Valiéndose de la intervención y la reinterpretación, Cristina Garrido (Madrid, 1986) investiga las metamorfosis del valor comercial y utilitario de objetos y espacios. Definida como irónica y metarreferencial, su práctica explora los límites del sistema y el objeto artístico a través del trabajo en red y la inclusión de terceros. Obras como They are these or the may be others (2014-2015) o #JWIITMTESDSA? (2015) proponen una reflexión crítica sobre el entendimiento del arte en la era digital, los espacios de exposición contemporáneos o los procesos de legitimación de la obra de arte.

Cursando sus estudios de Bellas Artes en Madrid, continúa su formación en Londres. La investigación en sus primeros trabajos de la naturaleza del objeto de consumo y el estudio del valor comercial le llevaron a eliminar en su serie Veil of Invisibility (en proceso desde 2011) las imágenes de obras de arte en diferentes postales de tiendas de museos. Intervino también el espacio expositivo de IKEA en su acción Removals, trabajando y resignificando en Paintings for Wallets (2012-2017) distintos billetes de lotería.

Sus motivos de interés derivan desde la intervención al estudio y la crítica institucional. En sus proyectos más recientes –como It Don´t Mean a Thing (If It Ain´t Got That Swing) (2014) o Clocking In and Out (2015)- cuestiona la influencia de su propia formación, las distintas determinaciones necesarias para la conformación de su obra o los mecanismos y actores del mercado del arte.

Durante los próximos meses realizará una residencia en Casa Maauad en México, colaborando durante la semana de ARCOmadrid con la comisaria Marta Ramos-Yzquierdo y el artista Bruno Moreschi en una muestra en el espacio expositivo independiente El Salón. A través de una entrevista desarrollada vía email, Cristina Garrido nos habla de su obra y sus futuros proyectos.

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Cristina Garrido, #JWIITMTESDSA? (Just what is it that makes today´s exhibitions so different, so appealing?), 2015. Instalación multimedia; dimensiones variables. Detalle de instalación de la exposición Generación 2015, La Casa Encendida (Madrid, España, 2015). Cortesía de la artista Cristina Garrido, #JWIITMTESDSA? (Just what is it that makes today´s exhibitions so different, so appealing?), 2015. Instalación multimedia; dimensiones variables. Detalle de instalación de la exposición Generación 2015, La Casa Encendida (Madrid, España, 2015). Cortesía de la artista

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Cristina Garrido, #JWIITMTESDSA? (Just what is it that makes today´s exhibitions so different, so appealing?), 2015. Instalación multimedia; dimensiones variables. Detalle de instalación de la exposición Generación 2015, La Casa Encendida (Madrid, España, 2015). Cortesía de la artista Cristina Garrido, #JWIITMTESDSA? (Just what is it that makes today´s exhibitions so different, so appealing?), 2015. Instalación multimedia; dimensiones variables. Detalle de instalación de la exposición Generación 2015, La Casa Encendida (Madrid, España, 2015). Cortesía de la artista

Lorena Bueno Larraz: A lo largo de tu carrera, tus intereses y motivos de trabajo han ido cambiando. Desde el objeto comercial y artístico, a la crítica institucional o los mecanismos del mercado del arte ¿Qué es lo que consideras más interesante de este proceso? ¿En qué estás trabajando actualmente?

Cristina Garrido: Mis trabajos se han desarrollado de una manera bastante orgánica, como si de una misma idea se tratara y en la que he ido profundizando con el tiempo. Lo más interesante de este proceso para mí es que, de alguna forma, el trabajo ha ido girando cada vez más sobre mi relación con mi entorno y trata problemas que he ido observando a mi alrededor. A medida que he ido adentrándome en el mundo del arte, he ido enfocando mi obra hacia elementos y agentes que componen este mundo desde mi posición como artista. En este momento estoy cuestionándome los preceptos que parecen ser esenciales hoy a la hora de construir una obra de arte; cómo se han asentado en el sistema artístico, de dónde proceden y a qué intereses atienden.

LL: Entiendo que esto se puede relacionar con tu última obra Cloking in and out. Me gustaría me que comentaras cuáles son las posibles formalizaciones con las que estás trabajando en relación a estos planteamientos.

