes y la policía antidisturbios en Francia, en un contexto marcado por tensiones raciales y económicas. Aunque el diseño de las piezas se origina a partir de un programa de inteligencia artificial que transforma palabras en imágenes, su ejecución final es manual. Utilizando plantillas y barras de óleo, Amorales introduce una tensión entre la precisión digital del diseño y la expresividad emocional de la técnica artesanal.

Las serigrafías de la serie Genealogía (2017) de la artista ecuatoriana María José Argenzio exploran las identidades post-coloniales y las dinámicas de poder derivadas del pasado colonial en Ecuador. Argenzio emplea tela de chifón y madera de guayacán para destacar las tensiones en torno a la identidad mestiza y las jerarquías sociales persistentes desde la época colonial.

El oro en sus obras simboliza tanto las economías coloniales como la explotación de las poblaciones indígenas andinas. A través de su trabajo, Argenzio cuestiona las instituciones museísticas tradicionales y abre un diálogo sobre la construcción y perpetuación de identidades en América Latina, invitando a una reflexión crítica sobre la exclusión y el racismo.

Valor y Cambio es un proyecto artístico y de participación comunitaria creado por las puertorriqueñas Frances Negrón-Muntaner y Sarabel Santos Negrón. Su objetivo es cuestionar qué valora la sociedad puertorriqueña y proponer una moneda comunitaria, los «pesos de Puerto Rico», como herramienta de intercambio monetario y transformación social.

El proyecto introduce una moneda comunitaria, un tipo de dinero creado y gestionado por comunidades para promover economías solidarias, alternativas al sistema capitalista dominante. Estos pesos fomentan el intercambio de recursos, conocimientos y habilidades en las comunidades, destacando la riqueza social de estas, frecuentemente subvalorada.

La iniciativa se desarrolló en respuesta a la crisis de deuda y austeridad impuesta en Puerto Rico, y busca ofrecer una reflexión sobre la riqueza y la autonomía económica. A través de billetes con figuras históricas y activistas puertorriqueños, el proyecto crea un diálogo sobre valores sociales y el potencial de una economía que favorezca la equidad y la solidaridad.

Compresión: La Indisciplina como Liberación (Desastres Naturales y Fabricados)

Este núcleo de la Poli/Gráfica explora el diálogo entre las nuevas tecnologías, la inteligencia artificial en el arte y la naturaleza. Centrada en cómo la Tierra enfrenta catástrofes, tanto naturales como provocadas por el ser humano, esta sección incluye varias obras inspiradas en el devastador impacto del huracán María en Puerto Rico en 2017, de artistas como Melquiades Rosario Sastre, Molly Crabapple y Ricardo Rodríguez.

Norma Vila Rivero, artista multidisciplinaria puertorriqueña, se enfoca en cómo el crecimiento económico afecta la sostenibilidad ambiental y la vida de los habitantes de la isla. Utiliza la malla de alambre ‘ciclón’ en alusión a la cancelación del entorno natural y la obstrucción de accesos. Su serie Imposibilidad del paisaje refleja cómo el desarrollo acelerado y el impacto del huracán María han contribuido a la desaparición del paisaje.

En una de las obras, imprime una fotografía de un paisaje híbrido -entre urbano y natural- sobre lona, un material utilizado por aquellos que quedaron sin hogar tras el paso del huracán María para protegerse de la intemperie. La imagen se teje y es obliterada por la malla ciclón, creando una representación ‘pixelada’ de la misma.

Germarilis Ruiz Galloza, artista interdisciplinaria, diseñadora y educadora puertorriqueña, combina ciencia, tecnología y arte en sus investigaciones sobre el impacto ambiental de los residuos orgánicos, textiles y plásticos. Su obra cuestiona el desecho masivo que se genera tanto en la industria como en el arte contemporáneo, proponiendo alternativas sostenibles mediante el uso de biotextiles y bioplásticos. En su pieza Fragmentos, utiliza lana de oveja y biotextiles hechos a partir de cáscaras de naranja, parte de un recetario de materiales adaptados al clima de Puerto Rico, que incluye bioplásticos, biocuero, biohilos, biocerámica y biomas.

En 2022, Ruiz Galloza fundó Bio Layer, un taller especializado en biodiseño, fabricación digital y arte, con el objetivo de reducir el uso de plásticos derivados del petróleo y minimizar la contaminación causada por residuos orgánicos. Bio Layer visualiza un futuro donde la sostenibilidad, el arte y el diseño sean los principales medios para cuestionar y transformar nuestra relación con la naturaleza.

Yucef Merhi, artista, poeta y hacker venezolano radicado en Estados Unidos, utiliza el software y la programación para cuestionar los abusos de poder. Frente a la saturación de información y la manipulación mediática, su obra se centra en la reprogramación de datos informáticos para revelar nuevas formas de delación, representación y archivo.

