FOR CHILDREN: OBRAS DE ARTE PENSADAS PARA LAS INFANCIAS

El trabajo de artistas mujeres, racializados, de comunidades indígenas o de género no binario ha sido, en los últimos años, objeto de una sostenida reevaluación dentro del arte contemporáneo. Museos, curadores y académicos han contribuido a visibilizar sus aportes, a reescribir genealogías y a corregir omisiones históricas. Sin embargo, algo distinto ocurre con las obras creadas para niños: un campo apenas explorado, en el que el arte contemporáneo y la infancia se cruzan para abrir preguntas profundas sobre la experiencia estética, la educación y la imaginación.

¿Qué motiva a artistas de distintas generaciones y latitudes a crear obras para niños? ¿Qué significa ser niño hoy? ¿Es la infancia un capítulo cerrado o un estado del ser que se reactiva en el encuentro con el arte?

La exposición For Children. Art Stories since 1968 (Para niños. Historias de arte desde 1968), presentada en la Haus der Kunst de Múnich, parte precisamente de estas preguntas. Fruto de varios años de investigación, la muestra reúne obras de más de veinte artistas internacionales creadas específicamente para el público infantil desde finales de la década de 1960, invitando a visitantes de todas las edades a dialogar con ellas, y entre sí, para repensar la noción misma de infancia.

La exposición transforma distintos espacios del museo en zonas de encuentro, juego y creación compartida. Dos salas albergan una nueva instalación de Koo Jeong A que invita a los visitantes a patinar, mientras que Ei Arakawa-Nash propone dibujar directamente sobre el suelo del hall central del museo. En la Archiv Galerie, se revisitan las acciones tipo “happening” del colectivo KEKS, formado en 1968 en la Academia de Arte de Múnich, cuyo trabajo trascendió lo académico y se adentró en los espacios urbanos.

Su inclusión en la 35.ª Bienal de Venecia de 1970 con el proyecto Biennale Bambini representó la primera contribución de educación artística en la historia de la bienal. La exposición integra materiales inéditos de KEKS (1968-1972) como punto de partida histórico, y se expande hacia otros espacios del museo, abordando temas universales —humanidad, sociedad, política, economía, medio ambiente, tecnología y futuro—, experimentados por primera vez en la infancia y persistentes a lo largo de la vida.

En una de las salas, la voz de Bruce Nauman (EEUU, 1941) repite en bucle las palabras «Para niños», cuya modulación tonal genera una composición rítmica inspirada en piezas para piano de Béla Bartók, diseñadas para manos infantiles. La obra de Nauman conecta métodos educativos con su práctica artística basada en la repetición y la extensión del cuerpo a través de la voz.

Eva Koťátková, Mantas, Monstruos, Ana y el Mundo, 2022-25. Cortesía de la artista y Meyer Riegger, Berlín. Réplica encargada y producida por Haus der Kunst, 2025. Foto: David Levene.

For Children. Art Stories since 1968 se inserta en una línea de investigación aún incipiente dentro de la historia del arte. Hasta mediados del siglo XX, las obras destinadas al público infantil se limitaban al diseño de juguetes, mobiliario o juegos pedagógicos. A partir de finales de los años sesenta, artistas de todo el mundo comenzaron a concebir proyectos que invitaban a los niños a participar, decidir e imaginar, reconociéndolos como interlocutores activos y no receptores pasivos. Así, el arte para niños se convirtió en un territorio experimental donde la autonomía, la empatía y la imaginación se ensayan como formas de aprendizaje y transformación social.

Dentro de este campo pueden distinguirse al menos dos líneas de trabajo: por un lado, exposiciones que sitúan a los niños como público principal o incluso como co-creadores; por otro, aquellas que abordan la infancia como tema o figura simbólica, explorando su vulnerabilidad, su potencia imaginativa o su papel en contextos de desastre y reparación. For Children reúne obras de ambos enfoques: algunas creadas para ser vividas por los niños y otras que exploran la infancia como experiencia, metáfora o territorio simbólico.

Contexto histórico: del objeto al proceso

A lo largo del siglo XX, el vínculo entre arte e infancia transitó desde el diseño de objetos pedagógicos hacia la creación de experiencias participativas. Durante buena parte de la modernidad, el arte destinado a los niños se entendía como extensión del diseño funcional: juguetes, mobiliario, libros ilustrados o materiales educativos inspirados en pedagogías progresistas y utopías infantiles. Hacia finales de los años sesenta, coincidiendo con movimientos de renovación artística y educativa, la noción de arte para niños comenzó a transformarse: el énfasis se desplazó del objeto al proceso, de la contemplación pasiva a la participación activa, y de la educación formal al aprendizaje libre y experimental.

