De Buenos Aires a Londres, de Ciudad de México a Barcelona, hemos seleccionado las exposiciones más relevantes que tendrán lugar en 2017 en algunos de los principales museos del mundo que han dado a conocer su futura programación. Muestras que, desde ya, recomendamos por ser prometedoras. Y seguramente se nos escapan muchas.

 

ARGENTINA

MALBA

General Idea. Tiempo partido

Del 24 de marzo al 25 de junio de 2017

Curador: Agustín Pérez Rubio

Tiempo partido es la primera exposición retrospectiva en Argentina de General Idea, colectivo de artistas canadienses formado en 1969 por AA Bronson, Felix Partz y Jorge Zontal. A lo largo de 25 años de carrera (1969-1994), el grupo produjo un importante cuerpo de obra en diferentes soportes y formatos, que abrió nuevos caminos y continúa siendo hoy una referencia para las nuevas generaciones de artistas de todo el mundo.

Curada por Agustín Pérez Rubio, Director Artístico de MALBA, la exposición es un repaso por la trayectoria de General Idea y aborda temas como la arqueología, la historia, el sexo, la raza, la enfermedad, la autorepresentación y el mito del propio grupo, objeto recurrente de su producción. Reúne cerca de 120 obras en todos los formatos de su trabajo: performances, videoarte, fotografía, publicaciones, instalaciones y las ediciones múltiples de objetos de consumo masivo.

La exposición fue coproducida por MALBA y Fundación Jumex, donde se presenta hasta el 12 de febrero de 2017.

MALBA

Diane Arbus. En el principio

Del 17 de julio al 9 de octubre de 2017

Curador: Jeff L. Rosenheim, Curador en Jefe de Fotografía, The Metropolitan Museum of Art (The Met)

Organizada por The Metropolitan Museum of Art (Nueva York), la exhibición presenta por primera vez en Argentina un conjunto de 100 fotos de Diane Arbus (Nueva York, 1923-1971), una de las artistas más influyentes de la fotografía del siglo XX. Se trata de la primera colaboración del Met con una institución argentina.

La muestra se enfoca en los primeros siete años en los que Arbus trabajó con su cámara en las calles de la ciudad de Nueva York (1956-1962), período en el que la artista desarrolló los temas centrales de su carrera y su estilo, que rápidamente sería reconocido, alabado, criticado e imitado en todo el mundo. La mayor parte de las fotos pertenecen al Archivo Diane Arbus del Met –adquirido en 2007 a los herederos de la artista– y son inéditas. Ofrecen, por lo tanto, una oportunidad sin precedentes para que visitantes e investigadores exploren en profundidad la génesis creativa de esta artista fundamental. Además, se presentará el portafolio Una caja de diez fotografías, que Arbus produjo entre 1970 y 1971.

MALBA

México moderno 1900 -1950

Del 3 de noviembre de 2017 al 19 de febrero de 2018

Curadoras: Paulina Bravo (MUNAL) y Victoria Giraudo (MALBA)

Organizada en colaboración con el Museo Nacional de Arte, México (MUNAL) y MALBA, la exposición mostrará un amplio panorama de la vanguardia mexicana en un recorrido de 140 obras clave de artistas como Diego Rivera, Frida Kahlo, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, Dr. Atl, María Izquierdo, José Guadalupe Posada, Leonora Carrington, Remedios Varo y Kati Horna, entre otros. Se incluyen pinturas, esculturas, dibujos, grabados, objetos populares, revistas, fotografías y documentación.

MALBA

Mirtha Dermisache

Del 11 de agosto al 16 de octubre de 2017

Curador: Agustín Pérez Rubio

La exposición se centra en la producción de la artista argentina Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012), desde su primer libro realizado en 1967 hasta sus últimas producciones en los años 2000. Dermisache desarrolló una obra caligráfica a través de “escrituras ilegibles”, término acuñado por Roland Barthes, quien en 1971 manifestó gran interés por su obra y destacó su capacidad de alcanzar la “esencia de la escritura”.

Acompañando a la exposición, se publicará un catálogo co-producido con Fundación Espigas con textos inéditos de Agustín Pérez Rubio, director artístico de MALBA; Guy Schraenen, editor y fundador de la editorial Guy Schraenen éditeur y Archive for Small Press & Communication (A.S.P.C.); Belén Gache, escritora y poeta; y Lucia Cañada (UBA-IDEAS-UNSAM).

MALBA

Ximena Garrido Leca. Estados nativos

Del 14 de julio al 23 de octubre de 2017

Curadora: Lucrecia Palacios

Primera exposición individual de la artista peruana Ximena Garrido-Lecca (Lima, 1980) en Buenos Aires, Estados naturales es un proyecto específico para la sala 1 de MALBA. La exposición se estructura como un proceso en curso, a través del cual objetos industrializados de cobre recobran su forma original como “cobre nativo”, la forma en la que puede encontrarse el mineral en estado natural.