En su serie Hacking, Merhi intercepta y materializa datos utilizando una técnica de pirateo que desarrolló en los años 90, a la que denomina datagram. Una de las piezas más conocidas de esta serie, Máxima Seguridad, presenta correos electrónicos recibidos por Hugo Chávez entre 1998 y 2004 en un formato de papel mural con un patrón modular que crea un denso paisaje textual. En un contexto más amplio, la obra pone de manifiesto la fragilidad de la privacidad digital al develar los secretos que circulan en la nube.

Merhi participa en la Poli/Gráfica con la instalación Seguridad boricua, en la que destaca una vez más la vulnerabilidad de los sistemas de protección de datos. En esta suerte de profanación, el artista cuestiona los servicios de seguridad estadounidenses mediante la exposición de documentos relacionados con figuras bajo vigilancia, como el líder independentista puertorriqueño Juan Mari Brás.

Impresión: Cuerpos del Soporte (¿Está optimizado su cuerpo?)

Este núcleo investiga cómo los avances en la ciencia y la tecnología para capturar y procesar datos han dado lugar a una cultura obsesionada con la transparencia, donde todo debe estar respaldado por un registro o una huella. En este contexto, la presión de los usuarios para permanecer visibles y rastreables es constante: lo que no se encuentra en este sistema de representación (en la presencialidad, fuera de la red) se considera inexistente. Las obras de esta sección muestran cómo los artistas emplean la tecnología no solo para criticarla, sino también para provocarla.

Un ejemplo concreto es el trabajo de Pauline Batista, artista multimedia brasileña radicada en Londres. Sus piezas Is Your System Optimized?, frase colocada sobre la entrada de la sala, y The Algorithm Will See You Now, una serie de fotografías de mujeres interactuando con máquina, ilustran cómo la tecnología ha permeado todas las facetas de la vida. Si hasta hace relativamente poco la tecnología se limitaba al ámbito médico, ahora influye en las interacciones cotidianas, hasta el punto de que “el cuerpo humano se percibe como una máquina”, según la artista.

Las mujeres en The Algorithm Will See You Now son representadas como fuertes y decididas, desafiando así la estereotipada relación mujer-máquina que la artista observa en la tendencia de colocar nombres femeninos como Alexa o Siri a los asistentes virtuales.

En la obra Is your system optimized?, Batista indaga en las implicaciones éticas de la auto optimización en una cultura que exige la excelencia y el rendimiento máximo de nuestros cuerpos y mentes. La aceleración tecnológica impulsa a los seres humanos a buscar un nivel de eficacia y perfección comparable al de las máquinas, convirtiendo especialmente a los cuerpos femeninos en objetos de esta optimización, a través de, por ejemplo, procedimientos médicos como las cirugías estéticas. Batista sugiere que, mientras buscamos seres humanos óptimos, es crucial reconsiderar el cuerpo desde una perspectiva más crítica, que trascienda la mera mercantilización, la cosificación y el perfeccionamiento científico.

La obra de Violette Bule (Venezuela) es una afrenta mordaz a la arrogancia implícita en referirse a Estados Unidos como «América», cuando es claro que este término abarca todo un continente. Para articular esta crítica, Bule modifica cientos de postales originales que anuncian la inauguración del nuevo edificio del Whitney Museum of American Art en 2015, en las que aparece la frase «You can see America from here».

Usando las postales como unidades mínimas de construcción, la artista escribe la pregunta Can You? [¿Puedes?], reemplazando la imagen del renovado edificio del Whitney con un espejo. A través de esta audaz estrategia conceptual, Bule nos invita a reflexionar sobre el verdadero significado de «América». El espejo abre esta reflexión al devolver al espectador su propio reflejo, invitándolo así a cuestionar la construcción semántica y cultural del concepto “América”.

Can You? guarda relación conceptual con This is Not America del artista chileno Alfredo Jaar. Ambas obras cuestionan críticamente la representación hegemónica de «América» impuesta por Estados Unidos, que reduce la complejidad del continente a una visión unívoca y sesgada.

Represión: Transparencia y Opacidad (La violencia organizada)

Este núcleo de la Poli/Gráfica aborda la violencia estructural en las sociedades contemporáneas, revelando cómo estos actos son sistemáticamente minimizados u ocultados. En este contexto, Hermanas de sangre, de la artista dominicana Belkis Ramírez (1957-2019), trata la violencia de género y el feminicidio, al tiempo que cuestiona las convenciones del grabado como medio. En lugar de presentar una impresión en papel, la artista exhibe la matriz de madera entintada (el proceso y la materia prima) con retratos de espaldas de mujeres asesinadas.

La artista guatemalteca radicada en Nueva York, Jessica Lagunas, también aborda el aberrante fenómeno del feminicidio en su obra. Su libro de artista Feminicidio en Guatemala (2012-2015) funciona como un archivo visual y estadístico en homenaje a las víctimas. Este libro-objeto recopila datos sobre feminicidios en Guatemala entre 2000 y 2010, decorado con encaje y cintas de seda, materiales que evocan delicadeza e inocencia, lo que genera un fuerte contraste con la brutalidad de los hechos documentados.