CG: Clocking In and Out respondía más a mi preocupación por monitorizar y tratar de conocer en qué consiste mi trabajo, cada vez más inmaterial, y comunicarlo a una audiencia que no necesariamente tiene que ver con el ámbito artístico a través de las redes sociales. La persona que se encontraba con mis selfies en su timeline también se reconocía a sí misma dentro de ese sistema de permanente conectividad, e incluso se dio el caso de que algunas personas comenzaron a conocer mis rutinas, esperar la foto y hacer comentarios. Los cuestionamientos que están generando los nuevos trabajos también pasan por preguntarme cómo concibo la obra; qué elementos han entrado en juego a la hora de determinar mi propia idea de lo que puede ser una obra mía y a qué ideología atienden. Entre ellos, mi formación, a caballo entre la Facultad de Bellas Artes de Madrid y una formación anglosajona, mi propia condición como artista española dentro del mundo del arte tal y como está montado hoy, etc. De momento, en este caso, se están gestando en forma de diálogos escritos con artistas y en un interés cada vez mayor en la práctica curatorial.

LL: En algunos de tus últimos trabajos has comenzado a incorporar e utilizar Internet de una manera más directa, siendo que anteriormente lo utilizabas principalmente como fuente de recursos. ¿Cómo entiendes este cambio? ¿Puedes adelantarme cómo va a ser la presencia de Internet en tus próximas obras? ¿Cómo crees que esto va a afectar, o afecta, al desarrollo de tu obra, a tu modo de trabajo?

CG: Esto pienso que tiene que ver con lo que he dicho antes. El uso de Internet en mi trabajo se ha producido a medida en que se producía en mi vida cotidiana. Si antes de tener un Smartphone miraba más alrededor de mi entorno físico y este entorno me despertaba ideas, cada vez más, el medio en que paso gran parte del tiempo es el mundo virtual, lo cual ha producido que trabaje con este material. En este sentido el proceso es el mismo, no establezco distinciones entre ambos medios. Hace poco realicé una residencia en La Habana, Artista X Artista. Allí el acceso a Internet resulta costoso y escaso, por lo que estuve un mes prácticamente en el mundo offline y entré en contacto con un contexto en el que Internet es, prácticamente, irrelevante. Mi utilización de esta herramienta ahora es menos abusiva y pienso que esta corta experiencia se verá de algún modo reflejada en futuros proyectos. En cuanto a la forma en la que afecta el uso de Internet como fuente y también medio de circulación de proyectos artísticos, opino que contribuye a cierta desmaterialización del trabajo; no sé si esto es bueno o malo. Es indiscutible que Internet es un medio que hoy nos brinda muchas posibilidades a la hora de difundir nuestro trabajo como artistas, pero considero que a veces esconde una cierta precarización del mismo y contribuye a que el tiempo que le dedicamos a una obra sea realmente breve. Pienso, por ejemplo, en la moda de los Instagram takeovers. Sin embargo, creo que es una herramienta que permite una inmediatez muy interesante. Opino que, en la actualidad, el artista depende de demasiados intermediarios a la hora de hacer algo tan sencillo y natural como mostrar su trabajo a las personas. Pienso que Internet brinda al artista la posibilidad de exponer su trabajo sin la necesidad de que un comisario o una galería lo invite a una muestra en un espacio físico.

LL: En tus obras es muy importante la inclusión y participación de terceros. Me gustaría poner esto en relación con la anterior pregunta.

CG: En ese sentido en mi mente no hago una distinción entre el medio de trabajo físico y el virtual y ambos de nutren el uno del otro. Es cierto que Internet permite que puedas acceder a personas que no se encuentran en tu entorno de una forma más inmediata.

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Cristina Garrido, They are these or they may be others, 2015. Acrílico sobre 17 impresiones láser en papel RC; 100 x 66 cm/u. Vista general de instalación de la exposición They are these or they may be others, 3+1 Arte Contemporânea (Lisboa, Portugal, 2015). Cortesía de la artista Cristina Garrido, They are these or they may be others, 2015. Acrílico sobre 17 impresiones láser en papel RC; 100 x 66 cm/u. Vista general de instalación de la exposición They are these or they may be others, 3+1 Arte Contemporânea (Lisboa, Portugal, 2015). Cortesía de la artista

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Cristina Garrido, They are these or they may be others, 2015. Acrílico sobre 17 impresiones láser en papel RC; 100 x 66 cm/u. Vista general de instalación de la exposición They are these or they may be others, 3+1 Arte Contemporânea (Lisboa, Portugal, 2015). Cortesía de la artista Cristina Garrido, They are these or they may be others, 2015. Acrílico sobre 17 impresiones láser en papel RC; 100 x 66 cm/u. Vista general de instalación de la exposición They are these or they may be others, 3+1 Arte Contemporânea (Lisboa, Portugal, 2015). Cortesía de la artista

