MIL GRAUS [MIL GRADOS]: 38º PANORAMA DEL ARTE BRASILEÑO

El Museo de Arte Moderno de São Paulo presenta la 38ª edición del Panorama de Arte Brasileño: Mil Graus, una exposición curada por Germano Dushá y Thiago de Paula Souza, y co-curada por Ariana Nuala. El título de la muestra evoca la idea de un «límite de calor», donde todo se transforma, haciendo referencia a las intensas condiciones climáticas y metafísicas que desafían y conducen a inevitables procesos de transmutación. Esta edición reúne a 34 artistas de 16 estados brasileños en el MAC USP, con más de 130 obras, de las cuales 79 son piezas originales creadas específicamente para el 38º Panorama.

---

Mil Graus [Mil Grados]: 38º Panorama del Arte Brasileño elabora críticamente sobre la realidad actual de Brasil a través del concepto de “límite térmico”, una temperatura en la que todo se transforma. La muestra busca delinear un horizonte multidimensional de la producción artística contemporánea de Brasil, estableciendo puntos de contacto y contraste entre diversas investigaciones y prácticas que, en común, comparten una alta intensidad energética.

La exposición reúne a artistas y otros agentes que abordan temas ecológicos, históricos, sociopolíticos, tecnológicos y espirituales, promoviendo la reflexión y el debate público. Las obras superan las limitaciones del lenguaje y sus significados convencionales, revelando símbolos universales a través de gestos y matices regionales.

La idea de una temperatura opuesta al cero absoluto—es decir, un calor absoluto—subraya el interés de este Panorama por experiencias radicales, condiciones extremas—sean metafísicas o climáticas—y estados transitorios, tanto de la materia como del alma, que nos enfrentan a la transmutación como un destino inevitable.

Como fenómeno térmico, el calor se relaciona con el fuego, las variaciones físicas de la materia, el calentamiento global y la crisis ambiental actual. En un contexto marcado por los incendios forestales y una creciente catástrofe ambiental en Brasil, la exposición explora representaciones visuales y simbólicas del calor, abordando tanto su relación con fenómenos naturales como su dimensión metafórica en tiempos de efervescencia social y política.

Esta reflexión se amplía hacia un cuestionamiento de la dicotomía entre humanidad y naturaleza, proponiendo una visión más integradora de las interconexiones entre todos los seres vivos, que trasciende el antropocentrismo. Además, Mil Graus incorpora reflexiones sobre espiritualidad, simbolismos místicos y esotéricos, manifestados tanto en la naturaleza como en la vida urbana cotidiana. Así, el «calor» se convierte en una metáfora de las urgencias de nuestro tiempo.

SOBRE EL PROCESO DE SELECCIÓN DE LOS PARTICIPANTES

El proceso de selección de los artistas se basó en una investigación directa y en la colaboración con artistas y colectivos previamente conocidos. Los curadores priorizaron la participación de artistas vivos y activos, especialmente aquellos que no habían sido parte del Panorama ni de la Bienal de São Paulo. Sin embargo, la inclusión de Jayme Fygura, quien falleció durante el proceso curatorial, responde no solo a un homenaje póstumo, sino también al profundo impacto de su obra en la construcción del proyecto. Fygura, artista emblemático de la región norte de Brasil, contribuyó de manera significativa con sus temáticas y estilo, los cuales están intrínsecamente relacionados con los ejes fundamentales de la exposición.

Por otro lado, artistas de renombre como Mestre Zimar, José Adário dos Santos y Mestre Nado, quienes han trabajado dentro de lo que tradicionalmente se ha denominado «arte popular», son fundamentales en esta exposición, ya que su inclusión promueve el diálogo entre generaciones y prácticas, cuestionando categorías rígidas y fomentando la reflexión sobre las identidades y las narrativas que las construyen.

Mil Graus busca reflejar la complejidad social y cultural de Brasil, reconociendo que no es posible abarcar la totalidad del panorama artístico del país. La selección incluyó artistas de diversas generaciones y regiones, desde aquellos nacidos en la década de 1940 hasta los más jóvenes nacidos en los 2000, con una destacada presencia de obras que abordan temas como la espiritualidad, los elementos telúricos, lo erótico y una visión ecológica.

El objetivo es también presentar una amplia variedad de enfoques artísticos, que van desde el uso de materiales orgánicos y tradicionales hasta la incorporación de nuevas tecnologías y medios digitales. Para los curadores era importante establecer un diálogo cálido entre las prácticas más antiguas y las más innovadoras, creando una «cohesión energética» en la exposición que conecta diferentes prácticas sin imponer categorías rígidas.

