SOLSTICIO

Por Eduardo Carrera R. | Curador

Esta exposición celebra el solsticio como un momento de transición y transformación que marca el inicio del verano. Las obras presentadas abarcan una variedad de medios, incluyendo pintura, fotografía, collage, cerámica, escultura y dibujo. Los artistas seleccionados exploran temas como la abstracción, el paisaje y los entornos urbanos y psicológicos, adentrándose en el significado simbólico de la órbita cíclica de nuestros cuerpos alrededor del Sol. El solsticio de verano tiene una profunda importancia cultural y simbólica para estos artistas ecuatorianos, marcando el inicio de la temporada de siembra y cosecha en muchas culturas originarias de Abya Yala.

La exposición, que coincidió con el día más largo del año, es un momento de introspección y una oportunidad para reflexionar sobre la conexión con nuestro entorno. La combinación de luz, umbrales, patrones geométricos, figuras humanas, elementos naturales y entornos cotidianos evoca rituales que nos invitan a contemplar los finales y los nuevos comienzos.

Más allá de simplemente mostrar la producción de artistas ecuatorianos contemporáneos que viven en Estados Unidos, esta exposición destaca su influencia en la representación artística de dinámicas espaciales y la condición humana, exhibiendo una amplia gama de conceptos artísticos, lenguajes y posturas. Así, Solsticio es una oportunidad para familiarizarse con el trabajo de artistas originarios o de descendencia de la región ecuatorial, trascendiendo discursos nacionalistas y enfatizando sus experiencias de movilidad.

Al frente: Mary Valverde, Ángeles de la Huaca (2022). Acrílico y papel sobre tabla, cinta de encuadernación. Cortesía: Kates-Ferri Projects

Solsticio se organiza en tres áreas temáticas: «Imaginarios Andinos», «Abstracción y Cartografías Imaginarias» y «El cuerpo y el espacio». La exposición abarca obras creadas entre 2015 y 2024, un período marcado por un notable incremento en la migración de ecuatorianos, impulsado por diversos factores. Aunque la exposición no aborda directamente los temas migratorios, las obras exhibidas son de artistas que han emigrado, ya sea ellos mismos o sus familias, y que ahora residen en Estados Unidos, formando parte de la diáspora ecuatoriana.

El núcleo titulado «Imaginarios Andinos» está compuesto por las obras de Pachi Muruchu, Cecile Chong y Mary Valverde. En este apartado, las obras exploran la relación intrínseca entre lo cotidiano y los elementos característicos de los Andes, como referencias a colores, palabras, textiles, animales y diversas expresiones culturales. Las creaciones de Muruchu, Chong y Valverde examinan la continuidad y la transformación de estas visualidades en el contexto contemporáneo global, mediante temas como la memoria cultural y los conocimientos ancestrales.

Las pinturas en técnica mixta de Pachi Muruchu muestran escenas urbanas en las que el ser humano establece una relación con su entorno y con otros seres que lo habitan, como plantas y animales. Un pájaro es protagonista de las escenas de obras como Shhh Pupukwëshka puñukun (2023), Mamèthakemu pe asuwit (2023) y Pita killawan kan (2023). Este pájaro no solo sirve como elemento visual narrativo, sino que también es considerado un guía espiritual que conecta al ser humano con sus ancestros, simbolizando la libertad y el movimiento.

Cada una de sus pinturas está impregnada de referencias culturales andinas, así como de su experiencia artística y de vida en los Estados Unidos. En el centro del trabajo de Muruchu hay un deseo de acceder a una relación animista con la vida urbana contemporánea y a la multiculturalidad que ofrece la experiencia de la diáspora.

Cecile Chong, 13 Guaguas únicas (2022 – 2024). Encáustica, yeso, arpillera, plástico, pintura. Dimensiones variables. Cortesía: Kates-Ferri Projects

Cecile Chong muestra su serie de esculturas titulada Unique Guaguas (2024), piezas con forma de bebés -conocidos como guaguas o wawas en el contexto andino- elaboradas con papel maché y otros materiales. Cada pieza es única y está pintada con colores vibrantes que evocan el fajado de los bebés en los Andes. Esta práctica milenaria, que se presume data de la época inca, consiste en envolver al recién nacido con una manta y luego con una faja, llamada ‘chumpi’. Según la creencia, este envoltorio, ni muy apretado ni muy suelto, ayuda a que la wawa crezca con huesos fuertes y bien formados, además de protegerla del frío.

