En línea con las reformulaciones programáticas que han estado ocurriendo a nivel institucional en Brasil, especialmente tras la elección del ultra derechista Jair Bolsonaro como presidente del país, SP-Arte, su principal feria de arte, celebra entre el 3 y 7 de abril su 15° edición poniendo el acento en el arte creado por artistas mujeres, afrodescendientes y latinoamericanxs.

En un gesto por reflejar tanto los avances como las fricciones inherentes a las políticas de inclusión y representatividad equitativa en los circuitos del arte a nivel mundial, la feria ha dedicado este año su sección Solo a América Latina, y ha destacado, a través de artículos publicados en su sitio web, el papel de galeristas mujeres brasileñas –Jaqueline Martins, Luciana Brito, Luisa Strina, Marilia Razuk, Márcia Fortes, Nara Roesler, Raquel Arnaud, Vilma Eid-, así como las propuestas de algunas galerías participantes que reflejan la realidad demográfica de Brasil, cuya población está compuesta en su mayoría por mujeres, negros y mulatos.

Los esfuerzos por encaminar una sociedad pluralista se han visto en las programaciones de los dos a tres últimos años de las instituciones de arte del país. En ese sentido, dice la periodista Carollina Lauriano, “es importante pensar también cómo estas cuestiones se aplican en SP-Arte, y cómo una feria de arte absorbe esas demandas en un ámbito comercial”.

Miguel Rio Branco, Sin titulo, 1983/2016. Cortesía: Galeria Luisa Strina
Claudia Andujar, ‘A Floresta - Maloca próxima à missão católica do rio Catrimani’, 1976, fotografía infrarroja © Claudia Andujar. Cortesía: Galeria Vermelho

“Observando la lista de artistas participantes de los sectores curados de esta edición, percibo un cambio significativo: siguiendo la misma dirección del escenario artístico, esa lista es ahora más diversa en cuanto a género y raza. Las mujeres ya son casi la mitad de los artistas seleccionados, pero el número cae drásticamente cuando se trata de mujeres negras: alrededor del 1%. Los artistas negros, aunque están incluidos en la feria, también son minoría. Para que más artistas de las ‘minorías mayoritarias’ se inserten cada vez más en el circuito es preciso que toda la industria continúe repensándose, día tras día, pues tales cambios exigen esfuerzos sistémicos que involucran toda la cadena del arte, de lo institucional a lo comercial”, agrega Lauriano.

Una acción concreta en este sentido serán las visitas guiadas que ofrecerá Bianca Leite, educadora y artista visual que investiga metodologías de trabajo en el arte-educación a partir de temas como raza, clase y género. En sus recorridos por la feria junto al público abordará la historia del arte diaspórica y se detendrá en la práctica de artistas afro contemporáneos, como Melvin Edwards, Lorraine O’Grady, Jaime Lauriano, Randolpho Lamonier, Ayrson Heráclito y Antonio Obá.

Como en ediciones anteriores, SP-Arte 2019 se celebra en el Pabellón de la Bienal de São Paulo, una construcción emblemática de Oscar Niemeyer inserta en el Parque Ibirapuera. Las 165 galerías participantes –el mayor número hasta la fecha- representan en conjunto a unos 2.000 artistas, repartidos entre la Sección General y los programas curados Solo, Masters y Performance.

Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, ‘Edifício Recife’, 2013, tinta sobre papel de algodón. © Bárbara Wagner & Benjamin de Burca. Foto: Edouard Fraipont. Cortesía: Fortes D’Aloia & Gabriel, São Paulo/Rio de Janeiro
Arjan Martins, Sin título, 2018. Cortesía del artista y A Gentil Carioca

SECCIÓN GENERAL. DE ARTISTAS “BLUE CHIP” A LA CUESTIÓN DE RAZA

Junto a nombres locales establecidos como Mendes Wood DM, Fortes D’Aloia & Gabriel, Luciana Brito Galeria, Galeria Luisa Strina o Galeria Nara Roesler, SP-Arte 2019 cuenta con una importante presencia internacional, así como de galerías de otras regiones de Brasil que vienen a descentralizar el eje São Paulo-Rio de Janeiro. Un buen grupo de galerías “blue chip” -como Alexander Gray (Nueva York), Franco Noero (Turín) o Continua (San Gimignano)- llevan a escena paulista artistas de coleccionismo seguro. La neoyorquina Lisson, por ejemplo, presenta por primera vez en Brasil a la artista francesa Laure Prouvost, quien representará a su país en la Bienal de Venecia de este año, así como obras de Pedro Reyes, Anish Kapoor, Daniel Buren y Richard Long, entre otros.