El artista chileno Iván Navarro transforma el tradicional optotipo oftalmológico en una herramienta de crítica social. Al sustituir las letras ordenadas de forma arbitraria por palabras cargadas de significado como «rise», «react», «revolt», «protest» y «oppress», la obra invita a reflexionar sobre las dinámicas de poder, resistencia y opresión en la sociedad contemporánea. El uso de estas palabras en un formato típicamente asociado con la visión plantea una metáfora directa: ¿qué tan clara es nuestra percepción de las injusticias que nos rodean?

Al invocar términos relacionados con la acción y la resistencia, el artista desafía al espectador a «ver» más allá de lo evidente, sugiriendo que la verdadera claridad no reside solo en la visión física, sino en la comprensión crítica de las estructuras de poder y las luchas sociales. Los carteles de gran tamaño, instalados en la fachada del Cuarto Educativo de la Poli/Gráfica, se convierten en un llamado a la conciencia y a la acción colectiva frente a la opresión.

La Poli/Gráfica 2024 ofrece un amplio panorama de las tensiones contemporáneas que atraviesan el arte en el continente americano, abordando presiones económicas, sociopolíticas y existenciales a través de medios impresos y digitales que expanden la noción de lo gráfico. Desde las propuestas más poéticas hasta las más radicales, los artistas participantes logran canalizar estas tensiones en obras que reflejan la fragilidad del contexto actual y la urgente necesidad de acción y reflexión.

El conflicto en torno a la censura y la renuncia de la curadora Lisa Ladner marcaron un hito en esta edición, generando un debate necesario sobre la libertad de expresión y los límites impuestos por instituciones culturales. La polémica, si bien opacó algunos momentos del evento, también abrió un espacio para reflexionar sobre cómo las decisiones curatoriales pueden influir en la recepción y el impacto de las obras, así como en el ecosistema artístico en general.

De cara al futuro, las expectativas sobre la Poli/Gráfica están marcadas por la necesidad de reconstruir la confianza en las instituciones y garantizar que el evento siga siendo un espacio seguro y abierto para la creación artística. Este evento, que ha sido históricamente un referente para el arte gráfico en Latinoamérica, tiene el desafío de continuar fomentando la innovación y el diálogo, mientras enfrenta las dificultades que impone un contexto sociopolítico cada vez más complejo.

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Artistas participantes:

11500 Labs, Pavel Acosta, Regina & San Aguilar, Juancito Foundation, Rosenda Álvarez Faro, Esteban Álvarez, Carlos Amorales, Laura Anderson Barbata, Carlos Aponte, Miguel A. Aragón, María José Argenzio, Daniel Arnaldo-Román, Guadalupe Arriegue, Mary Axtmann, Grimaldi Báez, Carlos Barberena, Balam Bartholomé, Pauline Batista, Daniel Bejar, La Vaughn Belle, Elisa Bergel Melo, April Bey, François Bucher, Violette Bule, Saskia Calderón, Leo Castañeda, Vladimir Cybil Charlier, Alice Chemama, Ciclos Gráficos Inc., Molly Crabapple, Osvaldo De Jesús, Leonor Décourt, Lope Max Díaz, Patricia Domínguez, Jeannette Ehlers, Juan Fernández, Sofía Gallisá Muriente, Sandra Gamarra, Richard Garet, María Gaspar, Adriana González Brun, Consuelo Gotay, Renee Goust, Pablo Helguera, Débora Hirsch, Donna Huanca, Natalia Iguiñiz Boggio, Charles Juhász Alvarado, Jessica Lagunas, Adriana Lara, Gustavo Alfredo Larsen, Suwon Lee, Diana López, Thessia Machado, George Malavé, Carlos Marcial, Poli Marichal, Elsa María Meléndez, Yucef Merhi, Maritza Molina, Johana Montero, Marisa Morán Jahn, Iván Navarro, Lilliam Nieves, Fernando Norat Pérez, Nela Ochoa, Uziel Orlandi, Ada del Pilar Ortiz, Néstor Otero, Geandy Pavón, Fabián Peña, Edison Peñafiel, Marta Pérez García, Raquel Quijano Feliciano, Belkis Ramírez, Pedro Reyes, Rodríguez Calero, Ricardo J. Rodríguez De Santiago, Miguel Rodríguez Sepúlveda, Edel Rodríguez, Melquiades Rosario Sastre, Germarilis Ruíz Galloza, María Verónica San Martín, Frances Santos, Sarabel & Negrón-Muntaner, Abdiel D. Segarra Ríos, Serigrafía Cooperativa, Cristina Sierra Pagán, Anamarie & Vélez Roque, Chaveli Sifre, Marisa Tellería, Yiyo Tirado Rivera, Heryk Tomassini, Amanda Torres Rodríguez, Gabriella Torres-Ferrer, Chris Torres, Nitza Tufiño, Rafael Vargas-Bernard, John Vásquez Mejías, Yolanda Velázquez-Vélez, Norma Vila Rivero, Patricia Villalobos Echeverría, Nari Ward, Andrey Guaianá Zignnato.