En la primera sala se exhibirá una instalación compuesta por diferentes objetos de cobre industrializados. Cada semana, fuera del horario de apertura del museo, varios de estos objetos serán fundidos usando un horno para metales. El cobre en estado líquido será vertido en moldes prefabricados industriales, creando diferentes formas de cobre nativo. Durante la visita, el espectador verá las huellas de la actividad realizada, así como una serie de herramientas y utensilios de fundición utilizados en el proceso. En una tercera sala, las formas recién procesadas de “cobre nativo” se presentarán en una exhibición museográfica, utilizando gabinetes de vidrio, estanterías y diferentes soportes utilizados en pantallas geológicas.

MALBA

Alexander Apóstol. Geometría, acción y souvenirs del discurso insurgente: Tucumán arde

Del 1 de diciembre de 2017 al 19 de febrero de 2018

Curadores: Agustín Pérez Rubio y Diana Wechsler

América Latina, durante el siglo XX, cohesionó una parte importante de su discurso artístico al pensamiento político de la época, tratando de generar preguntas y respuestas ante los reclamos sociales de su tiempo. Los movimientos artísticos más destacados de la región se desarrollaron a la par de eventos políticos o sociales; o mejor aún, éstos impulsaron una nueva forma de concebir la discusión política y facilitar su inserción en el engranaje social. El proyecto expositivo de Alexander Apóstol (Venezuela, 1969) para MALBA, en coproducción con la Bienal de UNASUR, consistirá en plantear una discusión abierta y colectiva sobre la reproducción y pertinencia de un proyecto de arte político ya ajeno a las circunstancias por el cual fue creado.

MUNTREF

Sublevaciones

Junio a septiembre de 2017

Curador: Georges Didi-Huberman

El  investigador, teórico y curador francés Georges Didi-Huberman, profesor en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales y autor de múltiples ensayos, lleva al Museo de la Universidad de Tres de Febrero, en Buenos Aires, la muestra Sublevaciones, un proyecto en colaboración con el Jeu de Paume (París), el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC, Barcelona), el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC, México) y el Muntref. La muestra, que ya fue expuesta en otras partes del mundo, está compuesta por pinturas, fotografías, videos e instalaciones, todas obras visuales relacionadas con las revueltas, rebeliones o revoluciones (las “sublevaciones” del título) en la historia de la humanidad.

La muestra incluye a artistas, autores y pensadores como Francis Alÿs, Marcel Duchamp, Francisco de Goya, Leandro Katz, Man Ray, Tina Modotti, Robert Morris, Art & Language, Antonin Artaud, Joseph Beuys, Graciela Sacco, Wolf Vostell, Artur Barrio, André Breton, Marcel Broodthaers, Federico García Lorca, Jean-Luc Godard, Chris Marker, Cildo Meireles, Henri Michaux, Pier Paolo Pasolini, Pablo Picasso, Sigmar Polke, Jacques Rancière, Alain Resnais, Manuel Álvarez Bravo, Henri Cartier-Bresson, Francisca Benítez, Eduardo Gil, Joan Miró, Estefanía Peñafiel Loaiza y Enrique Ramírez.

PROA

Yves Klein. Retrospectiva

Marzo a junio 2017

Curadores: Daniel Moquay, Yves Klein Archives

La exhibición, de carácter retrospectivo, presenta las obras más emblemáticas de Yves Klein, uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo del siglo XX, por primera vez en Argentina. El artista, de trayectoria audaz, continúa inspirando a las nuevas generaciones de artistas a nivel internacional.

La muestra reúne sus primeras pinturas monocromáticas de 1955; sus célebres monocromos azul ultramarino saturado; las pinturas de fuego y las Cosmogonías -de lluvia y viento-; las series de Esculturas Esponjas y las obras en oro, resultados del trabajo de varios años combinando práctica pictórica, espiritualidad, la fuerza de la naturaleza y la exploración de un camino hacia lo absoluto. Klein es también uno de los precursores del happening con la realización de sus Antropometrías en público, el Salto al Vacío, el proyecto de iluminación del Obelisco de la plaza Concorde, entre otros proyectos que integran la exposición a partir de documentos, registros, escritos, y una exhaustiva presentación de material de los archivos del artista.

MAMBA

Tomás Saraceno

Del 6 de abril al 24 de septiembre de 2017

El artista argentino (1973, vive en Berlín) realizará el año próximo su primer proyecto de gran escala en un museo de Argentina. Para el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), Saraceno realizará una nueva obra –o, más bien, un arriesgado experimento- que consiste en una tela de araña de kilómetros de longitud construida por diez mil arañas que desde ya habitan el museo.

Además, el MAMBA celebrará en 2017 una retrospectiva de Liliana Maresca (1951-1994), que incluirá obras inéditas relacionadas con sus proyectos colectivos Una Bufanda para la ciudad, Lavarte, La Kermesse y La Conquista.

MACBA

El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires comenzará el año presentando su colección permanente bajo la curaduría de Rodrigo Alonso, quien establecerá un diálogo entre obras patrimoniales y producciones de artistas geométricos y abstractos contemporáneos. Luego, la curadora Florencia Battiti exhibirá un contrapunto entre las producciones del norteamericano Tony Oursler y el artista argentino Gabriel Valansi. La muestra se desarrollará en el marco de la Bienal de Performance 17.