LAS LÍNEAS CONCEPTUALES DE PANORAMA

A lo largo del proceso de investigación que dio forma a la exposición, surgieron cinco líneas conceptuales que fundamentaron el pensamiento curatorial. Estos ejes, como brújulas que orientan las preguntas centrales del proyecto, ayudaron a definir el enfoque sobre la escena contemporánea brasileña que se registra en este Panorama. Sin embargo, no se utilizaron para segmentar la exposición ni funcionan como categorías o agrupaciones, sino como hilos conductores que invitan a la reflexión y a la interpretación, trazando conexiones posibles entre las obras desde estas perspectivas.

Ecología General

Este eje temático explora conceptos ecológicos y prácticas ambientales ampliadas, basadas en una visión de interconexión global. Al rechazar las ideas antropocéntricas y las divisiones que separan a la cultura de la naturaleza, las obras en este ámbito celebran la diversidad de formas de vida y sus interacciones biológicas. En un contexto de creciente urgencia ambiental, estas propuestas ofrecen nuevas formas de entender la condición humana y proponen alternativas para relacionarnos de manera más integral con el planeta y sus múltiples agentes.

Territorios Originarios

Este eje temático aborda las narrativas y experiencias de los pueblos indígenas, las comunidades quilombolas y otras formas de vida que se encuentran al margen de la lógica homogeneizadora del capital, capaces de reflejar visiones alternativas sobre la historia y la realidad actual de Brasil. Estas comunidades invocan energías ancestrales, mitologías fundacionales y consciencias expandidas para crear propuestas estéticas, tecnologías socioambientales y conexiones transpolíticas.

Ya sea en la lucha por la demarcación de tierras o en diversas iniciativas para fortalecer comunidades autónomas, lo que está en juego es la ampliación de horizontes vitales ante la incertidumbre del futuro.

Plomo Tropical

El concepto de Plomo Tropical dentro de la muestra se refiere a una serie de lecturas críticas que desafían y subvierten los imaginarios tradicionales sobre Brasil, particularmente aquellos relacionados con la idea del «paraíso tropical». Este concepto pone en evidencia las contradicciones profundas de la identidad nacional brasileña, al contrastar las representaciones idílicas de su naturaleza y cultura con las sombras de su historia de colonización esclavista, la explotación, el legado del modernismo y el autoritarismo militar.

Plomo Tropical cuestiona, por lo tanto, las narrativas históricas dominantes que, por un lado, celebran la imagen de un país exuberante y lleno de promesas, mientras que, por otro lado, ocultan las realidades de la opresión racial, la devastación ambiental y las desigualdades sociales. A través de este enfoque, la exposición pretende desnaturalizar esas representaciones históricas que han contribuido a la construcción de un Brasil idealizado, al mismo tiempo que señala las estructuras de poder y los problemas persistentes como la especulación financiera y la militarización.

Cuerpo-Equipamiento

Este eje aborda intervenciones experimentales y reflexiones sobre la transformación continua de los cuerpos y los objetos, explorando sus hibridaciones e interconexiones. Se centra en la cultura de la reproducción técnica, el sampling y la apropiación, así como en las relaciones entre tecnologías avanzadas y soluciones improvisadas de bajo costo. También se adentra en los efectos de la alta conectividad en internet, y los conceptos de biohacking y modificaciones corporales dentro de un imaginario cyborg, transhumano y posthumano. Sonidos e imágenes son remixados, distorsionados y, en ocasiones, desmantelados como una manera de confrontar las consecuencias radicales de un mundo en rápida transformación.

Trances y Transiciones

Uno de los ejes clave del proyecto se centra en la dimensión espiritual, explorada tanto de manera explícita a través de artistas que son sacerdotes, como de forma más sutil a través de obras que sugieren una conexión con lo esotérico. Este eje abarca conocimientos trascendentales, prácticas espirituales y experiencias extáticas que canalizan los misterios de la vida.

Las obras incluyen rituales, instrumentos y espacios que invocan inspiraciones para nutrir el alma y pulsaciones que energizan el cuerpo, proporcionando protecciones, cimentando resistencias y transformando condiciones opresivas y traumas limitantes. Actúan como vehículos que navegan por encrucijadas, superando los límites de la materia y las percepciones terrenales, para conectar con lo etéreo y coexistir con lo desconocido. La participación de figuras como Dona Romana, aunque no se considera una artista en el sentido convencional, es destacada como una reverencia hacia su creación espiritual.

