ROBA ROTTA: PRIMERA INDIVIDUAL DE LIVIA MARÍN EN ITALIA

La Galleria Patricia Armocida, en Milán, presenta hasta fines de marzo la primera exposición individual en Italia de la artista chilena Livia Marín (Santiago de Chile, 1973, vive y trabaja en Londres). La muestra, titulada Roba Rotta (Broken Things / Cosas Rotas) incluye más de veinte esculturas de cerámica y resina, treinta y ocho fotografías de pequeño y mediano formato bordadas con hilo de oro, y una instalación site-specific.

Vista de la exposición Roba Rotta (Broken Things / Cosas Rotas), de Livia Marín. 2015. Cortesía: Galleria Patricia Armocida, Milán

Vista de la exposición Roba Rotta (Broken Things / Cosas Rotas), de Livia Marín. 2015. Cortesía: Galleria Patricia Armocida, Milán

Livia Marín, Nomad Pattern, 2015, cerámica serigrafiada y yeso, 24 x 43 x 12,5 cm. Cortesía: Galleria Patricia Armocida, Milán

Vista de la exposición Roba Rotta (Broken Things / Cosas Rotas), de Livia Marín. 2015. Cortesía: Galleria Patricia Armocida, Milán

Livia Marín utiliza objetos cotidianos para explorar la forma en que nos relacionamos con los objetos materiales y la relación que desarrollamos con ellos en una era dominada por la producción en masa, la estandarización y la circulación global. La artista se apropia de fragmentos de juegos de té, industrialmente producidos en serie y caracterizados por patrones decorativos impresos mecánicamente, convirtiéndolos en piezas únicas, hechas a mano.

En la obra Broken Things, tazas de té, cuencos, jarras y tinajas aparecen paradójicamente rotas, aunque completas. Así, lo que se contiene y lo que está contenido forman una especie de tercer objeto indeterminado, suspendido entre la formación y la disolución. Es el patrón decorativo de los objetos, que simultáneamente permanece y se aparta de su lugar común, lo que mantiene la ambigüedad de estos objetos.

Un ejemplo de ello es el patrón recurrente utilizado por la artista, el del Sauce (Willow, en inglés), que se puede encontrar en muchas cerámicas producidas comercialmente. El origen de este motivo decorativo, una reminiscencia de la antigua cerámica azul y blanca china, en realidad proviene de Inglaterra, durante la época de la Revolución Industrial.

Este patrón fue inventado por un inglés y mientras que en épocas anteriores las cerámicas azul y blanco se asociaron con la aristocracia, ahora estos patrones han caído en el uso excesivo: se han convertido en algo así como un logotipo impreso en las grandes cantidades de cerámica que se encuentran en cualquier tienda por departamentos.

El patrón del Sauce es esencialmente un ejemplo irónico de cómo esta «marca» está ahora completamente desvinculada de cualquier garantía de calidad que una vez le caracterizó, de la dignidad y la singularidad del modelo original, y de su circulación universal.

Vista de la exposición Roba Rotta (Broken Things / Cosas Rotas), de Livia Marín. 2015. Cortesía: Galleria Patricia Armocida, Milán

Livia Marín, Nature Morte, 2010, fotografía a color, hilo dorado, papel, marco de madera, 74 x 122 x 4,7cm. Cortesía: Galleria Patricia Armocida, Milán

Livia Marín, Broken Things, 2015, fotografía a color, hilo dorado, papel, marco de madera, 26 x 26 x 3,2 cm. Cortesía: Galleria Patricia Armocida, Milán

Livia Marín, Solihull, 2015, fotografía a color, hilo dorado, papel, marco de madera, 17,3 x 17,3 x 3,2 cm. Cortesía: Galleria Patricia Armocida, Milán

Otro tema fundamental para Livia Marín es el momento de tensión entre el deseo de preservar o descartar un objeto roto.

En la serie de fotografías Broken Things, los objetos aparecen incompletos. Los fragmentos de fotografías, desgarrados y pacientemente reconstruidos con hilo de oro, evocan la técnica japonesa para la restauración y embellecimiento de objetos. Las fracturas representan la fatalidad y la pérdida y se rellenan mediante la reparación y rescate del objeto.

Tanto el acto de fotografiar como el acto de «zurcir», donde el oro recupera lo que está ausente o perdido, representan metafóricamente la memoria.

En otra serie, Nature Morte, la artista se apropia de ciertos códigos de bodegones con vanitas del siglo XVII. Marín reinterpreta este género artístico mediante la exploración de la jerarquía de los objetos, analizando sus órdenes espaciales, sociales y políticos, con base en el valor personal que han adquirido a través del tiempo. En un mundo acostumbrado a hurgar en la basura y comprar compulsivamente, estas obras son un poderoso recordatorio de que ningún aspecto de la cultura material puede escapar de las connotaciones ideológicas de valor.