MÉXICO

MUAC

Óscar Masotta. La teoría como acción.

Del  18 de marzo al 30 de julio de 2017

Curadora: Ana Longoni

Oscar Masotta. La teoría como acción, reconstruye la trayectoria intelectual de este importante pensador, crítico y artista (Buenos Aires, 1930- Barcelona, 1979), figura crucial en las transformaciones del campo cultural argentino e iberoamericano del periodo comprendido entre las décadas de 1950 y 1970. La muestra ahonda sobre sus múltiples y móviles intereses teóricos: de la literatura y la militancia política a la vanguardia artística y la historieta, el psicoanálisis lacaniano, en una perspectiva heterodoxa que entrecruza el existencialismo, el marxismo, la semiología, el estructuralismo, entre otros paradigmas. A partir de material de corte documental y de obras artísticas –de su producción y la de la vanguardia argentina de los 60, a quienes él llama “los imagineros argentinos”, y en especial del grupo “Arte de los Medios”– así como de algunas derivas actuales de su trabajo, la exposición busca integrar las distintas constelaciones de lecturas, intervenciones y zonas de incidencia. Al mismo tiempo, se pregunta por la incidencia de su legado en el presente, tomando como eje uno de los conceptos clave en su trabajo: el ejercicio teórico como un modo de acción política.

MUAC

Juan Acha. Despertar revolucionario. En el marco del centenario de Juan Acha

Del 28 de enero al 28 de mayo de 2017

Curador: Joaquín Barriendos en colaboración con el Centro de Documentación Arkheia

Juan Acha. Despertar Revolucionario es la primera muestra organizada con documentos provenientes del Archivo Juan Acha. Curada por Joaquín Barriendos en colaboración con el Centro de Documentación Arkheia, la exposición toma como punto de partida un artículo escrito en 1970 en el que Acha define los comportamientos artísticos de vanguardia que habían comenzado a brotar en América Latina hacia el final de la década de los sesentas como una guerrilla cultural. “Los artistas –afirma Acha sin titubeos– están tomando parte en nuestro despertar revolucionario; comienzan a pensar y difundir la necesidad de una revolución cultural”.

El año en el que fue concebido el artículo que da título a esta exposición marca un momento de inflexión en la carrera profesional de Juan Acha, ya que antes de poder publicarlo Acha fue encarcelado por el gobierno de Velasco Alvarado, un gobierno autoproclamado como revolucionario que operaba de facto como una dictadura militar. Esta situación motivó a Acha a dejar Lima para radicarse de manera definitiva en México. El desplazamiento de las colecciones especiales de este archivo a las salas del museo ha sido concebido por lo tanto como un diálogo de ida y vuelta entre el Perú, el México y la América Latina de Juan Acha.

La exposición da cuenta de la manera en la que Juan Acha se valió de la crítica para impulsar en América Latina el despertar revolucionario que no había podido vivenciar en Lima; un despertar que, haciéndose eco de las palabras del crítico brasileño Mario Pedrosa, fue concebido por el propio Acha como el ejercicio creativo de las libertades sensoriales, artísticas, sexuales y cognitivas desencadenadas con los acontecimientos políticos del 68.

Juan Acha. Despertar Revolucionario rastrea sus diferentes facetas como crítico, investigador, curador, productor de teorías, activista cultural y educador, poniendo especial énfasis en su participación dentro del circuito cultural mexicano en el que fermentaron los grupos así como en su rol como organizador de eventos internacionales como el simposio de la Primera Bienal Latinoamericana de Sao Paulo (1978) o el Primer Coloquio de Arte No-Objetual y Arte Urbano de Medellín (1981).

Además del Archivo Juan Acha –donado a la UNAM en 2008 por la artista Mahia Biblos– esta muestra incluye materiales provenientes de Fondos Documentales del Centro de Documentación Arkheia así como de otros fondos de provenientes de otros países. Lo que caracteriza a la mayoría de estos materiales es que son al mismo tiempo obras de arte y documentación de procesos artísticos, como es el caso de los registros de acciones urbanas, el arte correo, o las inscripciones materiales de prácticas conceptualistas, todas ellas variantes del arte no-objetual que tanto interesó a Juan Acha.

Con esta exposición, el MUAC cierra un ciclo de actividades organizadas en México y en el extranjero para conmemorar el centenario de Juan Acha.

MUSEO JUMEX

Ulises Carrión. Querido Lector. No Lea

Del 9 de febrero al 7 de mayo de 2017

El Museo Jumex presenta la retrospectiva Querido lector. No lea, dedicada al creador mexicano Ulises Carrión, artista, editor, escritor, comisario de exposiciones y teórico de la vanguardia artística internacional posterior a la década de los sesenta, además de figura clave del arte conceptual mexicano.