ALGUNOS ARTISTAS Y SUS OBRAS

El trabajo de Zahỳ Tentehar, arraigado en el Territorio Indígena Cana Brava, combina teatro y producción audiovisual para explorar la vida como una puesta en escena donde todos somos creadores y protagonistas. Inspirada en la «Poética del oprimido» de Augusto Boal, investiga las máscaras sociales, la creación de verdades y la resistencia frente a la opresión capitalista. Su práctica artística resignifica tradiciones indígenas, reflejando la adaptabilidad de estos pueblos ante la modernidad y los cambios planetarios.

En el 38º Panorama, presenta Máquina Ancestral: Ureipy (2023), una videoperformance de ciencia ficción en dos canales que yuxtapone dimensiones opuestas: una ancestral, en ruinas, y otra tecnocrática, en un laboratorio. La obra invita a reflexionar sobre las intersecciones entre ancestralidad, humanidad y tecnología, imaginando futuros plurales y desafiando nociones fijas de la tecnología.

El trabajo de Adriano Amaral se distingue por integrar materiales y procesos diversos para crear objetos y entornos que desafían las distinciones entre lo sólido, líquido y gaseoso. Su obra Cabeça d’água (2024), creada para el 38° Panorama, es una instalación inmersiva que fusiona lo material y lo espiritual, o lo que él llama «futurismo barroco druídico».

Un octágono arquitectónico actúa como escultura y espacio experiencial, cargado de simbolismo y resonancias esotéricas. En su interior y exterior presenta parte de su serie Pinturas protéticas, hechas con silicona, que transcriben imágenes cotidianas en hologramas tangibles, y esculturas con una iconografía híbrida entre lo orgánico y lo artificial. En el centro de la instalación, un tanque octagonal con líquido viscoso contiene cráneos humanoides envueltos en un sudario.

El octágono, símbolo de regeneración espiritual, remite tanto al desarrollo ultra científico como a los misterios atemporales, a la metamorfosis, la fluidez y la sublimación espiritual. La obra invita a una inmersión psico-corporal que nos confronta con nuevas emociones y reflexiones sobre la condición humana en el Antropoceno.

Marina Woisky explora el magnetismo de ciertas imágenes y los fenómenos de reproducción visual en un mundo saturado de información. Influenciada por el arte barroco de Minas Gerais, la artista da vida a objetos-imágenes con formas híbridas, criaturas en proceso de metamorfosis, enigmas visuales. Mediante un proceso radical de manipulación de imágenes y el uso de materiales como cemento, concreto y resina, Woisky crea una ecología visual que habita entre lo familiar y lo extraño.

Para el 38º Panorama, presenta una nueva instalación que indaga en la evolución de la vida biológica en la Tierra, combinando diferentes épocas y geografías. Las esculturas, que incluyen reptiles, aves y caballos, conforman un ecosistema vibrante que refleja el misterio de la continua transfiguración que impulsa la vida en el planeta.

La práctica de Marlene Almeida se basa en la investigación de campo y la transformación de los elementos de la Tierra en obras de arte. A través de expediciones artístico-científicas, recoge muestras de suelo que luego procesa en su estudio-laboratorio, creando un archivo que guarda la memoria molecular de cada lugar.

Su trabajo combina ciencia, alquimia y poesía, abordando temas como la estabilidad de los suelos y la sedimentación policromática, mientras experimenta con los pigmentos naturales de cada región. Sus obras, que incluyen pinturas, esculturas e instalaciones, exploran la memoria de la Tierra y proponen nuevas interpretaciones de los lugares que visita.

En la exposición presenta dos obras. Derrame (2024) es una instalación que utiliza recortes de algodón crudo teñidos con pigmentos extraídos de arcillas basálticas. Estas telas, impregnadas de tonos terracota, ocres y grises, forman una montaña serpenteante que alude al animismo de las rocas en constante transformación. Por otro lado, Tempo voraz II (2012), reinterpreta el reloj de arena como símbolo de la fugacidad de la vida. La obra combina cápsulas de vidrio con arena inmóvil y cinco bolsas de algodón rellenas de tierra teñida, creando una tensión visual entre opuestos como luz y oscuridad, frío y calor, reflejando el deseo de detener el tiempo frente a su implacable voracidad.