Fortes D’Aloia & Gabriel expone nuevas obras de Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, el dúo que representará a Brasil en la Bienal de Venecia; de Erika Verzutti, que tiene actualmente una individual en el Centre Pompidou de Paris; de Ernesto Neto, que está por abrir una gran muestra en la Pinacoteca de São Paulo este 30 de marzo; y de Jac Leirner, artista brasileña que también exhibe en la feria con la Galleria Franco Noero. Luisa Strina, en tanto presenta una nueva escultura en bronce de Anna Maria Maiolino, quien tendrá una individual en la Whitechapel Gallery de Londres a fines de año, y obras de Leonor Antunes, representante de Portugal en Venecia.

Son muchos los grandes nombres internacionales que se podrán ver en los stands de la sección principal –Neil Beloufa, Ai Weiwei, Olafur Eliasson, Rirkrit Tiravanija, Wolfgang Tillmans, Fred Sandback, Dan Flavin, Richard Serra, Gordon Matta-Clark, Donald Judd– pero esa oferta se balancea con la de otros artistas internacionales no tan altamente cotizados pero ciertamente estimulantes, algunos de ellos caracterizados por explorar temáticas contingentes, como las migraciones, el colonialismo, identidad y género.

A Gentil Carioca (Rio de Janeiro), por ejemplo, presenta a Arjan Martins, artista afro-brasileño que aborda el tema de la diáspora africana y las migraciones afro-atlánticas ocurridas durante la era colonial brasileña. Mendes Wood DM, por su parte, presenta a tres artistas brasileños contemporáneos: Sonia Gomes, cuyas esculturas tejidas o hechas con textiles abordan su propia biografía y temas de identidad racial; Antonio Obá, quien propone en sus obras una reflexión íntima sobre el cuerpo de raza negra y mixta; y Paulo Nazareth, con un trabajo de performance e instalación que a menudo explora sus raíces africanas e indígenas.

Alejandra Prieto, Sin título, 2019, 28 serigrafías. Cortesía: Die Ecke
Sandra Vásquez de la Horra, ‘Astros que brillan’, 2014, grafito sobre papel, cera. Cortesía: Bendana Pinel Art Contemporain
Nicole Franchy, ‘Peculiar Arrangements’, 2019, (díptico), collage, impresión a chorro de tinta sobre papel de algodón. Cortesía de la artista e IK Projects

SOLO, LA SECCIÓN DE LATINOAMÉRICA

Esta sección, que este año se dedica a América Latina, presenta a doce artistas –cada uno en su propio stand- bajo la curaduría de la chilena Alexia Tala, quien conoce de cerca la región a partir de su incursión en proyectos independientes o de bienales como la 8ª Bienal del Mercosur, la 4ª Trienal Poligráfica de San Juan de Puerto Rico, y la 20ª Bienal de Arte Paiz de Guatemala, que volverá a curar en 2020.

En Solo, Alexia Tala se ha propuesto desafiar la influencia colonizadora que moldeó la visión eurocéntrica que los latinoamericanos tienen de sí, al verse como una tierra descubierta y civilizada a partir del contacto con los europeos. La presentación del sector propone invertir ese pensamiento por medio de la arquitectura e historia cultural, la antropología y la etnografía, para introducir nuevos conceptos críticos que unen las diferentes regiones de América Latina.

“El gesto político de desnaturalizar la representación extranjera y revertir la acción subyugadora del otro cruzó el arte y la cultura de América Latina desde el mapa de Joaquín Torres-García hasta la actitud antropofágica y sus subsiguientes lecturas e interpretaciones. Este gesto ya es inalienable en la historia. Las constantes históricas, en la contemporaneidad, nos obligan a actualizar las lecturas del territorio y las imágenes de éste de manera crítica y reflexiva. Es bajo esta premisa que el sector Solo presenta una agrupación de artistas cuyos trabajos tienen el potencial de revisión y recreación de las prácticas colonizadoras en las representaciones del continente americano. Las cuestiones iniciales enfatizan la validez de la ideología colonial que trazó el destino de la región, asimilando el carácter histórico de la mirada exotista y su papel en la configuración de la jerarquía global que se perpetúa hoy”, escribe Alexia Tala en su texto curatorial, titulado Outras Américas.

Alexia Tala establece un diálogo entre proyectos distintos que cuestionan el estatuto de las identidades latinoamericanas y establecen relaciones entre narrativas aparentemente inconexas. En este sentido, se trazan diálogos por medio de cuatro ejes curatoriales que aproximan las producciones brasileñas a otras de la región latinoamericana. Su selección explora miradas críticas sobre las consecuencias de la explotación de recursos naturales, los territorios reales e imaginarios del continente, ancestralidad y tradición, además de la mezcla entre estrategias documentales y narrativas poéticas.