La exposición tiene como objetivo ilustrar todos los aspectos de su obra artística e intelectual, desde su trayectoria inicial como joven escritor de éxito en México, y sus años de universidad como alumno de posgrado en Francia, Alemania e Inglaterra durante los cuales estudió lenguaje y lingüística, hasta sus numerosas actividades desarrolladas en Ámsterdam, ciudad en la que Carrión se estableció definitivamente en 1972, y en la que vivió hasta su muerte a los 49 años.

Se exhiben alrededor de 350 piezas, entre las que se incluyen libros, revistas, videos, obras sonoras, arte correo, proyectos públicos y performances, así como sus iniciativas como comisario, editor, distribuidor, conferenciante, archivero, teórico del arte y escritor. Para su consecución ha sido fundamental la colaboración del Archivo Lafuente que, al igual que en ocasiones anteriores, ha prestado un importante número de obras.

Sin perder de vista el carácter inclasificable de su obra, esta muestra pone de relieve su búsqueda permanente de nuevas estrategias culturales y hasta qué punto sus proyectos vienen determinados por dos aspectos fundamentales: la estructura y el lenguaje, que además constituyen las directrices de sus creaciones, influidas por su formación literaria y siempre presentes en sus trabajos. Esta dualidad se corresponde con el título de la exposición, Querido lector. No lea, que alude al díptico de Ulises Carrión del mismo nombre, e ilustra su ambigua relación con la literatura, el tema recurrente en su obra.

MUSEO JUMEX

Andy Warhol

Del 2 de junio a septiembre del 2017

El Museo Jumex presentará una exposición de Andy Warhol que comprende obra de los años sesenta e inicios de los setenta.

La muestra da cuenta de los diversos desplazamientos temáticos y técnicos que marcaron el desarrollo de la práctica artística de Warhol, desde sus pinturas de productos de consumo, hasta sus series en serigrafía de retratos de estrellas de cine, personajes famosos y desastres como accidentes automovilísticos. Considerando el contexto histórico en el que Warhol realizó estas obras, la selección curatorial subraya con especial énfasis las promesas utópicas pero también el lado oscuro de la cultura mediática y de consumo de la posguerra.

La exposición está organizada por el Museo Jumex en conjunto con el curador invitado Douglas Fogle y el Andy Warhol Museum de Pittsburgh, contando con préstamos internacionales privados e institucionales. Ocupará todas las salas y espacios del museo y estará acompañada de un cuadernillo y un catálogo coeditado por Prestel y el Museo Jumex.

CHILE

CENTRO CULTURAL PALACIO LA MONEDA (CCPLM)

Chile Abstracto

Del 22 de marzo al 28 de mayo de 2017

Curador: Ramón Castillo

La muestra Abstracción geométrica, modernismo en Chile, curada por el director de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales, Ramón Castillo, reunirá 160 piezas históricas de este movimiento local a través de artistas como Matilde Pérez, Ramón Vergara Grez, Mario Carreño, Carlos Ortúzar y Elsa Bolívar, entre otros. Una muestra inédita en Chile.

CENTRO CULTURAL PALACIO LA MONEDA (CCPLM)

Warhol

Del 13 de junio al 15 de octubre de 2017

Esta muestra, la primera gran retrospectiva del artista pop en Chile, presenta dos Cápsulas del Tiempo, retratos de celebridades como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor y Carolina Herrera. En total, se presentarán 230 obras, entre pinturas, dibujos, fotografías, serigrafías, videos y objetos provenientes del Museo Andy Warhol de Pittsburgh (EEUU).

CORPARTES

Benjamín Ossa. Intervención Artística en Municipalidad de Renca

Ubicación: Intersección Avenida Jorge Hirmas con Eje General Velásquez, Renca.

Curaduría: CorpArtes

En 2016 CorpArtes, en alianza con Abertis Autopistas Chile, la Municipalidad de Renca, el Ministerio de Obras Públicas y la Facultad de Arquitectura y Arte de la Universidad del Desarrollo, organizaron un concurso para desarrollar una intervención artística en el Paso Bajo Nivel Puente Gran Envergadura.

Este proyecto busca mejorar la inserción urbana de la autopista por medio de la mitigación, estableciendo vínculos entre el arte, Santiago y sus habitantes. Bajo la curaduría de CorpArtes, se invitó a participar a cinco artistas nacionales, resultando como ganador Benjamín Ossa.

Ossa conjugó elementos visuales y sonoros para dar vida a Proyecto Público I. Compuesta por tubos galvanizados de colores y discos metálicos dispuestos para conformar una verdadera “piel ondulante” que recubre la cara inferior del puente, la instalación puede verse tanto desde el paso peatonal como desde la autopista. A su vez, la vibración que producen los autos al pasar por la vía, genera una melodía en permanente cambio.

Durante 2017 se realizará la inauguración del proyecto, que tiene el objetivo de crear un hito urbano-artístico en este sector logrando una mejora en la calidad de vida de los vecinos.

CORPARTES

Yoko Ono. Dream Come True

Junio a octubre de 2017

Curadores: Agustín Pérez Rubio, Director artístico de MALBA, Buenos Aires; Gunnar B. Kvaran, Director del Astrup Fearnley Museum, Oslo.