Exposiciones dedicadas a las infancias privilegiaron la experiencia, el juego y la colaboración, proponiendo al museo como espacio de imaginación y encuentro. Este cambio implicó también una ampliación de la categoría de infancia: ya no entendida solo como etapa biológica, sino como condición crítica y política, vulnerable pero inventiva, resistente a la cultura adulta. La mediación pasó a ser parte constitutiva de la obra: talleres, laboratorios y espacios de juego dejaron de ocupar un lugar periférico para convertirse en componentes estéticos y conceptuales.

Agus Nur Amal PMTOH, Bondad y Desastre, 2025. Encargado y producido por Haus der Kunst, 2025. Foto: David Levene

En este contexto, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) marcó un punto de inflexión en 2012 con Century of the Child. Growing by Design, 1900–2000 (El siglo del niño. Creciendo por diseño, 1900-2000), una revisión exhaustiva del diseño para niños a lo largo del siglo XX. Años más tarde, The Playground Project (Kunsthalle Zürich, 2016) exploró el diseño de espacios lúdicos y su influencia en la pedagogía y el arte contemporáneo participativo. Ambas propuestas delinearon un eje de investigación que, en la última década, ha cobrado fuerza en museos y centros de arte de distintas latitudes.

En América Latina, este enfoque adquirió una dimensión política y social que lo distingue de los modelos más pedagógicos o museográficos de Europa y Norteamérica. A través del juego, la memoria y la imaginación, muchas de estas muestras reescriben la historia desde la mirada infantil y plantean formas de resistencia frente a la violencia, la desigualdad o la exclusión. Las experiencias latinoamericanas más recientes muestran la expansión del enfoque curatorial: desde la representación simbólica de la niñez hasta la creación de entornos donde los niños actúan como participantes activos y productores de sentido.

N.d.E: En otros países de la región —como Argentina, Panamá, Guatemala, Ecuador y Perú— existen también muestras y programas locales orientados a las infancias, generalmente organizados por galerías, museos y centros culturales. Aunque no siempre adoptan la forma de exposiciones curadas, estas iniciativas reflejan el creciente interés institucional por integrar el juego, la mediación y la creación colectiva como parte de la experiencia museal.

Rivane Neuenschwander en colaboración con Guto Carvalhoneto, El Nombre del Miedo/Vaduz, 2021. Foto: Mateus Augusto Rubim | Rivane Neuenschwander, El Nombre del Miedo (2015–en curso). Vista de la exposición For Children, Art Stories since 1968, Haus der Kunst, Múnich, 2025. Foto: Agostino Osio.

Lygia Pape, Ana Mendieta, Ernesto Neto, Rivane Neuenschwander

La exposición For Children articula un recorrido por más de medio siglo de experiencias artísticas concebidas para, con y desde las infancias. En ella, los casos latinoamericanos funcionan como nodos significativos dentro de esta historia global, situando la infancia como territorio estético, político y afectivo. Desde experimentos pedagógicos y performativos de los años sesenta y setenta —que buscaban reconfigurar el vínculo entre arte y vida— hasta proyectos contemporáneos de participación y coautoría, obras de Lygia Pape, Ana Mendieta, Ernesto Neto y Rivane Neuenschwander trazan genealogías alternativas donde el juego, el cuidado, el cuerpo colectivo y la imaginación son motores de aprendizaje y transformación social.

En la obra de Rivane Neuenschwander (Brasil, 1967), la colaboración, la coautoría y la intervención social son constantes. Su proyecto El Nombre del Miedo (2015–en curso) invita a los niños a enfrentar y nombrar sus temores mediante el dibujo, que van desde conceptos abstractos como la “omnipotencia” hasta amenazas concretas como arañas o centrales nucleares. En colaboración con los diseñadores Lucas Nascimento y Guto Carvalhoneto, Neuenschwander transforma estos dibujos en capas coloridas; en la Haus der Kunst se exhiben 26 de ellas, incluyendo cinco nuevas creadas durante los talleres organizados por la artista en marzo de 2025. Al usar las capas y darles un carácter performativo, Neuenschwander propone que los niños puedan transformar sus miedos más profundos en deseos, al tiempo que obtienen una sensación de protección.