Ayrson Heráclito, ‘Barrueco colar’, 2005, de la series ‘Sangue Vegetal’. Cortesía: Portas Vilaseca
Randolpho Lamonier, ‘Profecias’, 2018, costura y bordado en tela. Cortesía: Periscopio Gallery
Feliciano Centurión, Sin título, 1989, acrílico sobre papel. Cortesía: Walden

Ayrson Heráclito (Galeria Portas Vilaseca, Brasil), artista brasileño que utiliza la fotografía y la imagen en movimiento para registrar performances de carácter ritual que exploran la imaginería religiosa de la cultura afro-bahiana bajo una perspectiva decolonial, es uno de los artistas destacados en esta sección, así como el paraguayo Feliciano Centurión (Walden Gallery, Argentina), quien se apropia de técnicas tradicionales, como el bordado en mantas y cojines, para expresar imágenes y palabras de su mundo interior. El bordado también es uno de los procedimientos empleados en la obra reciente de Randolpho Lamonier (Galeria Periscopio, Brasil). El artista brasileño presenta en Solo un acercamiento lúdico a problemas políticos a través de obras textiles en las que inscribe declaraciones premonitorias de logros progresistas en un futuro hipotético del país, como «La primera mujer negra se convierte en presidenta de Brasil – 2027».

La sección incluye además el debut en SP-Arte de las galerías Bendana-Pinel Art Contemporain (Francia), Die Ecke Arte Contemporáneo (Chile) y Patricia Ready (Chile). La primera presenta trabajos de Sandra Vásquez de la Horra (Chile), artista que a través del dibujo como principal lenguaje retrata figuras en las que se funden culturas, mitos y creencias.

Die Ecke lleva la obra de Alejandra Prieto, artista chilena que hace uso metonímico de materiales como el cobre y el litio para comentar sobre el sistema de explotación mineral que sostiene la economía de su país. Entre las obras que presentará en Solo se encuentran 28 serigrafías en las que vemos algunos símbolos de la tabla periódica de minerales, junto a los logos de las compañías internacionales que los extraen. Este trabajo fue presentado por primera vez a fines del año pasado en el Proyecto Fachada de la Sala de Arte Público Siqueiros de la Ciudad de México, bajo el título de Los Alquimistas.

Otra galería chilena, Patricia Ready, presenta a María Edwards, artista chilena que reconfigura el espacio a través de instalaciones conformadas por constelaciones de objetos encontrados que generan composiciones de alta precisión, pureza estética y control de materiales.

La galería española Espaivisor retorna a la feria con una individual de Fernando Bryce (Perú), cuyo trabajo se centra en la apropiación y reproducción mediante el dibujo de documentos de la cultura de masas. En la sección también participa otra artista peruana, Nicole Franchy (IK Projects, Perú), quien se vale de la fotografía, el collage y el diseño para crear instalaciones a partir de una mirada más etnográfica.

El artista brasileño Rafael Pagatini (representado por OÁ, Brasil) presenta grabados, fotografías e instalaciones que investigan las relaciones entre arte, memoria y política, mientras que la dupla Manata Laudares (Sé, Brasil) lleva trabajos de formatos diversos que discuten las ambigüedades del mundo virtual, la circulación de la información y la música.

Rydias, Sin título, sin fecha, tinta sobre papel © Central
Analivia Cordeiro, ‘Video, M3x3’, 1973. Cortesía: Aninat Galería
Rubens Gerchman, Sin título (Living Box), 1968/98, pintura y pegamento sobre madera. Cortesía: Galeria Superfície

MASTERS. FIGURAS CLAVES, ALGUNAS OLVIDADAS

El sector Masters (antes Repertorio) llega a su tercera edición bajo la curaduría de Tiago Mesquita. El crítico y profesor de historia del arte asume esta sección antes curada por Jacopo Crivelli Visconti, quien acaba de ser nombrado como el próximo curador de la Bienal de São Paulo. Mesquita presenta obras producidas entre los años 1950 y 1980 de artistas establecidos que no han sido ampliamente exhibidos a nivel institucional.

«He dado prioridad a artistas que piensan las vanguardias después de que las promesas utópicas de la modernidad se disiparan», afirma el curador. Las problemáticas inherentes al período, tales como crisis de representación y un sesgo conceptual de tono crítico, permean esas producciones, todas de artistas del Sur Global. En su selección, Mesquita se decantó por la diversidad estética de las obras, incluyendo a video-artistas, pintores, performers y artistas conceptuales.