Llega a Chile Dream Come True, la exposición retrospectiva de la influyente artista internacional Yoko Ono (Tokio, 1933). Figura del arte experimental y conceptual, Ono es, además, una de las creadoras del movimiento Fluxus. La muestra, conformada por más de 80 objetos, videos, films, instalaciones, sonidos y grabaciones, tiene como eje temático las “instrucciones” o piezas que la artista ha ido creando a lo largo de 60 años de carrera. Con frases como “pásate una semana riendo” o “repara con cuidado, mientras lo haces, piensa en reparar el mundo” y objetos interactivos -entre ellos un teléfono en contacto con la propia Yoko Ono-, hace una invitación a hacerse parte de la obra.

La exposición contará, además, con las creaciones de 14 artistas latinoamericanos, convocados especialmente para esta ocasión.

CORPARTES

Jorge Tacla. Todo Lo Sólido Se Desvanece

Noviembre de 2017 a enero de 2018

Curador: Christian Viveros-Fauné

“Las cosas se derrumban, el centro no puede sostenerse”, escribía Yeats en su poema La segunda venida, cuando la Revolución Rusa y la I Guerra Mundial sumergían su época en un estado de confusión. Esta misma frase podría, fácilmente, identificarse con la nueva exposición del gran artista internacional Jorge Tacla (Santiago de Chile, 1958), Todo lo sólido se desvanece.

Esta muestra que llegará al CA660 Itaú Corpbanca es, al igual que el verso de Yeats, una respuesta a las pesadillas del mundo como la guerra y la violencia. Conformada por 33 pinturas, busca dar cuenta del daño y desmoronamiento de lo que nos rodea, temática que ha sido trabajada por Tacla a lo largo de su carrera tanto en Chile como en Nueva York, donde vive hace más de 35 años.

La muestra reúne obras de series como Hidden Identities, Rubble y Altered Remains, además de piezas inéditas, entre ellas dos que serán creadas para esta muestra.

ESPAÑA

MUSEO REINA SOFÍA, MADRID

Bruce Conner. Es todo cierto

Del 22 febrero al 22 mayo de 2017

Curadores: Rudolf Frieling, conservador de Arte Multimedia, y Gary Garrels, conservador superior Elise S. Haas de Pintura y Escultura del San Francisco Museum of Modern Art.

Bruce Conner (1933, McPherson, Kansas-2008, San Francisco) es uno de los artistas norteamericanos más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Esta exposición, la primera que presenta su trabajo en España, reúne más de 250 obras que abarcan los cincuenta años de su trayectoria.

La obra de Conner surge en la escena artística de California y aborda diversas cuestiones que preocupaban a la sociedad norteamericana de posguerra: desde la incipiente cultura del consumo al terror ante el apocalipsis nuclear. En su trabajo cultiva la alternancia de medios, convertida en la seña de identidad del arte del siglo XXI, adoptando diferentes técnicas y, a menudo, creando piezas híbridas que se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura, el cine y la performance, el dibujo y el grabado.

MUSEO REINA SOFÍA, MADRID

Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica

Del 5 abril al 4 septiembre de 2017

Curadores: Timothy James Clark y Anne M. Wagner

Coincidiendo con el 80 aniversario de la primera vez que se expuso Guernica, el Museo Reina Sofía presenta la muestra Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica. La exposición aborda la visión que proyectó Picasso sobre la guerra moderna –guerra desde el aire, muerte en la distancia, cuyo objetivo era la destrucción de poblaciones enteras– así como la singular iconografía de agonía, perplejidad y horror que este tipo de violencia trae consigo. En concreto, se centra en las raíces del imaginario de Guernica que podemos encontrar en obras previas del pintor, realizadas en los años posteriores a 1925, donde ya aparecen escenas de acción frenética y extática, a menudo rodeadas de un halo de peligro y que presentan situaciones de violencia explícita: bailes desaforados, feroces enfrentamientos entre el artista y la modelo, monstruosos forcejeos de índole sexual en la playa, o mujeres atrapadas en sillones con la boca abierta en un grito o rugido salvaje.

El recorrido planteado por la exposición pone de relieve que no hubiera sido posible para el artista concebir Guernica –esa puesta en escena final de una inmensa tragedia dirigida al ámbito público– sin estos singulares experimentos anteriores. Por esta razón, la muestra arranca con las naturalezas muertas y los interiores de los años 1924 y 1925,  para dar paso a cómo Picasso abordó la monstruosidad y la violencia a finales de esa década y durante la siguiente, con sus terribles retratos e interiores realizados al comienzo de la Segunda Guerra.