El trabajo de Frederico Filippi se centra en los conflictos generados por la interacción entre la naturaleza, la industrialización y las dinámicas del capital. A través de su investigación y colaboraciones en Igapó Açu, Amazonas, el artista cuestiona las estructuras socioeconómicas que definen la relación entre los territorios autóctonos y el extractivismo industrial. En este proceso, Filippi ofrece una reinterpretación crítica del imaginario social de Brasil y Sudamérica, situándolo dentro de las lógicas del capitalismo global y sus efectos sobre el medio ambiente y las comunidades.

Para el 38º Panorama, presenta dos obras comisionadas que abordan la fricción entre la explotación industrial y el entorno natural, entre el futuro de la ecología y el consumo humano.

Moquém – Carnes de caza (2023–2024) reflexiona sobre el ciclo industrial de extracción de minerales, señalando el absurdo de una cadena industrial que extrae mineral mediante métodos complejos y costosos, solo para usarlo en la creación de máquinas que extraen más mineral. Estas máquinas son luego destruidas y dejadas abandonadas en la selva, donde son absorbidas nuevamente por el suelo, fusionándose de alguna manera con el mineral en su forma cruda.

Su otra pieza, Arco (2020–2024), es una instalación que aborda la deforestación y sus impactos, basada en la idea del “arco de la deforestación” como una obra de arte. Este término, utilizado por agencias e instituciones ambientales para referirse a la región donde las fronteras agrícolas están avanzando sobre el bosque, mostrando altas tasas de deforestación en la Amazonía, se desarrolla formalmente como una instalación de video en tres canales.

Maria Lira Marques celebra los ciclos de transformación de la naturaleza a través de la cerámica y dibujos realizados con pigmentos naturales sobre papel y piedras. Con casi cinco décadas de trayectoria, su trabajo refleja una profunda conexión con el Vale do Jequitinhonha, región donde nació y vive, y que continúa marcado su identidad como artista. A través de colores vibrantes y gestos figurativos, Lira Marques celebra la interrelación entre la fauna, la flora y el entorno, abordando, además, temas históricos y culturales, especialmente la resistencia de los pueblos oprimidos.

El trabajo de Advânio Lessa está profundamente vinculado a la actividad agrícola y a la historia quilombola, así como al conocimiento ancestral sobre la gestión del bosque y la tierra. Lessa crea esculturas a gran escala utilizando troncos, ramas, calabazas, lianas y raíces recolectadas en su entorno. En el 38º Panorama, el artista presenta una red energética formada por esculturas interconectadas que enlazan el MAC USP con el Museo Afro Brasil y otros espacios cercanos.

Mestre Nado (Agnaldo da Silva) es un escultor-instrumentista que combina cerámica y música, transformando la arcilla en instrumentos sonoros. Originario de la Zona da Mata, Pernambuco, su conexión con el barro comenzó en su infancia, moldeando arcilla de los ríos, y se consolidó en talleres cerámicos. Es creador de la Flauta Nado, su interpretación de la ocarina, que une funcionalidad musical con formas inspiradas en la naturaleza y en referencias precolombinas y futuristas.

En el 38º Panorama, presenta tres esculturas de gran escala, una rareza en su producción. Similares a torres de viento, las piezas combinan múltiples componentes en estructuras complejas que evocan geometrías naturales y arquitecturas animales, como los termiteros y los nidos de hornero. El carácter totemista de esta integración de música y escultura invita a una interacción corporal con el espectador.

Los curadores también han incluido en esta edición el proceso de recuperación de la identidad y las tierras ancestrales del pueblo Akroá Gamella de Maranhão a través del “Ritual de Bilibeu”. Este evento, central en su cosmología, combina lucha territorial, espiritualidad y celebración cultural. Durante el ritual, que incluye la intensa “carrera de perros de Bilibeu”, se reafirma la conexión con la tierra y los espíritus mediante prácticas comunitarias que fusionan elementos afroindígenas y católicos, sirviendo también como rito de paso para los jóvenes.

El término Rop Cateh – Alma pintada em Terra de Encantaria dos Akroá Gamella [Alma pintada en la Tierra Encantada de los Akroá Gamella], elegido para representar al territorio en el 38º Panorama, refleja la esencia del Ritual de Bilibeu. La presentación incluye un video editado a partir de grabaciones documentales del ritual, fotografías, collages y pinturas realizadas en colaboración con los artistas Gê Viana y Thiago Martins de Melo. Estas piezas, creadas en talleres comunitarios, representan vínculos familiares, mapas subjetivos de la tierra y elementos naturales y espirituales, formando un panel multimedia que celebra la creatividad y resistencia del pueblo Akroá Gamella en su lucha por la identidad y el territorio.