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Cristina Garrido, They are these or they may be others, 2015. Acrílico sobre 17 impresiones láser en papel RC; 100 x 66 cm/u. Vista general de instalación de la exposición They are these or they may be others, 3+1 Arte Contemporânea (Lisboa, Portugal, 2015). Cortesía de la artista Cristina Garrido, They are these or they may be others, 2015. Acrílico sobre 17 impresiones láser en papel RC; 100 x 66 cm/u. Vista general de instalación de la exposición They are these or they may be others, 3+1 Arte Contemporânea (Lisboa, Portugal, 2015). Cortesía de la artista

LL: Para tu próxima exposición After/ Depois/ Según en El Salón trabajarás de nuevo con Bruno Moreschi. ¿Cómo surgió este proyecto? ¿Cómo se va a desarrollar esta colaboración?

CG: Nos invitó la curadora Marta Ramos-Yzquierdo, aunque la exposición estará firmada por los tres, sin hacer una distinción entre los roles de artistas y comisario. Conocí a Bruno Moreschi el año pasado, a partir de que nos pusiera en contacto el comisario brasileño Josué Mattos y nos invitara a hacer un proyecto juntos para la Trienal de Frestas en SESC Sorocaba. Juntos habíamos llegado a realizar una obra con muchas similitudes, sin conocer la existencia del otro. Allí hicimos una performance en la que Marta, quien nos conocía a los dos, participó también. A partir de este encuentro, Marta nos propuso realizar esta muestra que podrá verse en el espacio independiente El Salón durante los días de la feria ARCO. Nuestro punto de partida es el de cuestionar qué diferencias hay actualmente entre el trabajo de un artista y el de un curador al afrontar la creación y/o producción en el medio artístico a través de las estrategias de apropiación, presentes tanto en la obra de Bruno, como en la mía y en la misma tarea curatorial. Pensar en los límites, si es que existen, de cada ámbito de acción y las fronteras de la obra en sí misma, así como las que pudieran determinar su relación con el público y los mecanismos de valoración que se ejercen en el sistema del arte y en la sociedad. El resultado no será una exposición de obras de arte, lo cual nos parece pertinente en esos días de locura de la feria.

LL: Supongo que no me vas a poder adelantar cuál va a ser el formato final de la muestra, pero me gustaría saber mediante qué obras, exposiciones, situaciones, trabajos de artistas o comisarios comenzaste a desarrollar este proyecto, a cuáles te vas a referir o cuáles consideras que son interesantes tener en cuenta, tanto en relación a esta muestra como fuera de ella.

CG: El proceso de trabajo en After/ Depois/ Según ha consistido en un intercambio, tanto de textos, imágenes, como de objetos que nos hemos ido enviando los tres indistintamente, acentuando la importancia de la circulación de pensamiento como clave para cualquiera de los roles que queramos adoptar dentro del sistema artístico. Algunas de nuestras referencias son los planteamientos de artistas, curadores o teóricos como Mel Ramsden, Hito Steyerl, Boris Groys, Andrea Fraser, Dorothea von Hantelmann o Pablo Helguera, entre otros.

LL: En abril comenzarás una residencia en Casa Maauad ¿Qué es lo que tienes preparado para estos meses?

CG: La residencia en Casa Maauad termina con una muestra personal. Trabajaré en torno al tema de la exposición artística y los agentes que determinan aquello que se presenta como arte al espectador en una exposición, a través de la colaboración con distintos agentes del contexto de Ciudad de México. De momento, ¡no puedo decir más!

LL: Ya que no puedo preguntar mucho más sobre la residencia: ¿Qué es lo que consideras más interesante del contexto de Ciudad de México? ¿Podrías relacionarlo con Londres o Madrid?

CG: Iré por primera vez a México para mi residencia, por lo que no tengo un conocimiento del contexto a fondo, salvo a través de ciertos artistas y curadores que viven y trabajan allí cuyo trabajo me interesa bastante. Creo que es un contexto que propicia un pensamiento crítico y en donde se está generando un debate relevante a través de la práctica artística, los programas de estudios y los mismos museos en paralelo a la estructura que propone el mercado. De momento no puedo relacionarlo ya que, como digo, aún no tengo la experiencia, pero quizás espero encontrarme con un contexto más crítico y arriesgado.


Una versión en inglés de esta entrevista se publicó simultáneamente en Arte Fuse

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