MUSEO REINA SOFÍA, MADRID

Mário Pedrosa: De la naturaleza afectiva de la forma

Del 27 de abril al 16 de octubre de 2017

Curadores: Gabriel Pérez-Barreiro y Michelle Sommer

El brasileño Mário Pedrosa (Pernambuco, 1900-Río de Janeiro, 1981) fue uno de los pensadores latinoamericanos más importantes del siglo XX. Crítico, político y sociólogo, Pedrosa encarna el paradigma del intelectual público, comprometido con el debate sobre el futuro de la sociedad tanto en términos culturales como políticos. Fue un interlocutor en la formación de la cultura moderna de Brasil, contribuyendo tanto a la consolidación de instituciones de arte moderno como a la de la Bienal de São Paulo, de la que fue director y consultor en distintas etapas. Asimismo, los encuentros con artistas en su apartamento de Río de Janeiro resultaron fundamentales para la explosión de ideas que transformaron la escena artística brasileña en la mitad del siglo pasado. Por otro lado, su militancia política le llevó primero a años de exilio y, más tarde, a desempeñar un papel clave en la recuperación de la democracia de su país.

Como crítico de arte, Pedrosa ha sido reconocido como el impulsor del arte concreto y neoconcreto pero en sus escritos no le daba prioridad a un lenguaje artístico sobre otro: su visión de la modernidad era horizontal y simultánea, más que lineal y jerárquica. De ahí que incluyera en su lectura del arte moderno a artistas que no encajaban en genealogías artísticas y a aquellos situados al margen de la sociedad, incluidos los enfermos mentales. Mario Pedrosa fue además quien convocó en 1971 a los artistas del mundo a donar obras para la fundación de un museo de arte moderno y experimental para el pueblo chileno: el Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA).

En esta muestra, la selección de obras de los artistas que Pedrosa analizó articula distintos ámbitos plásticos, permitiendo visualizar las cuestiones que le interesaban, como, por ejemplo, las tendencias introvertidas del arte de los años cincuenta (desde el italiano Giorgio Morandi hasta Milton Dacosta o Maria Leontina); la cuestión de un arte pop brasileño en el que la sociedad de consumo se presenta como lugar de conflicto (Rubens Gerchman o Antonio Dias), o el “arte virgem”, término acuñado por Pedrosa para designar el arte realizado por enfermos mentales, pasando por el neoconcretismo de Hélio Oiticica y Lygia Clark.

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BARCELONA (MACBA)

Poesía Brossa

Del 21 de septiembre de 2017 a febrero de 2018

El MACBA presenta Poesía Brossa, una revisión exhaustiva del trabajo de este artista desde sus primeros libros hasta sus últimas investigaciones plásticas, atravesando el teatro, el cine, la música, las artes de acción, los gestos de los que fue pionero.

La exposición quiere poner en diálogo y confrontar la obra de Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998) con la poesía de artistas como Marcel Mariën, Nicanor Parra y Ian Hamilton-Finlay, y también con los poetas del letrismo, la poesía visual, la poesía concreta, experimental, expandida o Fluxus. Brossa es poeta, pero sus trabajos siempre se encuentran en el cruce de lenguajes. Colaborador frecuente de otros artistas, así como de músicos, cineastas, bailarines, humoristas e incluso magos, su obra juega constantemente a romper las convenciones y los límites entre disciplinas.

Joan Brossa desarrolla su práctica artística desde los años cuarenta, en un contexto sociopolítico marcado por la dictadura franquista y en una situación cultural caracterizada por la ausencia de propuestas vanguardistas e innovadoras. Desde sus inicios, Brossa lleva a cabo un trabajo de renovación estética fundamentado en la investigación literaria y artística. Hasta el momento de su muerte, su extensísima producción no deja de buscar nuevas formas de expresión y de experimentar con los diferentes medios.

En 2011 el Museu d’Art Contemporani de Barcelona recibió el depósito del Fondo de la Fundació Joan Brossa, que reúne el legado de este artista. El Fondo consiste en obras manuscritas, documentos, correspondencia y su biblioteca personal, entre otros materiales, y constituye una herramienta inigualable para abordar el interesantísimo trabajo de este artista.

La exposición que el MACBA prepara para 2017 quiere aproximarse a la obra de Brossa haciendo hincapié en la reconsideración de su influencia e interrelación con la práctica de otros artistas. El proyecto pretende revisar las constelaciones de artistas en torno a Brossa, las interrelaciones con trabajos que quizás desconociera, pero que permiten establecer numerosos paralelismos, buscar diálogos y tensiones, y enfatizar los aspectos performativos de su práctica poética, su poiesis. La exposición se acompañará de una publicación que abordará estos aspectos. En el proyecto contamos con la colaboración de Roger Bernat, Isabel de Naverán y Maria Salgado.

CENTRO DE ARTE 2 DE MAYO, MADRID

Borrador para una exposición sin título. Cabello/Carceller

Del 20 de enero al 7 de mayo de 2017

Curador: Manuel Segade

Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares, ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.

Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición es la primera revisión retrospectiva de su trayectoria, que permite situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.

CENTRO DE ARTE 2 DE MAYO, MADRID

Jorge Macchi. Perspectiva

Del 18 de febrero al 10 de junio de 2017

Curador: Agustín Pérez Rubio

Exposición antológica de Jorge Macchi (Buenos Aires, 1963) que repasa sus 25 años de producción artística en múltiples formatos: obras sobre papel, videos, pinturas, fotografías e instalaciones provenientes de numerosas colecciones públicas y privadas de Argentina, España, Portugal y Estados Unidos.