En su obra Huaca (2022), Mary Valverde emplea diagramas y patrones aritméticos para explorar los conceptos de tiempo y espacio, con un enfoque en la indigeneidad y los sistemas de conocimiento indígenas de los Andes. Inspirándose en los tejidos andinos y en las huacas como estructuras —templos, pirámides o tumbas—, Valverde utiliza formas geométricas para rescatar conocimientos históricamente marginados, destacando a sus ancestros y ancestras de los Andes. Estos conocimientos, anteriormente colonizados, constituyen para Valverde una fuente de empoderamiento y una práctica anticolonial contemporánea, subrayando su supervivencia, poder y relevancia como la base original del conocimiento humano.

Pachi Muruchu, Shhh Pupukwëshka puñukun / Donde crece Mwimënshi (2023). Crayón, lápiz de color y collage sobre papel. Cortesía: Kates-Ferri Projects

Juan Miguel Marín, Serie Parajes (2022). Técnica mixta sobre panel de madera | Serie Archipiélago (2020). Técnica mixta sobre lienzo. Cortesía: Kates-Ferri Projects

Ronny Quevedo, Globo errante (2015). Vejiga de balón de fútbol y soporte de globo terráqueo. Cortesía: Kates-Ferri Projects

En «Abstracción y Cartografías Imaginarias», las obras de Ronny Quevedo, Juan Miguel Marín y Stephano Espinoza Galarza investigan la relación entre la abstracción y la representación del mundo a través de mediciones, composiciones y la transmutación de formas y figuras. Estos artistas crean imágenes simbólicas de planetas, islas, paisajes psicológicos y geografías superpuestas, explorando la idea de la cartografía y la topografía. Sus obras desafían las percepciones tradicionales de la espacialidad, sugiriendo que nuestras interpretaciones del entorno son subjetivas y multifacéticas.

Errant Globe (2015) es una escultura de Ronny Quevedo que refleja su aproximación distintiva hacia temas como la migración y la identidad territorial, utilizando el fútbol como metáfora cultural. En esta obra, el artista transforma una pelota de fútbol en un globo terráqueo, desafiando las nociones de territorio y frontera y planteando cómo los desplazamientos y las experiencias migratorias remodelan nuestras percepciones del espacio geográfico y la identidad cultural. En los contextos latinoamericanos y sus diásporas, donde el fútbol constituye una parte integral de la identidad colectiva y el sentido de comunidad, Quevedo resalta su relevancia en la creación de nuevos entendimientos culturales.

Stephano Espinoza Galarza, Garita (2024). Óleo sobre panel. Cortesía: Kates-Ferri Projects

De Juan Miguel Marín se exhiben Parajes (2022) y Archipiélago (2020), series de dibujos y collages que simulan islas o archipiélagos realizados con diferentes materiales y trazos. Estas abstracciones de una geografía insular exploran las distancias, tanto territoriales como afectivas, presentes en las realidades de los sujetos extranjeros en la diáspora. Marín expone gran parte de las superficies sobre las que trabaja a la luz solar, permitiendo que esta transforme no solo el color, sino también la textura del papel.

Las pinturas de Stephano Espinoza Galarza, Icy with no land (2023) y Garita (2024), se relacionan con memorias veladas, narrativas arquetípicas y delirios. Sus obras desafían la distinción entre la forma tangible y la representación, llevando a sujetos, objetos y estructuras a través de una metamorfosis. El artista manipula meticulosamente sus composiciones pictóricas con un espíritu de libertad y experimentación. Las formas ambiguas en sus pinturas, una fusión de lo real con lo imaginado, evocan un paisaje onírico.

Vista de la exposición “Solsticio”, en Kates-Ferri Projects, Nueva York, NY, 2024. Foto cortesía de la galería.