La instalación de video Cabra-Cega (2016) complementa esta reflexión a partir de los dibujos de un niño de entre cinco y siete años que representó conflictos y monstruos transformados en máquinas de guerra. Proyectadas como líneas blancas sobre un fondo negro en una sala oscura, las imágenes evocan cuevas prehistóricas y pinturas rupestres, generando un espacio donde la memoria, la imaginación y la violencia se fragmentan y reconstruyen continuamente. La experiencia se intensifica con la banda sonora de Arto Lindsay (EE. UU.), cuya composición acentúa la atmósfera de pesadilla y potencia la dimensión afectiva y sensorial del proyecto.

Hasta hoy, la participación de los artistas en contextos escolares ha sido poco considerada en la historia del arte, pero ejemplos tempranos como el de Ana Mendieta (Cuba/EEUU, 1948–1985) muestran su potencial transformador. En 1973, Mendieta trabajó con alumnos de la Escuela Primaria Henry Sabin en Iowa City a través de una serie de experimentos performativos que exploraban la presencia y el efecto de los cuerpos individuales y colectivos en el espacio. La performance Paracaídas surgió de este contexto: los niños se movían en sincronía bajo un paracaídas circular, que se expandía como un globo para luego colapsar, generando un juego de formas y movimientos que enfatizaba la interdependencia de sus cuerpos.

En paralelo, Lygia Pape (Brasil, 1927–2004) trasladó su investigación sobre abstracción geométrica al ámbito social y público con Divisor (1968). Originalmente concebida para interiores, la obra fue activada por niños de la favela Chácara de Cabeça, quienes, a través del juego, asomaban sus cabezas por aberturas de una gran tela blanca perforada uniformemente. La interacción colectiva transformaba la geometría en un cuerpo compartido, evocando una imagen de nacimiento colectivo y, al mismo tiempo, constituyendo un símbolo de resistencia durante la dictadura militar brasileña.

Ernesto Neto (Brasil, 1964) invita al espectador a desacelerar y reconectar con su cuerpo y su mente. “Quiero que la gente pierda el tiempo, porque vivimos en una sociedad tan centrada en la productividad y la rapidez”, afirma el artista. Sus instalaciones inmersivas funcionan como metáforas de las dimensiones orgánicas y espirituales de la vida, experiencias que se perciben principalmente a través del tacto y la presencia corporal.

Uni Verso Bébé II Lab (2007/2025) es un ejemplo emblemático de su enfoque. La obra fomenta la lentitud, la conciencia corporal y la curiosidad táctil, ofreciendo a los visitantes, especialmente a los niños, un espacio de seguridad emocional y pertenencia. Originalmente presentada en 2007 en el Museo Vale de Brasil como parte de la muestra Arte para Niños, la instalación —que evoca un útero materno— se reconfigura para esta exposición con una segunda capa exterior en rojo, verde y blanco.

Curada por Andrea Lissoni, Emma Enderby, Lydia Korndörfer, Xue Tan con Lydia Antoniou, Laila Wu, así como Sabine Brantl (Archiv), Pia Linden y Camille Latreille (Aprendizaje y Compromiso).

Koo Jeong A (Corea del Sur, 1967); Agus Nur Amal PMTOH (Indonesia, 1969); Ei Arakawa-Nash (Japón, 1977); Tarek Atoui (Líbano, 1980); Yto Barrada (Francia, 1971); Antoine Catala (Francia, 1975); Neha Choksi (Estados Unidos, 1973); DIS (Estados Unidos, desde 2010); Ólafur Eliasson (Dinamarca, 1967); Harun Farocki (República Checa/Alemania, 1944–2014); Emily Floyd (Australia, 1972); Jan Peter Hammer (Alemania, 1970); KEKS (Alemania, 1968–1972); Eva Koťátková (República Checa, 1982); Basim Magdy (Egipto, 1977); Ana Mendieta (Cuba/Estados Unidos, 1948–1985); Meredith Monk (Estados Unidos, 1942); Lygia Pape (Brasil, 1927–2004); Bruce Nauman (Estados Unidos, 1941); Ernesto Neto (Brasil, 1964); Rivane Neuenschwander (Brasil, 1967); Rachel Rose (Estados Unidos, 1986); Afrah Shafiq (India, 1989); Tromarama (Indonesia, desde 2006).