La muestra incluye alrededor de 40 obras realizadas entre 1990 y la actualidad, y está organizada en diferentes núcleos temáticos, que incluyen sus cartografías, obras hechas de recortes periodísticos, instalaciones donde el tiempo se detiene y el efecto óptico quiebra la realidad, fantasmagorías pictóricas y videoinstalaciones en las que la música tiene un rol fundamental.

REINO UNIDO

TATE BRITAIN, LONDRES

David Hockney

Del 9 de febrero al 29 de mayo de 2017

Esta exposición reúne una amplia selección de las obras más famosas de David Hockney que celebran sus logros en pintura, dibujo, impresión, fotografía y video durante seis décadas.

Cercano a cumplir los 80 años de edad, Hockney sigue cambiando su estilo y formas de trabajar, abrazando nuevas tecnologías a medida que avanza. Desde sus retratos e imágenes de las piscinas de Los Ángeles hasta sus dibujos y fotografías, los paisajes de Yorkshire y las pinturas más recientes -algunas de las cuales nunca se han visto antes en público- esta exhibición mostrará cómo las raíces de cada nueva dirección residen en su obra anterior. Una oportunidad única en la vida para ver estos inolvidables trabajos juntos.

Esta exposición es organizada en colaboración con el Centre Pompidou, París, y el Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

ESTADOS UNIDOS

MoMA, NUEVA YORK

Robert Rauschenberg

Del 21 de mayo al 17 de septiembre de 2017

La primera retrospectiva de Robert Rauschenberg en el siglo XXI presenta trabajos de seis décadas de su ampliamente celebrada carrera: más de 250 pinturas, esculturas, dibujos, grabados, fotografías y grabaciones de sonido y video. El aclamado artista y cineasta Charles Atlas está colaborando en el diseño de la exposición para destacar el trabajo de Rauschenberg con la danza y el performance.

La presentación del MoMA está estructurada como una “monografía abierta”, toda vez que otros artistas que entraron en la vida creativa de Rauschenberg se incluyen en la exposición, trazando su intercambio de ideas. Entre los artistas se incluyen John Cage, Merce Cunningham, Sari Dienes, Jasper Johns, Billy Klüver, Yvonne Rainer, Paul Taylor, David Tudor, Cy Twombly, Susan Weil, entre muchos otros.

La exposición está organizada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York y Tate Modern en Londres.

GUGGENHEIM, NUEVA YORK

Josef Albers in Latin America (título tentativo)

Del 3 de noviembre de 2017 al 18 de febrero de 2018

Curadora: Lauren Hinkson

En su primer viaje a México, en 1935, Josef Albers (1888-1976) se encontró con la magnífica arquitectura de la antigua Mesoamérica. Más tarde comentó en una carta a Vasily Kandinsky, un ex colega de la Bauhaus: “México es verdaderamente la tierra prometida del arte abstracto”. Con su esposa, la artista Anni Albers (1899- 1994), Josef Albers visitó México y otros países latinoamericanos casi una docena de veces entre 1935 y 1967. Vieron numerosos sitios arqueológicos y monumentos, especialmente en México y Perú. En cada visita, tomó cientos de fotografías en blanco y negro de las pirámides y santuarios en estos sitios, a menudo agrupando múltiples imágenes impresas en varias escalas en hojas de 8 por 10 pulgadas.

El enfoque innovador de Albers a la fotografía sigue siendo un aspecto subestimado de su carrera. Esta exposición reúne sus fotografías y fotocollages de la colección del Guggenheim y varios prestamistas. Estas obras, muchas de las cuales nunca han sido expuestas públicamente, sugieren una relación matizada entre las formas y motivos de los monumentos precolombinos y los icónicos lienzos abstractos del artista. Las experiencias de Albers en América Latina ofrecen un contexto esencial para la comprensión de sus pinturas y grabados, particularmente de su Homenaje al Cuadrado y de la serie Variant / Adobe, cuyos ejemplos se presentan en esta exhibición.

BRONX MUSEUM, NUEVA YORK

Gordon Matta-Clark: Anarchitect

Del 27 de septiembre de 2017 al 2 de enero de 2018

Curadores: Sergio Bessa y Jessamyn Fiore

Gordon Matta-Clark: Anarchitect cuenta con aproximadamente 100 obras del artista, materiales de archivo raras veces vistos y elementos relacionados pertenecientes a la colección permanente del Museo del Bronx. Matta-Clark es reconocido por su revolucionario legado al desafiar los límites establecidos del arte, la arquitectura, el cine, el performance y la escultura, pero su conexión permanente con el Bronx, su compromiso con la ciudad en un momento de transformación radical y sus aproximaciones relacionales e inspiradas por el activismo continúan exigiendo una nueva perspectiva curatorial.

Anarchitect examina el impacto de Matta-Clark en repensar la arquitectura después de la caída de la utopía urbana del modernismo, y demuestra el papel único desempeñado por el Bronx en su desarrollo artístico y compromiso sociopolítico. Reteniendo la creencia de Matta-Clark en el arte como un diálogo que se desarrolla continuamente, esta exposición trae una nueva relevancia a su trabajo, en la acentuada reprensión del abandono urbano selectivo y el desarrollo como borramiento cultural.