Karina Aguilera Skvirsky, Rock Climbing (2024). Impresiones de inyección de tinta de archivo con collage, alpaca. Cortesía: Kates-Ferri Projects

«El cuerpo y el espacio» reúne las obras de Karina Aguilera Skvirsky, Gabriela Chérrez y Boris Torres, artistas que se enfocan en el cuerpo y su relación con el deseo, la fantasía, la sensualidad, la cotidianidad y el entorno. Sus obras sugieren cómo el cuerpo interactúa con el espacio que ocupa y cómo este espacio, a su vez, moldea las experiencias y la subjetividad. La corporalidad es concebida como un territorio de resistencia, transformación y disfrute.

Los collages fotográficos de Karina Aguilera Skvirsky, Rock Climbing (2024), Ana and me (2024) y Dreaming of Ingapirca (2024), utilizan Ingapirca, un sitio arqueológico en Ecuador, como punto de partida para celebrar las hazañas de ingeniería de la arquitectura inca e integrar el cuerpo en este contexto histórico y cultural. Este proyecto explora un aspecto onírico y místico de Ingapirca, la mayor ruina arqueológica de Ecuador, construida por los incas y modificada por los cañaris. Aguilera aparece en las imágenes en una conexión cósmica con las piedras de Ingapirca, cubriendo su cuerpo con alpaca y flotando en la atmósfera del cosmos andino. Las ruinas y sus artefactos milenarios son interpretados como catalizadores de delirios, sueños y ficción en esta serie de collages fotográficos que capturan una singular energía mística.

Gabriela Chérrez, Fracaso sentimental #14 (2018). Cerámica, pintura dorada y madera. Edición 1/2. Cortesía: Kates-Ferri Projects

Sentimental Failure #14 (2016) es una de las 15 esculturas de la serie Fracasos Sentimentales de Gabriela Chérrez, que retrata a la artista en diversos (des)encuentros con personas que ha conocido. La serie reconstruye estos episodios amorosos a partir de narraciones escritas, que luego se materializan en piezas de cerámica a escala 1:10 basadas en modelos de sus objetos personales y espacios cotidianos.

En la obra expuesta, Chérrez rememora a Adrián, un amor fugaz de verano en las playas de Barcelona que perdura en su memoria. Los objetos presentes en la obra se inspiran en juguetes infantiles, evocando sueños de un futuro ideal, mientras que el verano y la playa actúan como escenarios idóneos para el romance. El lenguaje coloquial de las historias busca establecer una conexión cercana, como si Chérrez estuviera compartiendo sus experiencias con un amigo o amiga.

Los retratos de Boris Torres, El Flautista (2024) y En la mañana (2024), abordan temas de la vida diaria con una mirada emotiva hacia las experiencias de la comunidad LGBTQ+ y la diáspora queer latinoamericana. En cada pintura vemos un joven semidesnudo, uno en una escena diurna, recibiendo los primeros rayos de sol de la mañana sobre su piel, y el otro tocando una flauta en el crepúsculo de la noche. Ambas obras combinan elementos figurativos con colores vibrantes para destacar las texturas de sus pinceladas. El pequeño formato de los cuadros intensifica la intimidad de las escenas, invitando al público a adentrarse en el mundo íntimo, sutil y personal que capturan.

Esta exposición no solo celebra una tradición cultural ancestral que marca la temporada de siembra y cosecha en Abya Yala y el cambio de año en los Andes, sino que también promueve una reflexión sobre nuestra conexión con el entorno natural, cotidiano y cultural que habitamos en un mundo globalizado. Solsticio se erige como una plataforma para conectar con las narrativas y vivencias de artistas ecuatorianos en la diáspora, ofreciendo una perspectiva enriquecedora que trasciende las fronteras y resalta la diversidad y complejidad de sus visiones creativas y personales.

Boris Torres, En la mañana (2024). Óleo sobre tabla.. Cortesía: Kates-Ferri Projects

SOLSTICIO

Karina Aguilera Skvirsky, Gabriela Cherrez, Cecile Chong, Stephano Espinoza, Juan Miguel Marin, Pachi Muruchu, Ronny Quevedo, Boris Torres y Mary Valverde.

Kates-Ferri Projects, 561 Grand Street, Nueva York, NY

Del 19 de junio al 20 de julio de 2024