La Tropa do Gurilouko es una agrupación de «bate-bolas» formada en 2023 en el barrio de Campo Grande, Río de Janeiro, durante una reunión entre amigos. El “bate-bola” es una figura tradicional del Carnaval carioca, reconocida por su imponente disfraz, una máscara y una bola atada a un palo que golpea el suelo para generar un sonido distintivo.

El disfraz, que se renueva cada año, se elabora con cientos de bolsas de plástico cortadas en tiras para dar forma a su estructura volumétrica, acompañada de una máscara con ojos brillantes y la característica bola. En el 38º Panorama, la troupe realizó una presentación cerca del MAC USP y el Parque Ibirapuera como homenaje a un miembro fallecido, quien lució un vibrante disfraz amarillo en su último Carnaval.

El arte de Zimar, nombre artístico de Eusimar Meireles Gomes, se vincula profundamente con el Bumba meu boi, una tradición cultural de la Baixada Maranhense que combina teatro, danza y música. Zimar encontró su vocación como intérprete del «cazumba», un personaje místico y travieso reconocido por sus elaboradas máscaras o caretas.

Comenzó a fabricar máscaras en los años 2000 y, con el tiempo, evolucionó su técnica, pasando de trabajar con madera a usar materiales reciclados, como cascos de motocicleta, PVC y huesos de animales, debido a las limitaciones físicas que le dejó un accidente cerebrovascular en 2015. Estas máscaras combinan elementos animales y quiméricos, transformando al portador en una figura de poder y conexión espiritual.

En el 38º Panorama, Zimar exhibe diez máscaras dispuestas como un altar, destacando su carácter ritual y su capacidad para revitalizar esta rica tradición cultural.

Dona Romana desarrolla su práctica artística y espiritual desde su santuario en Jacuba, un lugar de resonancia universal que se accede a través de un arco de siete puntas. En 1974, tras una visión reveladora, dejó su tienda de cachaça para dedicarse completamente a los quehaceres espirituales. Guiada por sus “tres curadores”, se trasladó al campo, donde se formó como sanadora y profetisa.

Su práctica escultórica, que conecta los polos energéticos de la Tierra con otras dimensiones, comenzó en 1990, inspirada por voces espirituales y luces que señalaban lugares específicos para sus obras.

En el 38º Panorama del Arte Brasileño, la obra de Dona Romana se presenta a través de un mural fotográfico de su santuario, el cual actúa como un portal que traslada su espacio sagrado a la exposición. Además, se incluye un repositorio online con documentación fotográfica, grabaciones de audio y transcripciones de sus enseñanzas. Esta presentación multifacética rinde homenaje a Dona Romana como artista y mística.

---

La 38ª edición del Panorama de Arte Brasileño: Mil Graus se presenta del 5 de octubre de 2024 al 26 de enero de 2025 en el Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), Av. Pedro Álvares Cabral, 1301.

Adriano Amaral (SP), Marlene Almeida (PB), Advânio Lessa (MG), Melissa de Oliveira (RJ), Ana Clara Tito (RJ), Mestre Nado (PE), Antonio Tarsis (BA), MEXA (SP), Davi Pontes (RJ), Noara Quintana (SC), Dona Romana (TO), Paulo Nimer Pjota (SP), Frederico Filippi (SP), Paulo Pires (MT), Gabriel Massan (RJ), Rafael RG (SP), Ivan Campos (AC), Rebeca Carapiá (BA), Jayme Fygura (BA), Rop Cateh – Alma pintada em Terra de Encantaria dos Akroá Gamella (en colaboración con Gê Viana y Thiago Martins de Melo) (MA), Jonas Van & Juno B. (CE), José Adário dos Santos (BA), Joseca Mokahesi Yanomami (RR), Labō (PA) & Rafaela Kennedy (AM), Laís Amaral (RJ), Sallisa Rosa (GO), Lucas Arruda (SP), Solange Pessoa (MG), Marcus Deusdedit (MG), Tropa do Gurilouko (RJ), Maria Lira Marques (MG), Zahỳ Tentehar (MA), Marina Woisky (SP), Zimar (MA).