La exposición viajará luego a espacios de Europa hasta 2019, incluidos el Jeu de Paume, en París; El Museo de Arte de Kumu, en Tallin, Estonia; y De La Warr Pavilion en East Sussex, Inglaterra.

DRAWING CENTER, NUEVA YORK

Mateo López: Undo List

Del 20 de enero al 19 de marzo de 2017

Curadora: Claire Gilman, Curadora Principal, Drawing Center

Mateo López: Undo List es una instalación multidisciplinar que será la primera exposición individual del artista colombiano en un museo de Estados Unidos. Cuenta con trabajos en papel, escultura, performance y proyección de films. Formado como arquitecto en Bogotá, López ha utilizado desde hace tiempo el dibujo como herramienta conceptual para cruzar disciplinas y categorías estéticas. El dibujo es más que un medio artístico para López; es una forma de concebir y, de hecho, de habitar el mundo. Construcciones dibujadas simples que pueden ser manipuladas de varias maneras; representaciones de papel trompe l’oeil de objetos de dos y tres dimensiones (por ejemplo, réplicas casi exactas de hojas de papel alineadas); dibujos hechos a partir de los remanentes producidos por el corte en otras obras, son sólo algunos de los dispositivos que López utiliza para revelar que, como él mismo dice, así como todo lo fabricado era en un punto un dibujo, también, “una imagen no es plana: es una atmósfera, contiene tiempo y espacio”.

THE MET BREUER, NUEVA YORK

Lygia Pape: A Multitude of Forms

Del 21 de marzo al 23 de Julio de 2017

Curadora: Iria Candela, Curadora Estrellita B. Brodsky de Arte Latinoamericano del MET.

La primera exposición monográfica en Estados Unidos dedicada a la artista brasileña Lygia Pape (1927-2004) abrirá en el Met Breuer en la primavera de 2017. Una figura crítica en el desarrollo del arte moderno brasileño, Pape combinó la abstracción geométrica con nociones del cuerpo, el tiempo y el espacio de manera única, transformando radicalmente la naturaleza del objeto de arte a finales de los años 50 y principios de los 60. Cubriendo una prolífica e inclasificable carrera que duró cinco décadas, la exposición examinará la obra extraordinariamente rica de Pape, que se manifiesta en diversos medios, desde la escultura, el grabado y la pintura hasta la instalación, la fotografía, el performance y el cine. La exposición fue organizada por The Met en colaboración con Projeto Lygia Pape.

PACIFIC STANDARD TIME: LA/LA, LOS ANGELES Y OTRAS CIUDADES DEL SUR DE CALIFORNIA

Un proyecto de Getty Foundation

A partir de septiembre de 2017

A través de una serie de exposiciones vinculadas temáticamente, el proyecto Pacific Sandard Time: LA/LA tiene como objetivo mirar con nuevos ojos tradiciones vitales y dinámicas del arte latino y latinoamericano. Aunque la mayoría de las exposiciones pondrán su énfasis en el arte moderno y contemporáneo, habrá también exposiciones cruciales sobre el mundo antiguo y el periodo pre-moderno. Esta iniciativa generará importantes investigaciones sobre temas que irán desde los objetos de lujo de la América precolombina hasta el arte afro-brasileňo del siglo XX, monografías de artistas como Valeska Soares, Juan Downey, José Dávila, León Ferrari y David Lamelas, o los espacios alternativos “renegados” de la Ciudad de México.  Este ambicioso proyecto, que inicia en septiembre de 2017, incluirá 46 exposiciones y eventos, desde San Diego hasta Santa Bárbara. Por ejemplo, el Hammer Museum, en Los Angeles, presentará una de las exposiciones más esperadas de esta serie: The Political Body: Radical Women in Latin American Art 1960-1985, curada por Cecilia Fajardo-Hill y Andrea Giunta.

HAMMER MUSEUM, LOS ANGELES

Jimmie Durham: At the Center of the World

Del 29 de enero al 7 de mayo de 2017

Curadora: Anne Ellegood

The Hammer Museum presenta Jimmie Durham: At the Center of the World, la primera retrospectiva norteamericana del artista, performer, poeta, ensayista y activista Jimmie Durham (Washington, Arkansas, 1940). Se trata de su primera exposición importante en Estados Unidos desde 1995, y cuenta con cerca de 200 obras de la extensa práctica de Durham, incluyendo escultura, dibujo, collage, grabado, fotografía y video, que datan de 1970 hasta la actualidad. Con ingenio y humor estratégicos, sus obras abordan temas importantes como el papel vital del arte en el pensamiento crítico, los modos de representación, el genocidio y la estadidad. La exposición viajará posteriormente al Walker Art Center, en Minneapolis, del 22 de junio al 8 de octubre de 2017; el Museo Whitney de Arte Americano, en Nueva York, del 3 de noviembre de 2017 al 28 de enero de 2018; y el Remai Modern en Saskatoon, Canadá, en la primavera de 2018.

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