Con obras expuestas en dos de las principales exposiciones paulistanas de 2018, Mujeres radicales, exhibida por la Pinacoteca do Estado, e Historias de la sexualidad, en el Museo de Arte de São Paulo (MASP), Leticia Parente (Galeria Jaqueline Martins, Brasil) está presente en el sector como una de las pioneras del videoarte en Brasil. A ella se une la también precursora del video Analívia Cordeiro (Aninat Galería, Chile), quien además fue una bailarina y coreógrafa que investigó las artes del cuerpo en asociación con los medios electrónicos.

Otra artista fundamental del arte brasileño presente en la muestra es Lygia Pape (representada en SP-Arte por Almeida y Dale, Brasil), nombre seminal del movimiento neoconcreto que contribuyó a la expansión de los límites artísticos y dejó un legado multidisciplinario. También se incluye a Yamandú Canosa (Zielinsky, España), artista representante de Uruguay en la Bienal de Venecia interesado en temas como identidad cultural, memoria, relaciones interpersonales y migraciones.

Junto a estos y otros artistas que conforman la sección Masters está el también diseñador y arquitecto José Ricardo Dias, más conocido como Ridyas (representado por Central, Brasil), quien pese a su corta trayectoria es artífice de una obra concisa, que hace uso de la palabra para la creación de gráficos irónicos con una buena dosis de crítica social.

Carlos Fajardo, Sin título, 1989. Parte de la sección Masters de SP-Arte 2019. Cortesía: Galeria Marcelo Guarnieri

PERFORMANCE. CÓMO COLECCIONARLO

El sector Performance regresa este año a SP-Arte bajo un nuevo formato: deja de ocupar un espacio específico y vuelve a esparcirse por el Pabellón de la Bienal. Marcos Gallon, director artístico de Verbo – Mostra de Performance Arte, asume la curaduría del núcleo.

Sus seis trabajos seleccionados reflejan la diversidad de prácticas que constituyen el campo del performance. «Puedo identificar algunas características de los performances hechos en Brasil: hay artistas que se acercan a ideas ancestrales; artistas que emplean otros medios, creando herramientas o extensiones del cuerpo; artistas que se acercan a la literatura, entre otros. Me interesan las cuestiones prácticas del hacer que integran fuertemente el campo del performance «, afirma Gallon.

En una colaboración entre SP-Arte y la Pinacoteca do Estado de São Paulo, el equipo de curadores del museo elegirá uno de los performances presentados en la feria para integrarlo su acervo. La donación de la feria pretende incentivar la presencia de esta modalidad artística en los contextos comercial e institucional del arte.

«Hay artistas que autorizan que el registro de la acción sea presentado, así como su re-escenificación en contextos específicos. Pero hay otros que privilegian la experiencia en vivo. A pesar de ser complejo, el acto de coleccionar performances es posible por medio de registros audiovisuales o documentales. Queremos justamente fomentar colecciones de ese tipo en Brasil», agrega el curador.

Durante SP-Arte, avaf (asume vivid astro focus) (Casa Triángulo, Brasil) presentará un performance inédito que integra cultura popular y danzas contemporánea y afro. La coreografía se realiza sobre una alfombra bailable en compañía de una banda sonora producida en vivo. Otros artistas incluidos en el programa son Cadu (Vermelho, Brasil), Cristiano Lenhardt (Fortes D’Aloia & Gabriel, Brasil), Jorge Soledar (Portas Vilaseca, Brasil), Maria Noujaim (Galeria Jaqueline Martins, Brasil) y Jaime Lauriano (Galeria Leme/AD, Brasil).

OPENSPACE. INTERVINIENDO IBIRAPUERA

Este año, SP-Arte lanza el programa OpenSpace, que permitirá a algunas de las galerías participantes exhibir por primera vez esculturas e instalaciones de gran escala en las afueras del icónico edificio de Niemeyer, con el exuberante paisaje del Parque Ibirapuera como telón de fondo. Curado por Cauê Alves, director del Museo Brasileño de Escultura y Ecología (MuBE), este sector presenta obras históricas de aclamados artistas brasileños como Helio Oiticica (Arte57, su galería, lleva Penetrável Macaléia, de los años 70), junto a artistas contemporáneos como André Komatsu (Vermelho) y Eduardo Navarro (Nara Roesler).


Imagen destacada: Rodrigo Braga, Sin título, de la serie Os Olhos Cheios de Terra I, 2018. Cortesía: Anita Schwartz Galeria